Poetas que han confirmado su participación
en el 22 Festival Internacional de Poesía de Medellín

AFRICA

KEORAPETSE KGOSITSILE nació en Suráfrica en 1938. Poeta, performer, ensayista y profesor universitario; destacado dirigente del Congreso Nacional Africano entre 1960 y 1970. Fundó el Departamento de Arte y Cultura inspirado en la lucha contra el Apartheid. Exilado en Estados Unidos, desarrolló una amplia reflexión acerca de la literatura y la cultura afroamericana y fue reconocido por sus lecturas en clubes de jazz de Nueva York. Fue uno de los primeros en establecer un puente entre la poesía negra norteamericana y la poesía africana, y uno de los primeros poetas y el más significativo del movimiento Pan-Africano.

Fundador en Harlem del Black Arts Theatre, vio el teatro negro como una actividad fundamentalmente revolucionaria. Escribió: Vamos a la destrucción de los símbolos que han facilitado nuestro cautiverio. Vamos a crear y establecer símbolos para facilitar nuestro comienzo necesario y constante.

En 1975, regresó a África a pesar de su floreciente carrera en Estados Unidos, y ocupó un sitio como profesor en la Universidad de Dar es Salaam, en Tanzania. Una característica importante de su trabajo es el reconocimiento y celebración de sus influencias, sus amistades con otros artistas y, en particular, su profundo amor por el blues y el jazz. Su poesía centellea y palpita con citas de canciones, referencias a la música y, sobre todo, a los propios músicos, como Billie Holiday, Nina Simone, B.B. King, Otis Redding, John Coltrane, Art Blakey, Gloria Bosman, Johnny Dyani, Hugh Masekela y Pharoah Sanders.

Entre sus libros de poemas, se encuentran: Spirits Unchained, 1969; For Melba, 1970; My Name is Afrika, 1971; Places and Bloodstains: Notes for Ipeleng, 1975; The Present is a Dangerous Place to Live, 1975; When the Clouds Clear, 1990; To the Bitter End, 1995; If I Could Sing: Selected Poems, 2002; This Way I Salute You, 2004.

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RACHID BOUDJEDRA  nació en Argelia en 1939. Poeta, narrador, ensayista, profesor, cineasta y guionista de cine. Doctor en Filosofía de la Universidad de la Sorbona, 1965. Es uno de los más brillantes intelectuales argelinos, que ha padecido el exilio por su defensa de los derechos humanos. Crítico ante la situación política, social, literaria y humana de Argelia, con una obra traducida parcialmente a treinta idiomas, es uno de los más destacados autores de la literatura magrebí en lengua francesa.

Su primera y más reconocida novela, El repudio (1972) fue prohibida durante 14 años en su país. Es autor de quince novelas, entre ellas, Las mil y una noches de la nostalgia y la insolación, y de libros de poemas como Para no soñar más, 1965; Trasplante, 1984 y Cinco fragmentos del desierto, 2007.

Boudjedra identifica no sólo a los clásicos modernos como Flaubert, Proust, Joyce y Faulkner, sino también a Günter Grass y, en particular, a Claude Simon como sus influencias literarias. Formado en el Nouveau Roman, desarrolló un estilo que los críticos tempranamente denominaron “excesos verbales”. En la década de 1970 se hizo conocido como guionista de películas, entre ellas “Chroniques des années de braise”, galardonada con la Palma de Oro, en Cannes en 1975.

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JOYCE ASHUNTANTANG nació en Camerún en 1966. Poeta, actriz, guionista y productora de cine. Obtuvo una licenciatura en Inglés de la Universidad de Yaundé, Camerún, una Maestría en Bibliotecología de la Facultad de la Universidad de Gales, y un doctorado en Inglés en la Universidad de Nueva York. Entre sus libros de poesía publicados se encuentran Basket of Flaming Ashes y Wings of Words. // Fundadora de Edu-ART INC, organización que promueve el arte como medio para el cambio social, su largometraje, Potent Secrets (2001), es un hito indiscutible en la industria cinematográfica de su país. Actualmente es profesora de inglés y literatura en la Universidad de Hartford, Connecticut, Estados Unidos.
 
Ha sido descrita como "una extraordinaria tejedora de palabras" que "teje palabras en un bello y fuerte tejido que acaricia y calma, invocando y apelando a todos los sentidos." Su agudo sentido cinematográfico, la fineza de su ojo y oído le permiten representar vívidamente colores, olores, sonidos y el flujo de la vida no sólo de su Camerún natal, sino también de sus patrias adoptivas.

“¿Globalización? ¿En el globo de quién? Globalización es la creación de autopistas contaminadas en los mercados de África. Se está despojando al África desnuda, colocándola sobre otro Berlín para ojos ávidos de mejores postores. La poesía debe cantar las canciones de su desnudez y vestirla de nuevo con la verdad ancestral. Tal es el poder de la poesía, una rapsodia de las esferas. Cuando viene de las mujeres, está ungida, conjuro de la matriz con poderes curativos, llameantes cenizas no sólo para noches de deseos desenfrenados, sino también para días de fiesta comunal. La poesía tiene el poder de humanizar nuestros impulsos, el poder de romper las barreras que se interponen en el camino de una auténtica aldea global.”

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CHRIS ABANI nació en Nigeria en 1966. Poeta, novelista, músico de jazz, profesor universitario con estudios en Nigeria, Gran Bretaña y Estados Unidos. De  madre inglesa y padre Ibo-nigeriano, nació en medio de la guerra y comenzó a escribir desde muy temprano.

Su primera novela Master of the board en la que él, con sólo 16 años, situaba al cuarto Reich en Nigeria,  tuvo consecuencias nefastas para el joven escritor. Dos años después de su publicación, fue condenado a tres años de cárcel por el carácter revolucionario de sus textos. Entre las rejas sufrió torturas y aislamiento completo por períodos, hasta que fue liberado en 1991.

Describiéndose a sí mismo como "fanático del optimismo", viaja entre intersecciones cargadas de atrocidad y amor, política y religión, pérdida y  renovación. Sus poemas, de belleza devastadora, indagan la compleja historia personal, familiar, y el amor romántico. Exploran los lugares y el humor, el exilio y la libertad con poemas de la experiencia y la imaginación.

Su obra poética está constituida por libros como Kalakuta Republic, 2001; Daphne's Lot, 2003; Dog Woman, 2004; Hands Washing Water, 2006; There Are No Names for Red, 2010; Feed Me The Sun - Collected Long Poems, 2010; Sanctificum, 2010. Obra narrativa: Masters of the Board, 1985; GraceLand, 2004; Becoming Abigail, 2006; Song For Night, 2007; The Virgin of Flames, 2007. Ha recibido, entre otros, El Premio Pen Club de Estados Unidos a la Libertad de Escribir, el Premio Prince Claus, el Premio al libro de California y el Premio Guggenheim.

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DIDIER AWADI nació en Senegal en 1969. Es un reconocido rapero del África francófona. Desde su primera adolescencia incursionó en el hip-hop y trabajó como DJ. Su primer grupo se llamó Syndicate. Posteriormente, con Amadou Barry (aka Doug E Tee), constituyó el dúo Positive Black Soul, cuyo sonido tomaba prestado de la estética occidental, pero estaba profundamente imbuido de las raíces culturales y la identidad africana.

En su primer álbum Palabra de Honor, aborda temas cruciales como el endeudamiento, el patrimonio dilapidado y las tensiones políticas. En 2004, editó su segundo álbum, Another World is Possible y en 2006, el álbum Our Canoe. En 2010 salió a la luz “Presidents of Africa”, proyecto multimedia que celebra la historia de África y la lucha por las independencias, empleando los mensajes de los padres fundadores de la africanidad, entre ellos Nelson Mandela, Patrice Lumumba, Thomas Sankara y Jules Nyerere.

Pionero del rap en Senegal, ha contribuido a constituir más de 300 grupos de rap y por extensión a toda el África Occidental. También director de cine, editó su película “The Lion’s Point of View”, en 2011, y fue invitado a tomar parte en el Festival de Cannes en 2011.

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SABA KIDANE nació en Eritrea en 1978. Poeta en lengua tigriña, artista, performer, activista y periodista, se integró a la lucha por la independencia de su país desde que abandonó el colegio a los trece años. La independencia vino finalmente en 1991.

Empezó a escribir en 1995, en un principio acerca de “la naturaleza, el espiritualismo, el amor, el silencio, la tristeza y la locura''. También acerca de los conflictos sociales, la liberación de su patria, la guerra y sus secuelas, así como sobre temas de la cotidianidad de su país y vivencias personales. Ha sido paulatinamente reconocida en la escena internacional, cantando sus versos en su lengua natal. Ha escrito columnas en periódicos y ha trabajado durante años en la radio y en la televisión dirigiendo programas para los jóvenes de su país.

“Las mujeres de Eritrea han sido bardos durante mucho tiempo. En una tradición, las mujeres se reúnen alrededor de un recién nacido y componen poemas para su madre. Sin embargo, su participación en los mundos dominados por los hombres de gobierno, las profesiones y el desempeño público es un fenómeno nuevo, resultado de la guerra.”

Al decir del ya fallecido y laureado poeta de Eritrea, Reesom Haile: “Los poemas de Saba están cargados con energía positiva y cuando actúa en el escenario sientes que estás ante la presencia de alguien que habla con el mandato de una fuerza superior de música y armonía”. “La escritura, dice Saba, es la mejor cura para un mal día. De hecho, son los días “malos”, los "alimentos puros" de su poesía, que ella no puede conseguir en los buenos. "Reproduzco mi esperanza en los días malos”, escribe.

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TIBASS KAZEMATIK KANGU nació en el Congo en 1980. Compositor, cantante, escritor de canciones, guitarrista y bajista. Suele acompañar al genial poeta y músico rapero senegalés Didier Awadi. Su primer disco en solitario, Green Light, posee una melancólica voz y una letra poética que habla del amor por el canto y especialmente por los niños menos favorecidos.

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DAVID WA MAAHLAMELA nació en Suráfrica en 1984. Poeta, narrador, dramaturgo y performer. Su obra poética, escrita principalmente en sepedi e inglés, ha sido incluida en diversas publicaciones, entre ellas: New Coin, Timbila, Carapace, Botsotso, New Contrast, Kotazy Fidelities.

Ha publicado los libros de poemas: Moswarataukamariri, Mphogodiba, Poemtomy Poemsy Mopedi o Maratong; la novela Sejamolediy la obra teatral O jelweke Aretse. También compiló y editó una antología en sepedi (TšaBorala) y seis libros para niños. Obtuvo, entre otros reconocimientos el premio Herifest de Poesía, el Premio Musina Mayoral Excellence para el desarrollo de las artes  y el Premio Pan SALB.

“…La poesía sin duda ha encarnado un papel destacado en la lucha contra funestos sistemas en diferentes países alrededor del mundo; esto incluye la lucha contra el apartheid en Suráfrica. La esencia de la poesía ha sido desde tiempo memorativo un anzuelo para pescar los corazones de la gente, entendiéndose que la poesía es en sí misma poder…”

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AMÉRICA

ARTURO CORCUERA nació en Perú en 1935. Cursó estudios de literatura en la Facultad de Letras de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos y en la Universidad de Madrid.  De su poemario Noé delirante se han realizado once ediciones hasta el momento. Ha sido invitado y ha asistido a más de un centenar de acontecimientos poéticos y culturales en América, Asia y Europa.
En la actualidad dirige en Lima la revista de poesía Transparencia.

En su obra, de fina y delicada expresión, alternan lo intimista y lo social. Obras: Noé delirante, 1963; Primavera triunfante, 1964; Las Sirenas y las estaciones, 1976; Poesía de clase, 1968; Los amantes, 1978, La Gran jugada o crónica deportiva que trata de Teófilo Cubillas y el Alianza Lima, 1979; Puente de los suspiros, 1982; Corea Monte de diamante, 1984; Prosa de juglar, 1992; Canto y gemido de la Tierra, 1998; Puerto de la memoria, 2001; Sonetos del viejo amador, 2001; Parajuegos, 2002; A bordo del arca, Premio Casa de las Américas, 2006. Recibió igualmente el Premio Nacional de Poesía en 1963, el Premio internacional de poesía Atlántida en 2002 y el Premio Trieste de poesía en 2003.

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NICOLÁS SUESCÚN  nació en Bogotá en 1937. Poeta, cuentista, traductor, editor, periodista y profesor universitario. Fue galardonado recientemente con el Premio Vida y Obra 2010 de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá, premio que reconoce bienalmente a un artista veterano que haya aportado a la cultura de la ciudad durante al menos 20 años. Realizó estudios de humanidades, historia y literatura en la Universidad de Columbia y en la Escuela de Altos Estudios de París. Durante varios años dirigió la revista Eco y fue Jefe de Redacción de la revista Cromos.

Algunos de sus libros El retorno a casa, 1971; El último escalón, 1974; El extraño y otros cuentos, 1980; La vida es..., Los Cuadernos de N, 1994, y Oniromanía, 1996. Ha realizado traducciones de Rimbaud, Flaubert, Ambrose Pierce, W.B. Yeats y Stephen Crane, entre otros autores.

En entrevista con Álvaro Castillo-Granada, afirmó: “… Me deprime el país, Colombia es un país donde reina, como en la mayor parte, la injusticia, pero aquí la hipocresía la ha barnizado siempre en mayor grado, creo, que en otras partes. Por eso escribí en un poema, “Abrí los ojos y me dijeron / que en país de ciegos hiciera como el ciego. / Después me enseñaron las palabras / y me aconsejaron que cerrara la boca / si no era para repetir lo repetido”. Cuando yo estaba pequeño, la diferencia de clases era monstruosa. Ahora sigue siendo monstruosa porque los ricos son más ricos y los pobres son muchos más y más pobres, pero hay una clase media que esconde esa abismal diferencia de clases…”

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JOTAMARIO ARBELÁEZ nació en Cali, Colombia, en 1940, en el barrio de San Nicolás. Durante su bachillerato en el colegio de Santa Librada, lo sorprendió el Nadaísmo, movimiento insurgente fundado por el antioqueño Gonzalo Arango en 1958. Asumió la dirección del Nadaísmo en el Valle. Hizo parte del libro Mi reino por este mundo, que mereció en 1980 el Premio Nacional de Poesía Oveja Negra y Golpe de Dados.

En 1966 publicó su primer libro, El profeta en su casa,  con nota introductoria de Gonzalo Arango. Entre 1959 y 1970 dirigió, con Alfredo Sánchez, el suplemento literario Esquirla, donde se publicó lo principal de la obra pública del Nadaísmo y de la vanguardia de América y Europa.

En 1995 ganó el Premio Nacional de Poesía del Instituto de Cultura y Turismo de Bogotá, con La casa de memoria. En 1999 ganó el Premio Nacional de Poesía del Instituto de Cultura y Turismo de Bogotá con El cuerpo de ella. La edición bilingüe de este libro fue lanzada en París, en la Unesco, en 2002. En 2002 Aguilar publica Nada es para siempre. Antimemorias de un nadaísta. La segunda edición apareció en Caracas, en el sello editorial El perro y la rana. En 2008 ganó el Premio Internacional de Poesía Víctor Valera Mora, de la Fundación Rómulo Gallegos, con Paños menores, publicada originalmente en México por Alforja. La edición venezolana apareció en noviembre de 2008. En marzo de 2009 Planeta lanzó la edición colombiana. En 2010 Ediciones Yaugurú de Montevideo publicó su antología Culito de rana y la editorial A caza de libros publicó su Antología arbitraria.

“Yo sueño una sociedad tan espectacular donde nadie le deba nada a nadie, donde las artes se impongan por sobre los pensamientos de muerte y donde el amor nuevamente vuelva a imperar... si esto no es la solución por lo menos esto será una circunstancia que haga muy digna la vida”.

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JACOBO RAUSKIN nació en Paraguay en 1941. Es uno de los poetas paraguayos más representativos de la actualidad. Desde los años 60 ha publicado más de una decena de libros de poemas, entre ellos: Oda, 1964; Casa perdida, 1971; Naufragios, 1984; Jardín de la pereza, 1987; La noche del viaje, 1988, Premio La República 1989; La canción andariega, 1991, Premio El Lector; Alegría de un hombre que vuelve, 1992; y Fogata y dormidero de caminantes, 1994. Sus poemas han aparecido en diversas revistas y publicaciones antológicas paraguayas y extranjeras. Con su libro Espantadiablos, 2007, recibió el Premio Nacional de Literatura en su país.

“Se habla de la globalización y también se olvida que ella no es sino otro nombre del imperio. Se habla de la función de la poesía en nuestro tiempo y también se olvida que la poesía es atacada hoy con las armas más eficaces por quienes no desean que, en primer lugar, la lengua adquiera un nivel de excelencia no comercializable y, en segundo lugar, que la lengua, en dicho grado de excelencia, critique, denuncie y fustigue el orden  vigente. En suma, a pesar de Fukuyama y Huntington, los problemas de hoy, con la globalización, son parecidos a los de ayer, excepto por algo que ha convertido a la profecía en una perfecta inutilidad. Hoy se tiene la certeza basada en el cálculo, de que el futuro del planeta, con la especie humana en él, no es compatible con los paradigmas de la civilización del consumo. De modo que, para mí, la función actual de la poesía  es muy clara: alcanzar un nivel de excelencia de la lengua ajeno al carácter venal de tanta palabra impresa, y seguir denunciando, criticando, fustigando un orden mundial  basado en la peor de las injusticias: la que priva de lo mínimo a  millones  y millones de hombres y le niega a todas las especies el equilibrio necesario para garantizar la continuidad de la vida en el planeta. Lo demás es la poesía de la que muy poco puedo yo decir aquí. Se trata, por ejemplo, de los poemas y las canciones de amor que  existen independientemente de la función que se les asigne: hechizo, seducción, simple demostración de las pasiones. Ojalá el poema de amor sea siempre como el amor, ojalá el amor viva siempre la magia de los poemas y las canciones de amor. Por otra parte, la palabra siempre, tan difícil de usar con propiedad en un poema, brota espontáneamente cuando se trata de una canción de amor”.

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JOHN ROBERT LEE nació en Santa Lucía en 1948. Poeta, narrador, dramaturgo, actor, periodista, profesor de Literatura Inglesa y de escritura creativa, gestor cultural, productor de radio y televisión, editor y bibliotecólogo. Desde 1978 está muy involucrado en la fe cristiana como maestro de la Biblia, predicador, escritor y locutor. Su programa The Christian Mind se escucha en varias estaciones de radio del Caribe. Es uno de los cuatro ancianos presidentes de la Iglesia Bautista del Calvario, Massade, Gros Islet, Santa Lucía.

De su obra poética se destacan los libros: Vocation, 1975; Saint Lucian, 1988; Artefacts, 2000; Cánticos, colección de poemas ilustrada con fotografías del autor, 2007; Elemental: New and selected poems, 2008.Sus cuentos breves y poemas se han incluido en diversos periódicos y antologías internacionales. Estos incluyen Facing the sea (1986), The Penguin Book of Caribbean Verse (1986), The Faber Book of Contemporary Caribbean Short Stories (1990), The Heinemann Book of Caribbean Poetry (1992) y The Oxford Book of Caribbean Verse (2005).

“Ser un poeta es ser una persona de fe. Tener fe en el poder de la palabra. En el comienzo fue el Verbo. La poesía viene de la imaginación y el corazón humanos, creada contra los incendios e inundaciones y genocidios y holocaustos de conquista; con alegría personal y angustia inevitable que resuenen con el espíritu humano en común unidad y voluntad siempre habrá un poeta – en todos los continentes de su expansión bajo democracias y regímenes dictatoriales, bajo sismos o tsunamis, bajo cualquier forma que la globalización tome en su época.  ¿Cómo puede actuar la poesía? Siendo ella misma y hablando ella misma, en todas partes, por todos los tiempos. Fuera de toda realidad conocida y vivida por el poeta, mientras él contempla profundamente su relación con su voz, su lugar, sus herencias y su aldea global contemporánea de un mundo.”

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MARTHA CANFIELD  nació en Uruguay, en 1949. Nacionalizada italiana, es poeta, traductora, ensayista y profesora universitaria. Doctora en Filosofía y Letras de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Egresada del Instituto Caro y Cuervo. Libros de poesía publicados en español: Anunciaciones, 1977; Mar/Mare, 1989, El viaje de Orfeo, 1990; Caza de altura, 1994; y en italiano: Nero cuoredell’alba, 1998 y Capriccio di un colore, 2004. También ha publicado, entre otros, los libros ensayísticos: La provincia inmutable. Estudios sobre la poesía de Ramón López Velarde, 1981; El patriarca de García Márquez, arquetipo literario del dictador latinoamericano, 1984; Configuración del arquetipo, ensayos de literatura hispanoamericana, 1988 y El diálogo infinito: una conversación con Jorge Eduardo Eielson, 1995. Desde 1996 está vinculada a la Universidad de Florencia y preside la Fundación Jorge Eielson. Colaboradora del Festival Internacional de Poesía de Medellín, específicamente en las traducciones al castellano de los poetas italianos que participan cada año.

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ATALA URIANA nació en Venezuela en 1950. Poeta y ensayista. Presidente del MOPIVE (Movimiento de los Pueblos Indígenas de Venezuela). Licenciada en Letras y Magíster en Literatura Venezolana. Ha publicado: Tanuiki (poemas), Wayunkeera (cuento), La narrativa corta del Zulia (Antología), La Mujer y su palabra (ensayo), Antología de poesía en femenino Dónde la boca que te busca.

“Hace muchísimas lunas o hace muchísimos inviernos cuando el ser hombre o ser mujer, descendientes del Sol, de Quetzalcoalt la serpiente emplumada, del águila, de la lluvia, de Piá  primer hombre pensante, del árbol sangrante, de la dulce piña. Bañados por un halo divino que le permitía  ver, escuchar o percibir de cualquier forma las tonalidades del azul en el cielo, el colorido multicolor de los papagayos, o el gris blanquecino de las gaviotas, las miles mariposas posadas en un jardín de pétalos  florecidos, o escuchar la cascada cantarina y juguetona, que feliz se dejaba caer formando un manto de abrazadas gotas. Percibir el mágico susurro de los pequeños seres que habitan en el centro de la tierra, el espeluznante silbido de los ancianos sin rostro que no mueren, que andan  siempre caminando en un espiral interminable buscando la muerte o el entrecortado sollozo de la bella que encaneció esperando a su guerrero que nunca volvió.

Narraciones que el nativo de labios floridos como decían los Náhuatl a los poseedores del don de la palabra, trasmitía en las claras noches de fúlgidas lunas o en los amaneceres de tenues pinceladas rosas, tal vez junto al fogón de barro de danzarinas llamas calentando su cuerpo atacado por los agudos dardos de los espíritus moradores de los imponentes picos de nieve a los cuales cuidaban con celo. Narraciones que se han ido engarzando como los quipus incas para llevar sus historias, cuentos pasados de generación en generación para recrear, para llorar o para soñar, según fuera tocado por la magia del momento, tanto el narrador como quienes escuchaban.  Usaban la voz con diferentes tonalidades como la ejecución de un instrumento musical, comenzando con el canto y culminando con el cuento.

Lo cierto es que los pueblos indígenas que no poseían una grafía, desarrollaron todo un arte dentro de la narración oral que aún se mantiene y que recientemente se denomina literatura indígena, al llevarla a la escritura tanto en castellano como en su propia grafía.  Toda esa belleza narrativa oral, llevada al papel y donde un wayuu le dice a otro para que le lea: “pashajeera tamüin karaloutaka” (hazme hablar al papel) es lo que se ha denominado en un principio literatura oral indígena, el cual se prestó a divergencias en cuanto a los términos por sus significados.  Literatura que proviene de líttera, letra en latín; y si literatura es el arte que emplea como medio de expresión una lengua, entonces ¿dónde ubicar la delicada expresividad oral indígena?”

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MALACHI SMITH nació en Jamaica. Poeta dub, músico, dramaturgo, actor, performer y activista. Hijo de un predicador, escribió su primer poema a los ocho años y se ha convertido en un icono en el mundo del reggae, el performance y la dub poetry. Cofundador de “Poets in Unity”, durante los 70’s y 80’s llevó al dub poetry a la vanguardia de la música reggae. Algunos álbumes suyos:  Kimbo to Kimbo, 1979; Carl Stone and Drop It, 1986; Tribute and Liad Mout’, 1997 y Throw 2 Punch, 1998. Middle Passage, una de sus últimas obras, es una metáfora del viaje del artista a su propio nacimiento, y su experiencia de la esclavitud personal. "Yo estaba allí en los lomos de mis antepasados", proclama.

“Los poetas Dub han rechazado conscientemente hacerse ricos, y obtienen la cultura hip desde tiempos inmemoriales. Sabemos quiénes somos, dónde estamos y hacia dónde vamos. Por lo tanto, no es sólo un asunto de espectáculo. Sabemos que las raíces del movimiento, es decir, del género, están fuertemente conectadas con la tradición griot de la madre África. Oku rechazó los contactos de los principales sellos discográficos porque ellos querían que abandonara la etiqueta de la poesía dup. Linton Kwesi Johnson recibió una nominación al Grammy por su poesía dub mucho antes de que el primer DJ de Jamaica lo hiciera. La verdad es que la poesía dub es contundente en su mayor parte y los babilonios tienen miedo de esto.

Los aspirantes a poetas deben leer, escuchar, y ver más allá de la superficie al escribir. Si tienen la oportunidad, deben establecer relaciones de trabajo con los mayores. Mis poemas son viajes en la mente. Camino cuando escribo y espero que mi lector, oyente también tenga este viaje, por lo que podría decir, mi estilo es deliberado. El poeta debe estimular los sentidos, entonces en mis viajes  uno ve, oye, toca, siente, diferentes aspectos de la materia.

La inspiración viene de la creación. Todo puede ser fuente de inspiración. Se pueden ver un par de hermosos ojos que hieren y aniquilan el alma o podría ser una bala a través de un corazón que hace sangrar la mente durante toda una noche y luego algunos días, o podría ser una conversación con tu hombre interior o con un anciana. El arte tiene y tendrá siempre un papel importante en la sociedad. Las grandes sociedades se definen por sus artistas, héroes deportivos, culturales, científicos y hombres de Estado. Debe ser un acto de equilibrio, por lo que las artes nunca deben estar comprometidas, pero sí estimular, ya que proporcionan oportunidades para que a las mentes les crezcan alas”.

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CARLOS BEDOYA  nació en Medellín, en 1951. Egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Pontificia Bolivariana, Poeta, ensayista, traductor y programador musical (jazz y rock, entre otros géneros). Obra: Pequeña Reina de Espadas, 1985; Víspera del Vértigo, 2004; Viajes en la Cuerda Floja, 2006.  

“Ignoro los motivos por los cuales escribo, de ahí que me resulte difícil, al menos un tanto, hablar de representaciones sumergidas por una aventura de mil filos, asumida de manera casi plenamente inconsciente. Pareciera vivir a la espera de lo inesperado. En completo estado de alerta. Me asombran, me obsesionan los espectros de las cosas. Si tuviera que señalar un deseo en mí, una voluntad digamos de escritura, sería la de instaurar el milagro que el todo encierra, y volverlo visible, audible, a través de imágenes brotadas del mar interior como peces volátiles”.

“Puesto que el tiempo del mundo se destruye, igual cosa debe ocurrir con sus correlatos: Dios y el yo. El hombre no existe en tanto ente privilegiado, existe su identidad de sujeto disperso en las cosas. La obra de arte muestra y disimula lo indecible, lo no dicho. El pensar poemático busca experimentar lo no dicho, lo impensado. La dimensión de lo sagrado es la de los dioses a la cual asisten los mortales, habitantes del cielo y la tierra. El cielo es el lugar de medida, de la claridad, es el sitio del fuego divino. La tierra encierra lo caótico, lo desmesurado, lo oscuro. Lo sagrado se experimenta como ausente, como innombrable. Nuestro tiempo es el de la ausencia de los dioses, es un tiempo de penuria. El desamparo nos sitúa en la noche sagrada en la cual la tierra deja de ser lo extraño. Esta noche nos envuelve en una red de laberintos sin salida, la existencia se hace el riesgo de asumir la noche y el arte un poder de iluminación de lo nocturno.

Lo sagrado es el poema, el fuego divino es robado por el poeta. Lo divino es aquello inhumano, que está por encima del hombre, es lo que no muere. Lo sagrado abre el tiempo de lo eterno, lo supra histórico, un tiempo que no transcurre. Acontece en este camino la aparición de lo divino, lo enigmático, lo musical. Al dejar subyacer, al dejar estar presentes a las cosas nos abrimos al problema de lo Otro, campo de la convención significante donde (entre líneas) ello adviene a nosotros. Es decir que lo sagrado es el lenguaje mítico, un área de luces oscuras donde las hogueras se elevan sobre los troncos de los árboles.”

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JUAN HERNÁNDEZ RAMÍREZ  nació en México en 1951. Es uno de los más renombrados poetas de la Nación Náhuatl, traductor y profesor, licenciado en Educación Media en Lengua y Literatura Españolas por la Universidad Autónoma de Tlaxcala y Diplomado en Creación Literaria por la Universidad Veracruzana.

Ha publicado los libros de poesía: Auatl Iuan Sitlalimej, Encinos y estrellas, 2000; Eternidad de las hojas, 2006; Siete flor, Premio Nezahualcóyotl de Literatura en Lenguas Indígenas, 2006; y La lengua de los pájaros, 2008.

Comprometido con el rescate de valores culturales, artísticos y lingüísticos de las culturas náhuatl, tének, tepehua y hñahñu, ha impartido cursos y talleres, y ha colaborado en publicaciones bilingües, siendo cotraductor del español al náhuatl de la Constitución del Estado de Veracruz y otros documentos oficiales. En su obra ha recobrado vocablos náhuatl en desuso, así como la gramática clásica, deteriorada por el tiempo. “La pérdida de la identidad de la cultura provoca también una pérdida de la lengua, debido a la desatención que sufren los pueblos originarios. Parece ser que las políticas económicas van dirigidas a las grandes empresas y se olvidan de los pueblos indígenas, sobre todo los más marginados”. Premio Netzahualcóyotl de Literatura en Lenguas Indígenas 2006.Premio Continental Canto de América de Literatura en Lenguas Indígenas en 2008, con el libro de poemas: tlatlatoktetl-Piedra incendiada.

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JANE KING  nació en Castries, Santa Lucía, en 1952. Tuvo una infancia itinerante, pues durante sus primeros años su familia vivió en Trinidad y Tobago, Barbados, y Escocia. En su país natal recibió una beca para estudiar en la Universidad de Edimburgo. Desde 1976 es profesora universitaria en Castries. Ha publicado dos libros de poesía: Into the Centre, 1993 y Fellow Traveller (1994, ganador del Commonwealth Writers Prize y del James Rodway Memorial Prize). Sus poemas se caracterizan por su humor irónico y por tratar la cuestión del papel de la imaginación creadora en las sociedades del Caribe. También es actriz y directora de teatro, cofundadora del St Lucia's Lighthouse Theatre.

“… Cuando cada uno de nosotros llegó a apreciar la poesía, cualquiera que fuera el nivel de nuestra comprensión, debe haber sido un día en el que escuchamos o leímos algo y pensamos: Oh, sí, eso es exactamente lo que siento.  La precisión con la que el poeta puede afirmar lo común es quizás la razón más importante de la popularidad de la poesía y de su perdurabilidad. Después de todo, aunque nacimiento, amor, pérdida y muerte son muy importantes para cada uno de nosotros, son esencialmente acontecimientos comunes.

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Dida Aguirre nació en Perú en 1953. Poeta y docente universitaria. Libros publicados en quechua  con traducción al español: Arcilla, 1989; Jarawi, 1999, libro ganador del primer premio,  en el segundo concurso de Poesía en Lengua Quechua organizado por la universidad Nacional Federico Villarreal. Docente universitaria en la Universidad Daniel Alcides Carrión de Cerro de Pasco, ha publicado en las revistas:  Canto de los Colores y Nostalgias Andinas de México, Zumo, sumo de Colombia, Killka de Tacna, Carrión de Cerro de Pasco, Lluvia de Lima, entre otros. 

“La función de la poesía en la era de la globalización, cobra importancia inusitada porque nos une a escucharnos poetas de los rincones más apartados, nos invita hermanarnos, sobre todo a culturas desdeñadas como la poesía originaria; por otra parte la “globalización cultural” pretende destruir las culturas nacionales a nosotros que tenemos derecho a la identidad, se trata de construir una nueva comunidad intercultural. Así la multiculturalidad y el multilingüismo contribuye a la riqueza literaria de múltiples nacionalidades en una nación grande, ellas son todas las sangres que nos nutren, de las que hablaba José María Arguedas. Y la defenderemos cuando se pretenda destruir desde la “globalización cultural”, ésta que pretende uniformizar una sola  cultura para todos los rincones del planeta.

La función de la poesía en esta era, no puede ser el arte por el arte, su función es dejar testimonio de la época, es transmitir y dejar escrito que con el idioma quechua se puede hacer poesía, digo, porque hay escritores que plantean que el idioma quechua es muy pobre y que no puede crear una literatura universal, el idioma quechua es uno de los idiomas más fraternos, José María Arguedas lo demostró.

Somos un sector grande de peruanos de lenguas originarias en los andes y en la selva a los que falsamente se nos dice que el indio es triste, melancólico, la explicación a esto, es que los campesinos y la naturaleza vivimos en una comunión íntima, donde hay un cuidado minucioso de la naturaleza, ya que éste es la proveedora de alimentos y la vida misma.

Las fuerzas de la naturaleza se personifica en los hechos de tal manera que los mitos y creencias han delineado la vida más antes que ahora, han dado sentido de vivir, donde la literatura no es adorno ni acompañamiento de cultura sino de la vida misma. De pronto cuando somos separados de nuestros quereres (nuestras tierras, lagos, ríos etc) y estamos solos, huérfanos, forasteros en nuestro país, cunde el desarraigo entonces ocurre lo que Arguedas decía” El sentimiento cósmico de la soledad”

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KARENNE WOOD   nació en Estados Unidos en 1960. Pertenece a la Nación Monacan. Poeta, narradora, ensayista y antropóloga. Dirige el Programa Patrimonio Indígena de Virginia, en la Fundación Virginia para las humanidades. Publicó el libro de poemas Markingson Earth, 1999, Premio de Poesía de los Autores Nativos de Norteamérica, obra cíclica que explora las distintas dimensiones de la experiencia humana, desde la interacción con el medio ambiente a las relaciones personales. En estas páginas revivimos la llegada de John Smith a América y visitamos los túmulos funerarios del pueblo Monacan, experimentamos el vuelo de la gran garza azul y presenciamos la danza de la araña. Compartimos también el viaje de alguien que busca vencer la sensación de alienación de su gente y su pasado. También publicó: The Virginia Indian Heritage Trail. Ha publicado su obra en: The American Indian Culture and Research Journal, The American Indian Quarterly, Black Bear Review, Black Buzzard Review, The Chattahoochee Review, The Chiron Review, Iris: A Journal about Women, Monacan News, Orion, Phoebe, Potato Eyes, y Red Ink. Ha trabajado como asistente editorial, defensora de víctimas de la violencia doméstica y como activista por los derechos de las mujeres y los indígenas y la defensa del medio ambiente.

“Uno de los aspectos más importantes y duraderos de las culturas indígenas americanas es el concepto de respeto por los demás, por la tierra sagrada, por los seres vivos y las plantas que se consideran familiares de los seres humanos. Los países de origen de los pueblos indígenas no son sólo lugares de dónde extraer los recursos, sino que son la fuente de la vida misma de las generaciones pasadas y por venir. Los nativos no se imaginan el "progreso" como una marcha tecnológica lineal desde un punto de partida arcaico a un estado indefinido de la perfección: ven el tiempo como una serie de ciclos a través de los cuales las personas recrean las mismas funciones. Nuestro propósito como seres humanos es mantener el equilibrio y la armonía en el mundo natural. Esto se logra cultivando "correctas" relaciones y un estado sano de la mente. Dicho esto, ¿cómo nos relacionamos con una ética cultural que valora la ganancia y el poder político por encima del mantenimiento de nuestras tierras, aguas y la diversidad de formas de vida que nos rodean?”

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JORGE TORRES MEDINA nació en Chiquinquirá, Colombia, en 1956. Miembro fundador de la revista Vericuetos-Cheminsscabreux en 1990. Director de la revista Vericuetos, versión latinoamericana desde 1992. Reside en París. Ha escrito los libros de poesía: Instantes y Profanaciones, Exilios varios, Memoria del ocio, La Ciudad sumergida y Umbral de errancia. La comisión de Literatura Extranjera celebró “su decantada aproximación a la palabra poética y rigor expresivo”.

“Y en la edad del fuego: Combustión y enfriamiento: Sedimento, exhalación, oscuridad y tenue luz; azar de la naturaleza sin conciencia. Entonces se engendra la vida, el vegetal, el animal y luego la edad del hielo y en el andar molecular: el homínido, el homo neandertal, el homo sapiens que avanza entre la piedra, el bronce y el hierro. Mientras la jeringonza muta a palabra y esta  hace al verdadero hombre que es sonido y canto en la lengua, jeroglífico y alfabeto en la mano, lenguaje para usar su cerebro: Inteligencia, pensamiento para explicarse a sí mismo y apreciar esta naranja, para andar y desandar, fundar, instalarse en su morada, construir la polis y hacer sonar la lira, inventar y descubrir, invadir y dominar la gran fuerza de la materia y al más débil, poseer la tierra a su albedrío, civilizarse, abrir la pupila y grabar en la retina la dimensión del cosmos, del infinito y medir el tiempo y la velocidad del rayo solar que nos alumbra y nos asombra. ¿Cuánto hemos caminado para llegar a la escritura y todo lo que ella testimonia de nuestra cortísima existencia? (…)

Todo hombre lleva un poeta en sus entrañas y hay que despertarlo. Élite y culta minoría cultivan el acto  de anestesiar al monstruo de la belleza, pero el acierto araña el inconsciente que muta y se expande en miles y miles de delirantes. Hoy la poesía es tempestad, sale de los laberintos donde ha estado ceñida y con el viento viaja por el rugoso glóbulo, contra los carceleros del sueño y la utopía; es la certeza contra los verdugos de la verdad, contra los propietarios del deseo, contra los exterminadores de lo vital e inconmensurable del ser humano y su equilibrio con la matriz que lo engendró y lo hizo consciente. Ella que nos acoge en su seno mientras la degradamos sabiendo que si no  la respetamos somos cadáveres sin recuerdo. Hoy la poesía no tiene fronteras ni de estados ni de lenguas porque ella se liberó del mito purista de la traducción que construyó un muro de teoremas y declaro este acto como traición. Hoy frente a la economía glotona, y a sus agresiones se expande implacable, esencial. Ella que canta y lleva el eco de la vitalidad  y el aroma de la naturaleza. Hoy es presencia viva, alimento del ser, regocijo y ritual de la tribu, sucesión in crescendo para fortalecer la vida en permanencia. Entonces libando con  pan y vino  dignificamos la edad de la palabra: ¡La poesía! Por eso dice desde sus entrañas: Nuestra es la vida, muera la muerte!”

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MATA-U'IROA MANUEL ATAN nació en la Isla de Pascua en 1956. Pertenece a la etnia Rapa Nui. Poeta, abogado. En 1972  forma un conjunto de bailes tradicionales. En 1978 ingresó a la fiesta  "tapati  rapanui"  siendo coordinador y director durante varios años  hasta 1996.

Junto a Rodrigo Paoa Atamu coordina la mayoría de competencias  deportivas y culturales que se desarrollan en la actualidad en su lugar natal, eventos  de prestigio internacional.

Desde 1980 hasta la fecha, es integrante del grupo rapanui "mata tuu hotu iti"  que lleva a cabo el rescate y preservación de los cantos, danzas, leyendas de la etnia Rapa Nui.

Ha asistido a encuentros de poesía indigena en Concepción, Temuco y Santiago y a un encuentro internacional de poesía en Puerto Ayacucho Venezuela. Ganador de varios concursos de poesía de su etnia. Invitado a la tapati rapanuii hasta el año 2009, cuando fue censurado por las autoridades organizadoras.

Ha dicho sus poemas en diferentes eventos públicos de la Isla de Pascua. Durante su estadía en la Universidad de Chile creó y dirigió el grupo "Hoko Manu" de danzas y cantos Rapa Nui.

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PEDRO ARTURO ESTRADA nació en Girardota, Antioquia, Colombia, en 1956. Poeta, narrador y ensayista. Ha publicado Poemas en blanco y negro, 1994; Fatum, 2000; Oscura edad y otros poemas, 2006, Suma del tiempo (Universidad Externado de Colombia, 2009). Próximos a editarse: Poemas de Otra/ parte y Des/historias. Sus textos han sido incluidos en diferentes antologías nacionales y del exterior. Ganó el premio nacional “Ciro Mendía” en el año 2004 y “Sueños de Luciano Pulgar” en 2006.

Se ha desempeñado como coordinador de talleres literarios con jóvenes, niños y adultos de Medellín en los últimos años. Fue miembro de la Casa de poesía Porfirio Barba Jacob de Envigado hasta 2005.

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MARÍA TERESA PANCHILLO nació en Chile en 1958. Actualmente reside en una comunidad de Traiguén, territorio Nagche. Sus poemas han sido incluidos en diversas publicaciones y han sido incluidos en varias antologías, entre ellas: Hilando en la Memoria (7 poetas mapuches), 2006; Antología de la poesía mapuche contemporánea. Kallfv Mapu (Tierra Azul), 2008; Antología de poesía indígena latinoamericana Los Cantos Ocultos, 2008 y Antología poética de mujeres mapuches (siglos XX – XXI)  Kümedungun / Kümewirin, 2010.

Su poesía está centrada en el espacio biográfico político de la autora y mantiene una confianza en la palabra como catalizadora y transformadora de la realidad social, de una realidad contingente asociada a las problemáticas políticas y ecológicas, y de recuperación y reivindicación cultural mapuche.

La  poesía es verbo de las palabras /Desde las culturas remotas/En la tierra/Es DVGUN  en mi  WELLIN/VOCES Y SONIDOS/ De los seres que viven/ En el microuniverso de mi vida…// Las palabras de la poesía/ En el idioma de los pueblos/Orales y escritos  trasmitiendo/Historias en memoria del tiempo/De soles y lluvias/Son granos maduros/En versos/Que riman solo…//La poesía es la palabra del amanecer/Que despiertan mis pewmas (sueños)/Con los antepasados /Los mismos que guían/Mis pasos de poeta/En este oficio/Para adecuarme/Adaptarme/Al mundo civilizado/De los  conquistadores (Globalizados)…//La palabra en la poesía/ Es un medio que denuncia/Sin censura las injusticias/Que  proclama sin miedo/El futuro de los hijos/Que promueve sin frontera/La continuidad de la vida/En el planeta/En el UNIVERSO.”

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GONZALO FRAGUI nació en Venezuela en 1960. Poeta, periodista, editor y humorista. Magister en Filosofía. Miembro fundador del grupo literario Mucuglifo y de la editorial homónima. Actualmente es el jefe de redacción de la revista “Comarca”. Ha publicado: De otras advertencias, 1989; El poeta que escribía en menguante, 1990; De poetas y otras emergencias, 1991; La hora de Job, 1995; Viaje a Penélope, 1998; Dos minutos y medios, 2002 y Obra poética, 2004.

“La poesía es la savia de una sociedad. No se ve pero está allí, presente, dando vida. Todos se fijan en los frutos de los árboles, en la producción, en la economía de una sociedad, pero nadie, al ver un árbol, piensa en la savia que nutre desde la raíz. Así es la poesía para la sociedad. No se ve pero es lo que da vida.

La poesía debe mostrar nuestra esencia. No nuestra apariencia. La poesía debe mostrar nuestro verdadero ser y el ser de todo lo que nos rodea. Para ello debemos estar en sintonía con nosotros mismos. Sin recurrir a más nada que no sea nuestra alimentación, nuestra respiración, nuestros sueños, nuestras ilusiones, nuestros dolores y nuestras alegrías, nuestra pasión y nuestra esperanza, nuestro trabajo y nuestro talento.

La poesía es creación, recreación, no destrucción. La poesía debe promover valores que tienen que ver con el bien, con la bondad, con la belleza, con la paz, con el ser humano, con la humanidad, con la naturaleza, con la ecología. La poesía no puede resaltar antivalores como la guerra, el racismo, la discriminación de todo tipo, la destrucción de la naturaleza, los crímenes. Una bomba, por más bella que parezca, no podrá jamás ser una obra de arte.

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MAURICIO CONTRERAS  nació en Bogotá, Colombia, en 1960. Poeta, ensayista, investigador, narrador, traductor, editor y pedagogo. Realizó estudios de Química. Actualmente lidera el Colegio de Estudios Americanos.

Libros de poesía publicados: Geografías, 1988; En la raíz del grito, 1996; De la incesante partida, 2003; Devastación y memoria, 2005; La herida intacta, 2005, Premio Nacional de Poesía “Ciudad de Bogotá”-2005. Otros de sus libros: Cuentos policíacos, 2000; Historias Sagradas, 2000; Un sabio no es como lo pintan. Vida de Francisco José de Caldas, 2011.

También editó Rostros de la Palabra. Antología de poesía colombiana actual, 1990. Incluido en diversas antologías de la poesía colombiana.

“Una antigua leyenda refiere sucesos de una tribu de hombres soñadores, de palabras sonámbulas que abonan el olvido con sus cantos. Con talismanes de obsidiana hienden la noche y he aquí que crecen los relámpagos.

De regreso, con su cabeza bajo el brazo, hunden sus manos mutiladas en la herida de la noche y agitan sin sosiego la materia de los sueños. Entonces, la tribu entera danza alrededor de un augurio que crece como un fuego de ojos alucinados y he aquí que el mundo se renueva en la voz de las mujeres bajo las estrellas ordenando el caos.

La poesía siempre regresa para restituirnos la danza de ese pueblo de palabras sonámbulas. Esa danza en torno al fuego de ojos alucinados, los vocablos del misterio como granos quemantes de la ofrenda que no sacia las tormentas.”

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EULALIA YAGARÍ GONZÁLEZ nació 16 de Septiembre de 1960 en el Resguardo Indígena de Cristianía, Jardín, Antioquia, Colombia. Pertenece a la etnia Emberá Chamí, es licenciada en etnoeducación y especialista en gerencia del desarrollo de la Universidad Pontificia Bolivariana.

Ha sido maestra del “wawande” o casa de los niños, donde ha llevado a cabo procesos de investigación sobre la tradición oral Chamí, con las mujeres y hombres adultos de la comunidad, este trabajo ha contribuido al currículo bilingüe del “wawande”. Este proceso contribuyó a la recuperación de danzas autóctonas, cuentos mitos leyendas y cantos tradicionales. Además de ser maestra acompañó procesos organizativos tales como: el comité de mujeres y los grupos de música y teatro de Cristianía.

En 1992 fue la primera indígena en ocupar un escaño público y comienza su actividad como Diputada de la Asamblea Departamental de Antioquia, alcanzando hoy cinco periodos consecutivos, con el respaldo de una gran corriente de opinión, consolidando su curul en la historia de la Asamblea Departamental de Antioquia.

En su paso por la Asamblea Departamental de Antioquia logró que por primera vez un departamento tuviera una gerencia para asuntos indígenas, apoyó la ordenanza 032 del 2004, la cual adopta la política pública para 35.000 indígenas: Embera, Tules y Zenú de Antioquia reconociendo y garantizando los derechos de los pueblos indígenas de Antioquia que consagra la Constitución Política del 1991 y el convenio 169 de 1989 de la O.I.T.

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GONZALO MÁRQUEZ CRISTO nació en Bogotá, Colombia, en 1963. Poeta, narrador, ensayista y editor. Autor de Apocalipsis de la rosa, 1988; la novela Ritual de títeres (ganadora de Beca Colcultura en 1990), El Tempestario y otros relatos (1998), La palabra liberada, 2001; Oscuro Nacimiento, 2005 y Grandes entrevistas de Común Presencia (Premio Literaturas del Bicentenario, 2010). Han aparecido tres antologías de su obra: Anticipaciones, 2011; Liberación del origen, 2003 y El legado del fuego, 2010.

Director de la revista cultural Común Presencia y de la colección de literatura Los Conjurados. Fundador y Director General del semanario virtual Con-Fabulación, que actualmente cuenta con 90 mil suscriptores. Obtuvo el Premio Internacional de Ensayo Maurice Blanchot (2007). Asesor literario del Festival de Literatura de Bogotá. Varios de sus poemas y relatos han sido traducidos al inglés, francés, alemán, árabe, italiano, portugués, japonés, afrikaans, gallego y braille; y figuran en 31 antologías.

“…¿Cuándo va a llegar el hombre a la Tierra? Llevamos miles de años esperándolo. Es trágico que los grandes creadores no opinen y tomen posiciones beligerantes en estos tiempos de centralismo ideológico. Pues aunque el capitalismo se tambalea, la neobarbarie se extiende sin encontrar diques. Los sueños del pasado se ha derrumbado: el amor, la fraternidad, la libertad, pertenecen al reino del panfleto o de la cursilería. ¿Qué hemos hecho para impedir que el 70 % del mundo viva en la miseria? Nada. Es asombroso que la ilusión sea la que rija los destinos de la sociedad más pragmática que se haya construido. Es hora de que nos manipulen desde un lado mucho más humano.”

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RODNEY SAINT-ÉLOI nació en Haití en 1963. Poeta, ensayista y editor. En 1991, fundó en Puerto Príncipe la casa editorial Mémoire y en  2003, en Montreal, la casa editorial Mémoire d’Encrier, que ha publicado un centenar de títulos de autores del Caribe, África y el Océano Índico. Escribe poesía desde los trece años y ha publicado diez libros de poesía y ensayos sobre literatura y pintura. El cuerpo de su obra constituye un lento viaje por las ciudades, a través de los ríos y alrededor de los rostros.

Obra poética: Graffitis pour l'aurore, 1989; Voyelles adultes, 1994; Pierres anonymes, 1994; Cantique d'Emma, 1997; J'avais une ville d'eau de terre et d'arcs-en-cielheureux, 1999; J'ai un arbre dans mapirogue, 2004; Récitatifaupays des ombres, 2011. En su libro "Haiti, Kenbe la…" cuenta la historia del terremoto de 12 de enero de 2010 y lo analiza, o al menos sus consecuencias, en paralelo con los problemas estructurales de Haití, lo que el autor denomina el terremoto más global que está sacudiendo a la sociedad haitiana, recordando la sabiduría premonitoria de su vieja abuela: “La historia del país es una sucesión de terremotos. Terremotos naturales. Terremotos humanos".

“El poema es un caballo loco. Abate los muros, franquea el horizonte perdido, obliga el camino a estar entre los ojos atónitos del paseante. Yo marcho, yo marcho entre mi mirada de donde nacen y renacen las mañanas. Poesía de la evidencia para simplemente decir las palabras entre las cuales duermen los sueños, de las palabras vagabundas, de las palabras sol, pan, estrella, pájaro, jardín. La participación: estar al mismo nivel entre la ternura del mundo. También el exilio: lugar de pasaje y de eternidad, como se abre una ventana sobre el océano para ver el cielo, recorrer el mundo, inventar las primaveras ordinarias, estar siempre de pie, los pies entre los sueños, para marchar, porque la ruta lava la memoria.

Volver al país natal (Haití), al país soñado donde tengo cita con mis sombras entre las calles soleadas, luego volver a partir con provisión de fantasmas, entre la confusión de todo sentimiento geográfico, sin sentido ni certeza, ni aquí ni allá lejos. Yo me dedico a rumiar mil vidas como la mía, mil destinos, mil amores, tanto poemas como canciones para guardar de por vida el corazón y la luz de la infancia.

Yo marcho. Yo marcho. El poema es un caballo loco, interpelarse, la embarcación es la ruta. El horizonte está entre la mirada del paseante.

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FERNANDO GARCÍA CUÉNCAR nació en Bello, Antioquia, Colombia, en 1961. Poeta y cuentista. Profesor de Literatura, Filosofía y Ciencias Sociales en diversas instituciones educativas de Medellín. Sus poemas han parecido en la Revista Prometeo, Revista Acéfala, Revista Imago, Revista Otras voces, Periódico El Colombiano y otros diarios del país. Segundo lugar en el Tercer concurso de poesía Jorge Robledo Ortiz, mayo de 1993; Mención en el V concurso Nacional de Poesía Ciro Mendía. Entre sus obras se encuentran: Animangel, Sinsonte, Los crespos de mi mamá, Las ardillas de Teresa, El pan celeste, El ángel del tío Samuel (Cuentos). “En la casa de la infancia habitaba sin cesar, la poesía. Un universo cabía en cada grieta de los muros, hacíamos el mar en el patio al juntar las manos bajo la lluvia, y el sol al pegar en nuestros ojos cada día nuevo, nos develaba las maravillas de lo nimio. Y cuando arrullados mordimos pecho y  palabra, el sabor del idioma se dejó venir con toda su carga de historia y música. Ardía el  fuego de los vocablos que nos asombraron por primera vez… Tiene el poeta el deber de recuperar para todos los hombres ese lenguaje primitivo, escuchado  y vivido en la casa de su infancia, y que vaga por ahí en las plazas y en las cocinas, en una vieja canción, en los cafés o en su cuarto. Palabra y sentimiento que cincelan, a veces sin saberlo, el espíritu hondo de su momento histórico,  voces hondas  en las que subyacen los rizomas del ser. Le corresponde al poeta de este siglo, saturado de fibras ópticas y perseguido por los satélites que uniforman, bajar de nuevo a su soledad más dura, para seguir escarbando en las raíces del lenguaje, y en esta ganancia de conciencia, multiplicar el corazón de las palabras que alimentan el ser interior de todos los hombres. Ir enamorado detrás de la belleza, soñar con la hermosura de los elementos que se concuerdan, volver a descubrir que debajo de las cosas y los actos,  habitan los vocablos que sueñan la hermandad verdadera del hombre nuevo que ha de venir. La poesía aguza la conciencia al descubrirnos este mundo, que no es más que todo lo que hemos soñado…”

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CARLOS FRAMB nació en Sonsón, Antioquia, Colombia, en 1964. Poeta, ensayista y novelista. Ha sido librero y educador, así como coordinador de talleres literarios. Obras: Antinoo (Poemas, 1994); Un día en el paraíso (Poemas en prosa, 1997, 2002); Del otro lado del jardín (Novela, 2009); Una noche en la vía láctea (Recopilación de poemas, 2010); Sus ensayos y poemas han sido recogidos en diversas antologías y publicaciones dentro y fuera del país, como Poetas en Antioquia y Agua de Colombia.

“¡Ahora pertenecemos a un universo asombroso con un perímetro de cien mil millones de años. Un universo en el cual nacen mil soles por segundo. Un universo que en sí, es un hecho profundamente poético -basta mirar alrededor: tanto cielo azul nitrógeno, tanta llanura de infinito verde, tanto mar abierto, tanta música, tanto diverso color y tanta forma. Un universo en fin, en el que cada uno de nosotros, cada ser humano, es hasta ahora el mayor de todos los acontecimientos: un poema perfecto de cien billones de células congregadas para el conocimiento y la ternura.

La ciencia es nuestro reciente y efectivo modo de conocer el universo; la poesía, nuestra milenaria forma de sentirlo y expresarlo. Conmueve darse cuenta cuán íntimamente nuestras sensaciones están relacionadas con nuestros conocimientos: desde Homero como se sabe, la rosa ha sido símbolo de la belleza y tema predilecto de los poetas, quienes han celebrado su color no menos que su fragancia. Pero es hoy cuando más sabemos del milagro de la rosa: sabemos por ejemplo, que ella es el órgano sexual del rosal, que la Tierra hubo de trabajar durante miles de millones de años para lograr su primera rosa, que la evolución la ha hecho fragante y colorida para que pueda sobrevivir. Ahora sabemos que en rigor, la rosa y la mano que la sostiene están hechas de la misma sustancia: ceniza de estrellas. Nunca antes se habían visto rosas más bellas en la Tierra. Ciencia y poesía acaso sean dos formas de un mismo éxtasis.

Nos ha correspondido una época singular, sin duda. Y cuán privilegiada sería si al lado de esta gloriosa expansión del conocimiento, que está ganando para nosotros el reino de la verdadera fantasía, no se obstinara en perdurar el lastre doloroso de la ignorancia, de la cual dan evidencia la actual destrucción de la naturaleza, la injusticia social creciente, el fanatismo religioso, la discriminación a la mujer y a las minorías en los planos étnico y erótico, la avidez mercantilista y tantas otras cosas que desembocan hoy en la pavorosa amenaza de una guerra nuclear -esta vez ya sin héroes, ni Homeros que la canten.”

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VITO APÜSHANA (Miguel Ángel López) nació en Carraipia, La Guajira, Colombia, en 1965.  Poeta, profesor de la Universidad de la Guajira y productor de televisión. Obra poética: Contrabandeo sueños con arijunas cercanos, 1993 y Encuentros en los senderos de Abya Yala, premio Casa de las Américas.  “La Palabra, en el pensamiento mítico indígena, ha sido creada principalmente para anunciar la Poesía. Para hacerla acto consciente en la memoria colectiva: como pintura invisible que se describe. La Palabra se justifica en tanto actúa como red de pesca, en donde la Poesía es puesta en situación… redescubierta desde el lenguaje de la piel hacia la enunciación que la señala en la fugacidad, en la reiteración y en lo inabarcable.

La Poesía es un componente estructurante y hacedor de lo cotidiano, común y fatigante, presencial e inatrapable, sombra insinuante… luz de los bordes, aire minúsculo entre las hierbas, aura envolvente en las siestas; la Palabra al nombrarla anuncia su estela, pregona su cercanía o su reciente partida; pero no le está dada  atrapar su esencia. Sin embargo ello es suficiente. Entre los antiguos Mexicas (México prehispánico) la Poesía era anunciada desde la palabra compuesta: Xóchitl-Tlatolli, que viene de las palabras Xóchitl: Flor y Tlatolli: Palabra. La Palabra-Flor.

Esta composición nos otorga una imagen y un canto: la flor que se abre al mundo, entrega su aroma, su color, su polen...; así la Palabra… al nombrarla se abre al mundo, entrega su significado y propicia interpretaciones… mueve la vida, como la flor, con su propio aroma, color… su polen lingüístico que esparcirá otros significados, otras palabras, jardín de sonidos polisémicos. He aquí la cotidianidad de la poesía: “Xochipetlatipan tocon ya icuilohua / in mocuic in matlatol…” (En estera de flores pintas, tú, tu canto, tu palabra…). Así es la Poesía: aroma, color, polen, rocío… la Palabra anuncia su esencia, con su red de pesca; pero jamás logra retener y manipular dicha esencia. El sumun de la palabra poética sólo sigue el rastro de la poesía.

En la lengua Desano (región del Vaupés colombiano) la palabra Keorí, anuncia el sonido único del eco… en él se recibe la sabiduría de la voz del universo. Desde el eco se puede lograr la interpretación del mundo… es decir, se puede llegar a la poesía del universo a través del canal del eco, que conecta los secretos del fondo de las estrellas con los secretos humanos; pero los sabios (los kumús) que logran el lenguaje del Keorí saben que sólo es una aproximación. Sin embargo ello es suficiente.

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HUGO JAMIOY JUAGIBIOY nació en Bëngbe Wáman Tabanók (Nuestro Sagrado Lugar de Origen) Ubicado en el Valle de Sibundoy, Departamento del Putumayo, Colombia, en 1971. Pertenece al Pueblo Kamuentsa Kabëng Kamëntsá Biyá (Hombres de aquí con pensamiento y lengua propia) conformado por unos 7000 kabëng (de nosotros mismos); sus actividades principales son la agricultura, las artesanías (tejido, tallado en madera, instrumentos musicales) y principalmente grandes conocedores de la medicina tradicional Kamsá.

Ha Publicado los libros de Poesía: Mi Fuego y Mi Humo Mi Tierra y Mi sol, 1999; y recientemente el libro No Somos Gente, 2001. 

“…A partir de distinguir dos identidades, que uno es la palabra antigua, -cuando hablamos de la palabra antigua estamos hablando de los abuelos, las abuelas, los guardadores de la palabra antigua-,  que en muchas ocasiones la guardan en su lengua materna, -ellos a veces no hablan el español, y la otra es la nueva palabra-, entonces diferenciamos dos épocas a través de las cuales es preciso crear un puente que nos permita comunicarnos…” “En los abuelos está guardado el origen de nuestros pueblos, que en muchas ocasiones no se tiene bien claro... Los nombres que tienen los pueblos indígenas en Colombia son nombres puestos por los españoles. Entonces empezamos a buscar cuál es el nombre propio a partir de nuestra lengua. Y ocurre que  encontramos que nosotros no somos lo que nos determinan desde afuera, sino que encontramos otra denominación desde nuestra lengua y otro significado. Estamos en esa tarea de la resignificación de nuestra identidad a partir de nuestra lengua.”

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RITA MESTOKOSHO nació en la comunidad Ekuanitshit “Cuida el lugar de donde eres”, Canadá, en 1966. Actualmente vive allí, después de realizar estudios universitarios de Ciencias Políticas en Quebec. Siendo igualmente una poeta oral, es la primera poeta Innu en publicar un libro de poesía en Quebec, Eshi uapataman Nukum. Comment je perçois la vie, Grand-Mère, 1995.  Desde su retorno a la aldea natal, ha trabajado en la educación, viendo el trabajo con los jóvenes como la base para el futuro. Escribe poesía desde su adolescencia y no pasó mucho tiempo antes de que se preguntara cómo podía permanecer en su tradición Innu mientras tomaba un camino tan diferente al de sus padres y abuelos. La escritura también le permitió encontrarse a sí misma. La publicación de su primera obra causó gran interés entre los Innu, en Quebec y en el mundo de habla francesa.

“Mi nombre espiritual es Mujer Relámpago Azul.  Estoy abierta a los mundos de los sueños allí donde los espíritus de la Tierra vienen a hablarnos. En el mundo occidental, me llamo Rita Mishtukuhu que es también mi nombre de bautismo.  El nombre de familia que llevo significa canoa hecha de madera y eso designa a los viajeros que llegan a nuestro continente. Y nosotros a los blancos los llamamos mishtukuhuat. Yo soy la hija menor de un cazador de caribúes que ha trasegado mucho para vivir libre. Y me acuerdo también de todos los cazadores que aman caminar, navegar sobre el suelo de los antepasados. De los cuales en particular aquel que ha escrito su historia.  Él ha dicho hacia el final de su vida en la comunidad Ekuanitshit, sentado sobre su silla: «Mi cuerpo está aquí pero mi espíritu está allá lejos».  Cecí sobre el borde del mar, el gran río, el océano, el infinito, el camino azul. La tierra atrás de mí es el Norte, el nutshimit, la casa de mis ancestros. Allí donde todos los animales viven aún en libertad. Ha habido muchas confusiones, y hoy en día la tierra detrás de mi hogar está invadida por la explotación de las minas, de las barricadas, eso que el mundo occidental llama el desarrollo. 

Llevo en mí mi cultura, mi lengua y mi identidad. Mis primeras palabras son en mi lengua que es el innu aiamun. Soy una mujer innue que habla una lengua de bosque y de ríos. Las palabras nacen a través de las marchas de los cazadores de caribú, y las expectativas sobre los bordes de los ríos pescando el salmón. Durante esta marcha, hemos recogido los frutos de nuestra tierra madre y en cada hijo nuestra lengua se ha vuelto más fuerte. Mis abuelos son ante todo nómadas que ven las estaciones como casas habitadas por buenos espíritus. Nuestra identidad está fundada sobre la fuerza que desplegamos para hacer vivir el Innu Aiamun, el Innu Aiamum es una lengua de tierra, todos los pequeños momentos que pasamos con los árboles, los ríos, los lagos.

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JOSE JAVIER SÁNCHEZ   nació en Venezuela en 1970. Poeta, Docente y Promotor de Lectura. Fundador de la Red de Escritores de Venezuela, de la Red de Escritores por el Alba y de la Red Nacional de Promotores de Lectura. Coordinó el Proyecto Nacional de Promoción de Lectura “Leer es Entender”. Ha coordinado las jornadas “Hacia el Festival Mundial de Poesía”. Sus poemas han sido traducidos al árabe y al portugués. Forma parte de las antologías: Amanecimos de Bala; El corazón de Venezuela; 70 poetas en solidaridad con Iraq el Líbano y Palestina (2006), Festival Mundial de Poesía,  27F y Antología (bilingüe árabe-venezolana) de la joven poesía venezolana.

Ha publicado Fragmentos para una memoria, 2007; Una mirada por la décima urbana. Antología de decimistas urbanos, 2008; Hasta que el recuerdo lo permita, 2009 y Código Postal 1010, 2010. Sus poemas han sido publicados en diversas revistas venezolanas así como también  en Colombia y México. Actualmente prepara la publicación de la Antología de poetas caraqueñas. Es coordinador de atención al escritor de la Fundación Editorial el Perro y la Rana.

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MARÍA CLARA SHARUPI JUA nació en  Ecuador. Pertenece a la Nación Shuar. Desde pequeña se dedica a las labores agrícolas junto a sus padres y hermanos, crece en medio de la madre selva, de su Madre y Padre aprende toda la sabiduría ancestral. Enamorada e hija de Arutam (Dios) camina por la vida. Dirigente de la Mujer y la Familia. Vocal del ECORAE (Instituto de Ecodesarrollo de la Región Amazónica) en representación de las nacionalidades indígenas de la Región Amazónica (2 años). Co-Autora del libro Amanece en nuestras vidas. Traductora y locutora de varias obras relevantes en radio y televisión en la lengua madre shuar chicham-español. Actualmente está en curso la edición de su libro de poemas Tarimiat en tres lenguas: Shuar Chicham, Español e Inglés.
“Las mujeres Shuar hemos contribuido a la Construcción del Estado Plurinacional e Intercultural a lo largo de las luchas que los pueblos originarios han efectuado en el Ecuador, hace años era imposible y utópico pensar que la mujer pueda expresar y escribir sus sentimientos y emociones. La globalización es la realidad y no pretendemos luchar en contra de una fuerza tan absorbente, sino  es determinar cómo hacer llegar estas voces a los oídos de un público más universal, en un mundo donde la ciencia es primario a través del internet, se pude lograr también mucho y a la vez, conservar las tradiciones y los rasgos únicos de la cultura Shuar, compartir la riqueza originaria y compartir para que más personas lo aprecien, acercarnos a la globalización, nos permite alimentarnos, integrarnos de manera más amplia y maravillosa que podemos escuchar y mirarla voz del mundo,  no desde una posición de miedo, sino desde la valentía y fuerza, la importancia de tomar las riendas, control de esas fuerzas para las metas y objetivos, nuestra poesía crece y el verso con miradas distintas, expresando desde el sentir tras las faldas de las altas montañas, hasta volar al corazón del arco iris, eterna y global propio de la nación Shuar.

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SURLAY FARLAY  nació en Medellín el 24 de noviembre de 1971. Publicó el libro de poemas A la Espera de Nayan, en 1991. Integrante del taller de poesía de la Biblioteca Pública Piloto de Medellín, entre 1990 y 1998. Psicólogo egresado de la Universidad de Antioquia. Ha sido promotor de lectura en diversas instituciones, así como coordinador de talleres de poesía. Miembro del Comité Editorial del Periódico Literario El Gaviero.

Si consideramos la situación del mundo desde el punto de vista del desarrollo de las comunicaciones, el impacto de pasar de ser un mundo aislado a una aldea global y su relación con la poesía, lo primero que se nos viene a la cabeza es : “vaya, ahora la poesía tendrá más oportunidades que en los dos últimos siglos…” No obstante nos punza una duda… En primer lugar considero que el arte de lo poético va más allá del verso y hasta de la misma literatura… recuerdo que mi maestro Jaime Jaramillo Escobar predicaba en sus talleres que la poesía escapa constantemente, escapa del libro al cine, de la palabra a la imagen. Además escapa de las cofradías literarias a las vivencias cotidianas. Que la poesía se acabe… no creo… como decía el gran José Martí se acabaran más fácil los poetas. Que la poesía avance a causa del internet y las grandes redes satelitales… tampoco lo creo. Comunicarse e informarse es muy diferente a encontrarse con la poesía… La experiencia de tener el libro en las manos y leer desnudos boca abajo, mientras la cabeza del ser amado descansa en nuestra cadera y mira al cielo sonriente, escuchándonos, no se compara con la lectura en la pantalla del computador. A eso llamo experiencia poética. La pregunta que me hago ahora con todo esto es: ¿en estas épocas globalizadas tendrán las personas más oportunidad de experiencias poéticas auténticas o al menos de un carácter personalizado? ¿Se quitará la pereza de acceder a la literatura gracias a google y su fantástica posibilidad de “cortar – pegar” y su amigo Wikipedia? Llenamos el mundo de Blogs spots y páginas de poetas. Yo mismo no sabía que estaba en google con mi único libro. Y aun así no soy más popular que hace una década. Pienso que los que están bailando en una pata de felicidad son todas y todos esos escritores que publican casi por compulsión, llenando los espacios de libritos cada 15 días. Y aun así la globalización también los ignora y se cansa de ellos y ellas.  Si se nos volvían tediosos cuando para saciar su deseo de ser leídos, tenían que publicar libros físicos de carne y papel… ahora ya no hay quien se los aguante…La globalización nos garantiza la comunicación, la publicidad, el saludo al mundo…pero no nos garantiza la experiencia poética, subjetiva, aleatoria y a veces no literaria que habita el ser. En muchas ocasiones, dejo de escribir poesía porque la estoy viviendo….

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LUIS EDUARDO RENDÓN    nació en San Roque, Antioquia, Colombia, en junio de 1972. Ha publicado los libros de poemas: Arpa a merced de las manos invisibles, 1996; La velocidad de las piedras es azul, 1997; Universal Gong Night, 1997; Tras la loba espectral, 1998; La Plaza Mercurio, 2000; Libro de presagios, 2011. Pertenece desde sus primeros años a la organización del Festival Internacional de Poesía de Medellín, a la Corporación de Arte y Poesía Prometeo y al Consejo Editorial de la Revista Prometeo.

“El mundo es un gigantesco árbol eterno, y la poesía la savia, el alimento que lo sostiene. Infinitamente diversa e inagotable es esta savia: una sola gota puede nutrir a generaciones enteras. Por la magia de la interconexión intrínseca e intemporal entre los seres vivientes, el comportamiento de una especie, dondequiera que fuere, puede modificar de forma invisible otros comportamientos de esa misma especie, y quizá a otras formas de vida, a gran escala. Lo que alguien cantó hace 5.000 años, puede aún escucharse, elevar la moral, alimentar un oído, una mirada, una boca que lo transmite de otra forma; consigue todavía erizar una piel, suscitar una caricia, acompañar un enamoramiento.

Imagen de la unicidad del universo, el sistema circulatorio semeja lo fluvial. Somos un solo bosque inundado por los sentimientos, comunicadas entre sí las ramas del pensamiento. La poesía devela nuestra conexión con la totalidad a la que anhelamos enchufarnos, de neurona a nebulosa. La sensibilidad, como una red que entrelaza los seres, despliega la compasión y acaso las estrellas son poros de un gran cuerpo, imagen del nuestro.

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CARLOS CIRO  nació en Medellín, Colombia en 1974 y tiene formación en Filosofía e Ingeniería de Sistemas. Ha participado en la organización del Festival Internacional de Poesía de Medellín y en la edición de la revista de arte y literatura Prometeo, particularmente, con traducciones de poetas de lenguas portuguesa, francesa, alemana, italiana e inglesa. En 2010, coordinó el curso "Pensar y poetizar" de la Escuela Permanente de Poesía de Medellín.

Fue cofundador y miembro del equipo editorial de la revista de filosofía Euphorion, en la que han aparecido traducciones suyas. Ha dedicado varios años de su vida al estudio sistemático y la traducción de las obras de Fernando Pessoa difundidos a través de diversos espacios virtuales bajo el nombre de "Pessoas de Pessoa" desde 1996.

“A Carlos Ciro le gusta describirse en tercera persona y flagelarse después por no haber tenido mejores palabras para expresar lo poco que sabe de sí mismo; le gusta utilizar el hipérbaton cual si en latín se expresase, y está definitiva y terminalmente enfermo de palabras. Las palabras se le agolpan en las puntas de los dedos (pues habla más a través suyo que de sus labios) apretujándose por salir, frenéticas, hacia las teclas que habrán de convertirlas en fotones buscando el favor de unos ojos que los acojan como a peces el agua, pero siempre lamentándose por su falta de hilación, por la falta de voluntad en las manos que las gobiernan para dirigirlas, para conducirlas por un camino seguro y sin tropiezos hasta ese centro que intuyen en el vasto vértigo que gira en torno a la absoluta nada, el sustrato del mundo que es su reflejo pasajero en la infinitesimal inmensidad (y valga, una vez más, el oxímoron).”

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LEYMEN PÉREZ  nació en Matanzas, Cuba, en 1976. Poeta, editor e investigador. Se desempeña como Jefe de Redacción de la revista artística y literaria Matanzas. Licenciado en Estudios Socioculturales. Miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba y de la Asociación Hermanos Saíz. Ha publicado los libros: Números del escombro, 2002; Pared con grabado de Pollock (Premio Nacional “José María Heredia”, 2004); Circo artesanal (Premio Provincial de la AHS “Eliécer Lazo” y Premio Nacional Poesía de Primavera 2004); Hendiduras, 2005; Tallador de ruidos, 2005; Poetas en Matanzas VI, 2005; Transiciones (Premio Nacional Hermanos Loynaz, 2005); Corrientes coloniales (Premio Calendario 2006).Tiene en proceso editorial por Letras Cubanas El libro de Heráclito. Ha obtenido premios nacionales, entre los que se destacan: Premio Especial José María Heredia 2003; Premio Regino Pedroso 2004; Premio Cauce (Uneac) 2004 y 2006; Premio Poesía de Primavera 2004; Beca de Creación Prometeo del Premio de Poesía de La Gaceta de Cuba 2006 y 2009; Premio José Jacinto Milanés 2006 (Uneac); Premio Calendario 2006. 

“El poeta escribe, en gran medida, sobre sus experiencias personales y sobre lo que interpreta de los clásicos. Cuando un autor no es sincero se percibe en cada uno de sus trazos. Escoge la cima o la profundidad de la palabra. En la cima, la palabra reflexiona sobre sí misma y sobre su capacidad de comunicación. En el fondo,  la palabra es el mismo ser. El impulso de trasmitir el dolor del otro sin sentirlo como propio es uno de los actos más indecorosos que se puede asumir. Sin embargo, edificar una obra honesta y profunda, dejando la vida en el fondo de cada poema es uno de los caminos, una de las metas de todo artista. Para “mantener una subjetividad permanente” –como dijo el notable intelectual cubano José Martí, sería necesario estar poeta y no creer que lo somos todo el tiempo. Estar poeta significa tocar ese espacio imaginario entre el significante y el significado, el todo y la nada, lo grotesco y lo hermoso. El poeta es el ser que más resurrecciones alcanza mientras lucha por trasladar la conciencia del mundo sensible al mundo de la fantasía y se le exige ser preciso en su expresión de lo impreciso, porque está atrapado en sí mismo y solo su alma deja unas cuantas luces en toda una vida dedicada al arte.

Un poema es un bosque inaudible, una casa que rueda sus arenas, un reloj que diseca el tiempo”, señaló José Lezama Lima; pero un poema es también esa imagen que se ausenta y después vuelve al fondo de los ojos. Comprender un poema quiere decir, en primer término, imaginar un cuerpo, una sustancia que permita desplazarnos entre uno y otro símbolo, cuidándonos siempre de aquellos vacíos ocultos en algunos discursos poéticos. El poema es el testimonio de ese ser resucitado que busca en los límites del lenguaje otro lenguaje para deconstruirlo. ¿Qué verdadero poeta no ha fundado un mundo con palabras? El poema no entretiene a las corrientes de vida que constantemente se matan en la conquista de una pobre diversidad cultural. El poema necesita para sí otra era, otra globalización y otros caminos multiculturales para no cerrarse frente a los cansados ojos de los lectores. Mientras más cerca estemos del poema más próximos estaremos de un elemento esencial para la supervivencia humana: la poesía.”

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GLADYS YAGARÍ Cantautora perteneciente a la nación Emberá, Chami. Considerada como una de las voces más bellas de su comunidad. Sus melodías se inspiran en las tonalidades de los cánticos rituales jaibanísticos que realizan los médicos tradicionales de su comunidad y sus letras surgen de las vivencias diarias, de los sentimientos, de la historia de su pueblo y del legado cultural ancestral.

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CATALINA GARCÉS nació en Medellín en 1980. Realizó estudios de Licenciatura en Español y Literatura en la Universidad de Antioquia. Actualmente estudia Filología hispánica en la Universidad de Antioquia. Varios poemas suyos hacen parte de la antología Nueva poesía y narrativa hispanoamericana (2009), publicada en España. Pertenece al comité organizador del Festival Internacional de Poesía de Medellín.

¿Es esta en realidad una era globalizada?, ¿la verdadera globalización no debería tener una buena dosis de equidad, de revolución cultural, económica y política?, y si la globalización está definida como un proceso dinámico de sociedades que viven bajo el “capitalismo democrático” o la “democracia liberal” y que se han abierto a la liberalización y democratización en su cultura y en sus relaciones internacionales, ¿por qué la realidad de nuestro mundo es tan distinta a esa definición, si se supone que ya estamos globalizados? Yo, particularmente, dudo de la globalización actual de la misma manera en la que dudo que seamos un Mundo Moderno, pues la Modernidad tal y como fue dibujada por las mentes de todos aquellos intelectuales que pensaron en una manera distinta de vivir, que pensaron en la igualdad entre los hombres, aún no nos ha llegado, no la hemos alcanzado: sigue siendo un hermoso proyecto de sociedad. Y como se quedó en proyecto, y como además es el paso primero para que se dé la verdadera globalización, entonces concluyo que ni somos “modernos”, ni somos “globales”. Sin Modernidad no hay globalización.

Después de todo lo escrito en las anteriores líneas, ¿dónde entra la poesía?, ¿dónde queda?, ¿cuál es su función?, pues bien, así la realidad sea una, independientemente de la época histórica, la poesía tuvo, tiene y tendrá la misma función, inmutable y eterna: la de hacer habitable el mundo ‒parafraseando a Hölderlin‒, porque solo los lugares poetizados son habitables. Esta es una función no “funcional” (entendiendo funcional desde lo material o instrumental), y en ella se agrupan otras pequeñas funciones, más humildes, pero igualmente vitales: la poesía sirve también para asuntos más íntimos, individuales, hasta los opuestos se contienen en ella: puede ser salvadora, pero puede también condenar, puede ser trascendental o material, puede ser una voz nueva o puede repetirse, puede ser política, apolítica, ritual, divina, mundana, bélica, pacífica, nos relata en fin y el inicio… los intermedios, tiene tantas funciones como poemas se han escrito, tantas, como la cantidad de poetas que han descrito al mundo.

Para concluir: sea esta una aldea globalizada o no, sea esta una era de globalización o no, la poesía sí lo es, sí lo está, es ella un territorio Universal.”

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EMERSON TABARES nació en Medellín en 1980, poeta, actor y performer, realizó estudios de idiomas en la Universidad Pontificia Bolivariana, así mismo de Teatro y Artes Plásticas en la Escuela Popular de Arte de Medellín. Asistió al taller de poesía de la Biblioteca Publica Piloto, dirigido por Jaime Jaramillo Escobar;  donde también para la videoteca trabajó en la traducción de películas de directores como Eisenstein, Pasolini y Herzog.  Durante el 2007 al 2009 trabaja con el colectivo alemán “Klinisch Auge” en la obra de teatro “Die Daemonen Sind los” y en la discoteca gótica “Druckkammer” en variados performances.  Recientemente algunos de sus poemas fueron incluidos en la Revista número 90 de Prometeo, y desde el 2005 pertenece al comité organizador del Festival Internacional de Poesía, donde se ha desempeñado como lector y traductor.  Próximamente publicará su libro “Los Poemas de la Raza de Caín”.  Pertenece al comité editorial de la Revista Literaria Ouróboros, en la cual ha publicado sus poemas, actualmente es estudiante de Licenciatura en Lengua Castellana de la Universidad de Antioquia.   

“La poesía es desde siempre revelación de los poderes de la palabra, sustancia transformadora de la realidad, energía radiante que hace manifiestas todas las cosas. En su acción latente la poesía impulsa desde el abismo de su misterio las metamorfosis de la muerte. Por eso en sus inicios la poesía tuvo como fin la apertura de umbrales y la comunicación con lo desconocido. Los poderes de la palabra fueron así destinados por el poeta para despertar las fuerzas ocultas y aumentar las posibilidades para la alteración de la materia y de la conciencia, pues el poder del fuego que detenta el poeta es el veneno de la serpiente que excita lo oculto y devuelve a la vida de la palabra a esa carne divina que conocemos como universo. La transformación que opera el poeta lo lleva a estar a la altura de su obra y así se hace signo en su poema y en su vida misma. El poeta lleva el fuego que dirige la obra entera de la creación, obra que en el poema incluye todas las potencias, sabe por eso que para hacer su fénix no debe despreciar la ceniza. El poeta no sólo escribe sino que lleva el poder de la palabra hasta sus últimas consecuencias y esto exige que sea un nigromante y que mire al fondo del abismo de la existencia donde brilla pálida la estrella y que al extraerla libere su energía  y nos lleve a todos hacia la vida del poema, única vida que en que reside la realidad.”

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ANGYE GAONA nació en Bucaramanga, Colombia, el 21 de mayo de 1980. Perteneció al comité organizador del Festival Internacional de Poesía de Medellín. Organizó la Exposición Mundial de Poesía Experimental en 2001. Investigadora surrealista, gestora cultural, cursa estudios de licenciatura en Español y Literatura en la Universidad Industrial de Santander e impulsa la realización de acontecimientos poéticos. Cultiva también la escultura y hace producción radial. Publicó el libro de poemas Nacimiento Volátil, en 2009, ilustrado por Natalia Rendón. Poemas suyos han sido incluidos en diversas antologías, y en publicaciones impresas y digitales en Colombia y el extranjero, entre ellas en una antología de nuevas voces de la poesía colombiana publicada por la Universidad de Monterrey (México). Su obra poética ha sido traducida al catalán, francés, portugués e inglés.

“Se nos hace apasionante reiterar que la poesía está antes del mercado y le sobrevivirá. Si se dijo “socialismo o barbarie”, “comunismo o catástrofe”, que se diga hoy “poesía o extinción”. Noam Chomsky ha nombrado en sus teorías lingüísticas el “aspecto creador del lenguaje” como la capacidad, que tiene todo el que usa el lenguaje, para crear un número infinito de oraciones nunca escuchadas antes, nuevas. Quizá este mecanismo del pensamiento y del lenguaje humano haya sido el principal gestor de su habilidad para inventar mundos nuevos y de su capacidad de poetizar la vida, de llenarla de sentido. Esas potencias de creación que han sido despertadas por siglos para la generación de ganancias particulares, pueden ponerse a funcionar, de un momento a otro, en beneficio de la humanidad entera. La vida no es lo mismo antes y después del sentido poético que le otorgamos: “Poéticamente, vive el hombre en la tierra”. Cada día, en todo el mundo, se experimentan transformaciones generadas por el acceso de las gentes al conocimiento poético y a la acción creadora de las disciplinas artísticas. Mejor dicho, el mundo permanece en la opresión porque, justamente, las mayorías no saben que pueden ser personas creativas. Cuando lo sepan, cuando conozcan la poesía e ingresen ampliamente a ejercer la ciencia y la creación en cualquier ámbito y en auténtica libertad, de seguro amanece sobre la Tierra y es lo que está por suceder, inevitablemente”.

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EDWIN RENDÓN nació en Fredonia, Antioquia, en 1981. Poeta y profesor de Literatura. Licenciado en Español y Literatura de la Universidad de Antioquia. Especialista en Literatura de la Universidad Pontificia Bolivariana. Coordinador de la Tertulia Literaria del municipio de Fredonia (Antioquia).

Obras: Escupitajo, 2000; Sobre un estudio de los árboles, 2005 (Obra ganadora del Premio Nacional de Poesía Isaías Gamboa);  Manual del perdedor, 2011 (Obra finalista I Premio de Poesía Joven Ciudad de  Medellín  y su Área Metropolitana).  Su obra ha sido publicada en la Antología de Poesía Joven Colombiana de la Fundación Verso a Verso, 2005.

Al decir de Milton Álvarez Gómez, “Rendón es el exorcista que juguetea con Lucifer, se mece entre sueños con las huestes celestiales y desvela Walkirias con su rebeldía de milenios. Tiene el sagrado fuego para desatar universos y un manantial de ternura que conjuga con el ímpetu de su juventud para conducir hasta el altar los más puros versos.

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FADIR DELGADO ACOSTA nació en Barranquilla, Colombia, en 1982. Empezó a escribir poesía desde los ocho años. Autora de los libros de poesía: La Casa de Hierro y El último gesto del pez. Socio fundadora y orientadora artística de la Fundación Casa de Hierro, desde la cual lidera y promueve espacios culturales para la ciudad y orientando la formación de lectores y escritores a través de talleres literarios y actividades literarias y artísticas dirigidas a niños y jóvenes. Ha leído sus poemas en diversas ciudades colombianas y también en festivales y encuentros en Ecuador, Venezuela, Francia y Canadá.

“La creación escrita es una posibilidad de rescate, y lo más urgente para rescatar es la condición humana, la cual no traduce hacer uno que otro raciocinio, caminar o hablar, sino un compromiso mucho más complejo que significa no pensarnos desde lo individual sino desde lo colectivo; para ello debemos reconocer que existe el otro, que podemos comenzar a imaginarnos y a pensarnos juntos. Es así como el universo de la escritura a través de sus propios tejidos nos cuenta otros contextos, nos reinventa otros escenarios a partir de una realidad que se distancia de aquélla que se muestra en esos espectáculos mediáticos que comercializan la tragedia, reduciéndola a un vulgar y banal melodrama.”

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JAVIER ALVARADO nació en Santiago de Veraguas, Panamá, el 28 de agosto de 1982.  Licenciado en Lengua y Literatura Españolas por la Universidad de Panamá. Obtuvo el Premio Nacional de Poesía Joven de Panamá Gustavo Batista Cedeño en los años 2000, 2004 y 2007, el Premio de Poesía Pablo Neruda 2004 y el Premio de Poesía Stella Sierra en el 2007. Mención de Honor del Premio Literario Casa de las Américas de Cuba 2010 con su obra Carta Natal al país de los Locos (Poeta en Escocia). Primer Premio de los X Juegos Florales Belice y Panamá, León Nicaragua con Ojos Parlantes para estaciones de ceguera. Premio Centroamericano de Literatura Rogelio Sinán 2011 en poesía con el libro Balada sin ovejas para un pastor de huesos.  Premio Internacional de Poesía Rubén Darío por su libro El mar que me habita.

Obra Publicada: Tiempos de Vida y Muerte, 2001; Caminos Errabundos y otras Ciudades, 2002; Poemas para caminar bajo un paraguas, 2003; Aquí, todo tu cuerpo escrito, 2005; Por  ti no pasa nunca el Tiempo (y otros poemas al espejo), 2005; No me cubre de edad la Primavera, 2008; Soy mi Desconocido, 2008.

“Ser y seguir siendo siempre la voz ante todos los sucesos individuales y colectivos de la humanidad: la poesía la escriben algunos y todos, que son parte de la misma masa, del mismo átomo, del mismo o distinto gen,  del mismo génesis o apocalipsis, apoyándose en las alas de todos los calendarios: escribiremos con ella las utopías que se alcanzan, las inalcanzables y las que no seremos testigos de palparlas.  Me uno a Gonzalo Rojas cuando dice: Dormiremos progenitores en el polvo con nuestras madres que nos hicieron mortales, desde allí celebraremos el proyecto de durar, parar el sol, ser ¿cómo los divinos? de repente?”

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FLY SO HIGH nació en Apartadó (Antioquia) el 5 de septiembre de 1982. Es músico, gestor cultural y activista que desde 2007 integra junto a Mauricio Ríos Suarez “Mr. More”, la agrupación de Rap “Mandrágora Hip-Hop”. También es miembro fundador del colectivo de artistas y sello discográfico “Mandrágora Records”.

Es reconocido como uno de los mejores Freestyle (improvisadores) del país, por haberse destacado en algunas de las batallas de Mc’s más importantes como la “Batalla de Gallos, Medellín 2007”, en la cual fue galardonado con el segundo puesto. Con Mandrágora Hip Hop, ha participado en eventos importantes como la “fete de la musique” (Cartagena, 2011).

Coautor de la banda sonora del video documental “Putas o Peluqueras” de Yagé producciones que fue seleccionado el año pasado para la 13 muestra documental internacional en Bogotá. Fly So High hace parte de la mesa directiva de la Escuela Popular de Arte Urbano “Hidra de Lerna”, que es una apuesta por construir nuevas subjetividades y actores políticos a través del arte en el municipio de Copacabana, Antioquia, donde también es profesor de Mc’s. Entre sus obras se encuentran “Flow So High” Digital EP (2011) y “Efiméria”, Digital LP (2011).

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LARRY MEJÍA nació en Bogotá Colombia el 29 de mayo de 1983. Estudió actuación e historia del arte, ha desarrollado una carrera como actor de cine y televisión en su país obteniendo entre otros el Premio India Catalina, del Festival de Cine y Televisión de Cartagena en 1990. Alternando su profesión como actor fundó el movimiento Negacionista de poesía. Ha publicado la novela El demoledor de Babel (Fondo Editorial el Perro y la Rana, Caracas, 2011) al igual que la antología Una llama al viento (Fondo Editorial el Perro y la Rana, Caracas, 2011), del escritor Porfirio Barba Jacob. Ha sido invitado a festivales de poesía tanto en su país así como en Argentina, México y Venezuela. Ganó en 2010 el premio La poesía es la libertad, de la Casa de Poesía Silva y en 2011 el Premio Platero del Club del Libro de las Naciones Unidas, en Suiza. Actualmente cursa estudios de Lingüística en la Universidad Nacional de Colombia. No aparece en ninguna antología literaria de su generación.

…La poesía y la libertad, son solo palabras y las palabras son las que más nos distancian de los hechos, la literatura está en el viaje, en la carretera, lo dijo Kerouac y lo repito yo, alguien más en un futuro, si es que hay futuro, lo dirá, la literatura es correrle a la muerte con un par de piernas, con un par de palabras…

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JHONATTAN ARANGO nació en Medellín en 1984. Estudiante de Licenciatura en Filosofía y fotografía, diseñador gráfico y músico; investigador en literatura y filosofía del arte y pedagogía. Pertenece al taller de creación literaria de RENATA en la Universidad de Antioquia, es miembro del centro literario el Túnel bajo el cual funciona la revista virtual Antropofagia. Embajador universal de la cultura por la unión latinoamericana de escritores, miembro y socio de la unión de escritores de Tarija, Bolivia. Ha participado en varios encuentros de poesía a nivel nacional e internacional. Ha publicado el poemario titulado Cuando el Alma Despierta y participado en diferentes antologías poéticas a nivel nacional e internacional.

Su libro Los Relatos de la Muerte, escritos bajo el seudónimo de Jacobo Marshal, obtuvo el III Premio Internacional Universitario de Poesía Desiderio Macías Silva y resultó finalista en el Premio de Poesía Joven Ciudad de Medellín, en 2011.

“El libro es una experiencia de vida y de observación. Cuando salgo a la calle y veo los actos de las personas, son como pequeñas muertes constantes. A partir de ahí fue que empecé a escribir Los relatos de la muerte. El epílogo del libro es una batalla entre Jacobo y la muerte. Tras su encuentro, el hombre la mata y se convierte en ella. “Lo que yo hago es aproximarme lo más que puedo a la muerte. No sólo como una muerte desde la finitud, sino también desde los instantes. No solo muere lo físico, también mueren los pensamientos”.

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ASIA

FATIEH SAUDI  nació en Jordania en 1949. Nacionalizada en el Reino Unido. Poeta y traductora de poesía del árabe al inglés. Terminó Medicina en Francia y trabajó como médica en Jordania y Líbano. Por más de 30 años se ha ocupado de la defensa de los derechos humanos, la paz y la justicia social en el Medio Oriente.

Sus anteriores publicaciones incluyen Olvido rebelde, en francés, memorias de la guerra civil  y la invasión israelí al Líbano en 1982 y Días de Ámbar, en árabe. En 2008 publicó su antología de poesía en inglés Los Profetas - Una jornada poética de la niñez a la profecía y más recientemente su antología, Hija del Támesis.

“Poesía y música estuvieron cerca de mí desde mi infancia. Recuerdo la voz de mi padre al recitar los versículos del Corán, el libro sagrado islámico. Se sentía para mí tierna, suave y hermosa. Yo siempre / llevo dentro de mí / sentí / una especie de misteriosa añoranza por la poesía. Durante mucho tiempo los libros de poesía fueron los mejores entre mis buenos amigos, sentía que me protegían de lo mundano y lo ordinario. A través de algunos poemas podía viajar, soñar y construir mundos con las palabras que pasaban ante mis ojos. Extrañamente  busqué incluso la compañía de los poetas como si sintiera que ellos estuvieran más cerca de mi visión del mundo y mis esperanzas.

Curiosamente nunca me atreví a escribir un poema hasta que llegué a mis cincuenta, pensaba que era un privilegio de los hombres. Luego estuve en un momento crítico de mi vida donde me sentía al borde de todo, incluso de la vida misma. Me sentía traumatizada y sin protección, desarraigada, perdida, exiliada de mí misma, sin derechos humanos, aunque yo era una mujer bien educada que luchaba por sus propios derechos y los de otros. Me sentí entonces como si mi identidad y mi lengua se dispersaran al igual que cientos de piezas de un rompecabezas.

Durante aquel período crítico, mi único refugio, mi único hogar se volvió escribir poesía. A través de mis poemas fui capaz de viajar a los paisajes desconocidos del ser. Empecé a darme nueva forma a mí misma, a mi identidad, mi lengua y mi memoria a través de mis poemas. Escribir poesía es una herramienta de sanación, mi única manera de mantener la motivación en el ser en la vida y la supervivencia. Mis poemas se convirtieron en mi única voz, la sin habla, la silenciada. He redescubierto mi propia voz y mi ser a través de la poesía, y decidí renacer a través de la poesía.

De lo personal a lo colectivo, del pasado al presente con todas sus turbulencias, conflictos, luchas, no poemos ser indiferentes ante nuestro mundo. Cada uno de nosotros es también parte de esta tierra y de este universo y tenemos cada uno cierta responsabilidad. Yo creo en el papel de la poesía para afinar el mundo igual que otras formas de arte, para ser parte de la formación de nuestra conciencia humana colectiva, una parte de nuestro lenguaje colectivo que aspira a una mayor justicia en el mundo. La violencia, las guerras, la codicia, el sufrimiento, el abuso no pueden  aceptarse. A medida que crecía en el Medio Oriente fui testigo de demasiado sufrimiento e injusticia allí.

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ESDAULETOV ULUGBEK  nació en el este de Kazajistán, en 1954. Periodista de la Universidad Estatal de Kazajistán en 1977; y escritor en el departamento de poesía del Instituto Superior de Literatura Maximo Gorky, Moscú, 1985.

Autor de los libros: Қanatқaқty, 1974, Zhұldyzzharyғy, 1977; Altyn Altaydyң Tamyr, 1979; Ұlystyңұlykүnі, 1982; AkKeruen, 1985; Zharatylys, 1989; Zhүrektegіzharylystar, 1995; Zaman-ai, 1999; Kiіzkіtap, 2001; Pima Қara, 2006; Yntyқ zar, 2010, Әbіlhayat, 2011. Desde 1991 es editor en jefe de Jas Kazakh. Desde 1993, director de departamento en el Ministerio de Asuntos Exteriores y desde 1997, director de departamento del Ministerio de Cultura, Información y ciudadanía de la República de Kazajistán.

Desde el año 2000 ha sido director del departamento de cultura del Primer Ministro. Desde 2002, editor en jefe del periódico Kazakhәdebietі. Y desde 2008 hasta hoy ha sido editor y director de la publicación literaria Zhұldyz.

Premio literario internacional Alash (2000); Premio estatal de la República de Kazajistán (2002); Caballero condecorado con la Medalla de Oro Yesenin, en Rusia (2007); Premio  Altyn Zhuldyz por la Academia de periodistas de Kazajistán (2007), y ha ganado en múltiples ocasiones el concurso nacional de poesía Mushayra.

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MINDY ZHANG (seudónimo de Ming Di) es una poeta y traductora china. Estudió en la Universidad de Boston y actualmente reside en los Ángeles. Cofundadora y editor de POETRY EAST WEST, revista bilingüe en chino e inglés. Traductora para Lyrikline en Alemania. Ha publicado seis libros de poesía en chino, entre ellos: D Minors Etudes; Chords Breaking; Berlin Story; June Snow; Art of Splitting, y Selected Poems of Ming Di.

Ha traducido a muchos poetas de otros países al chino. Sus libros de traducción incluyen Selected poems by Ha Jin, 2009; The Writer as Migrant, 2010; Missed Time, 2011; Dancing in Odessa y The Book of Things, 2012. Como poeta ha sido invitada a festivales internacionales de poesía en diversos países, entre ellos Japón, India, Macedonia, Suecia, Rumania, Croacia, así como China y Estados Unidos. Ejecuta el instrumento tradicional chino de música llamado Guzheng.

Al preguntársele sobre cuál es el aspecto más difícil de la traducción poética, respondió: “La parte más difícil de la traducción es ir adentro de la mente del poeta y descubrir lo que él no quería decir. Me gustan las ambigüedades y las lecturas múltiples, pero considero que debemos evitar lo engañoso. Si el poeta odiaba el ritmo y la musicalidad en la poesía, hacer una traducción musical significaría hacer trampa. Estos son, por supuesto, casos extremos. Por lo general, trato de averiguar lo que está en un poema en lugar de lo que no está en un poema. Siempre hay varias opciones para traducir un verso, yo me centraría en lo que para uno representa el significado más cercano y que resalte lo implícito, lo sugerido, el significado oculto y lo que mejor presente el tono y la atmósfera. Muy a menudo miro la traducción y digo, hmmmm, esto no suena bien, entonces hago cambios, miro fijamente el poema original, me vuelvo absorta en él literalmente, hasta que oigo su voz. En otras palabras, un poema traducido deberá ser tan bueno como era originalmente, con sus sutilezas lingüísticas y emocionales. Lo que impulsa el poema hacia adelante, el motivo y los ecos, el ritmo y las variaciones, la pasión o el razonamiento, el juego de palabras, lo cambiante visual, lo que sea, debe reflejarse en la traducción”.

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DUNYA MIKHAIL nació en Bagdad, Irak, en 1965. Poeta y traductora. Ha publicado cinco libros de poesía en árabe y dos en inglés. Los títulos en árabe incluyen The Psalms of Absence y Almost Music. Su primer libro en inglés, The War Works Hard, fue finalista en el Premio Griffin, reconocido como uno de los 25 mejores libros de 2005 por la Biblioteca Pública de Nueva York y ganó el Premio de Traducción del PEN (En traducción de Elizabeth Winslow).

Uno de sus últimos libros, Diary of A Wave Outside the Sea, ganó el Premio al Libro Árabe Americano. En 2001, recibió el Premio de los Derechos Humanos de la ONU a la Libertad de Escritura. “Su poesía, tan pura y bella, es la mejor de su generación” comenta el poeta Iraquí Fadhil Al-Azzawi. Y al decir de Saadi Simawe, “ella ha renovado de forma impresionante el género del poema de guerra en la poesía árabe moderna, por introducir audazmente nuevas técnicas con una nueva visión”.

“El gesto que hace la poesía en el mundo es similar a la huella de la mariposa, delicada pero poderosa. ¿Este gesto podrá erguirse frente a las catástrofes? No estoy segura, pero el movimiento de una ola puede causar un impacto en la próxima ola dando a todo el mar aquella nueva experiencia pura bajo el sol. El espíritu humano está alienado por la violencia continua en el mundo. Nos sentimos solos, pero también juntos en nuestra alienación, y la inmensa luz que irradia la poesía es una señal hacia una comunicación no reivindicada.

En el plano personal, la poesía me salvó la vida, no en el sentido metafórico, realmente lo hizo. Está escrito en el pasaporte iraquí que mi profesión es "poeta". Eso me ayudó a salir de mi país cuando el tiempo era crítico y el papeleo era difícil. Necesitaría un permiso de ausencia de mi trabajo, lo que requeriría un enorme papeleo y un tiempo prolongado, cuando cada minuto era sagrado. Como "poeta", ¡no es necesario un "permiso de ausencia" para ningún lugar! Fue por el bien de la libertad de escribir que me fui, pero la poesía, en cambio, me dio la libertad para salir y vivir.

Por la poesía, nunca me sentí exilada. La poesía ha sido siempre mi país, y cuando leo a otros poetas siento que los conozco como si fueran mis vecinos. La primera conexión emocional que tuve en mi nuevo lugar (América) fue en el momento en el cual volví a la escritura. En aquel mismo instante construyes el sentido semántico y semiótico del mundo y por tanto estás acompañado por otros (los amados y amorosos otros), no sólo los poetas, sino todo el mundo.”

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MOOKIE KATIGBAK-LACUESTA  nació en Manila, Filipinas. Obtuvo una Maestría en Bellas en New School University, Nueva York. Su primer libro de poesía, “El eros apoderado”, se publicó en 2008. Su obra ha obtenido los reconocimientos literarios más importantes en su país, como el Premio Palanca y el Premio a la Prensa Libre de Filipinas. Fue incluida en la antología de poesía contemporánea filipina “Bajo la tormenta”, publicada en 2011. Ha publicado artículos sobre arte y música en diversas revistas y es  editora de Metro Serye, que promociona nueva poesía y narrativa.
¿Puede la poesía sobrevivir en un mundo globalizado donde ella puede parecer tan superflua y anacrónica como una carta de amor en la era de los mensajes de texto, o como el concepto de distancia en la era de Skype? La tecnología como un efecto secundario de la globalización ha alcanzado tales repercusiones sociales que billones de personas pueden ahora declarar sus individualidades simultáneamente y confiar en que alguien allá afuera está escuchando.

La poesía puede difícilmente mantenerse. Ella no puede detener el cambio climático o darles a las mujeres derechos de conducción. La poesía no puede siquiera venderse ella misma. Ella no es una mercancía valorable del modo que nuestros modos de conectarnos son mercancías valorables. Ella no puede ser oída por encima del ruido global de actualizaciones de estado, trinos, imágenes subidas, fotografías públicas, música subida- todo a la nube. Alguien ha descrito las actualizaciones de estado como “micro contenido fácilmente consumible”. Nadie ha dicho lo mismo de la poesía o de los libros en general. Ella es una mercancía que nadie quiere consumir. ¿Para qué necesita uno leer un libro, si por el mismo número de caracteres de una novela de 200 páginas, puede uno leer 625 actualizaciones de estado, todo en nombre del “conectarse”, y del desear hacer “más pequeño” a nuestro mundo? ¿Por qué conectarse con Dostoievski, si puedo entrar en la vida de las personas dando “me gusta”  y ellos pueden entrar en mi vida dando “me gusta Habiendo dado mis argumentos para prescindir de la necesidad de la poesía, debe decirse que ninguna actualización de estado o alimentación noticiosa televisiva se ha conectado conmigo tan convincentemente como una simple imagen prodigada por un poema, que está abierta a tan diversas interpretaciones, y que posee el poder de alcanzar a tan diversos significados, como personas que lo lean. Cómo un individuo elija aproximarse a un poema, una historia o una novela le dice más acerca de sí mismo que las minucias que elija escribir en 160 palabras o menos.  

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SUBHRO BANDOPADHYAY nació en la India en 1978. Licenciado en Biología y Diplomado en español por el Instituto Cervantes. Finalista del Premio Nacional de la India «Sanskriti Awards for literature». En 2008 recibe la I Beca Internacional Antonio Machado para la creación poética para escribir La ciudad leopardo. Ha publicado cuatro libros de poemas, una novela y una biografía de Pablo Neruda en bengalí. Ha dirigido y traducido la primera antología de lapoesía bengalí actual en español junto con la poeta chilena Violeta Medina. Es el fundador y director de la revista de poesía Podyocharcha. “No logramos ni luz ni sombra pura dentro de la memoria, sólo se crea una armonía y la lamemos como la hembra animal a su cría. Todavía no puedo escribir, no puedo decir con fuerza que todo es vacío sin ti”.
“¿Es poesía algo visible? Son unas líneas a las que la gente distingue como poemas y ¿qué? ¿para qué sirve la poesía? La respuesta es siempre negativa desde el punto de vista mundano y desde el punto de vista de los sabios tampoco es algo positivo que quieran confinar la poesía en su gloriosa y famosa torre de marfil o quieren que la poesía coja un camino social (es un “orgasmo” psicológico de la crítica de mi tierra hasta los años 90). Pero no solucionan el problema fundamental de ella, ¿dónde está la poesía? ¿Vive así sin alma dentro de las letras secas? No se ve poesía en ningún lugar. Y sí poesía existe. Existe solamente en la mente de los poetas y los lectores que la necesitan no en otro sitio. La mayoría de las veces son poetas.  En realidad son seres humanos sensibles que están afectados por la situación que intentan buscar una respuesta y empiezan acercarse a la poesía y al final terminan participando en ella.

En el mundo actual después de la globalización no vemos un número satisfactorio de lectores de poesía.  Nunca hubo una gran mayoría que leía poesía, pero ahora cada día vemos la cultura consumista no permite que entre la poesía. Si entramos a cualquier librería en la ciudad de Delhi o cualquier librería de los aeropuertos no encontramos los libros poesía en general.  Pues, ahora no es una cuestión de mayoría o minoría sino creo que algo existencial. Entonces ¿por qué es necesario? ¿Por qué decimos que es indispensable? En el mundo actual ¿por qué necesitamos la poesía? 
Yo ya di  una respuesta muy clara. No la “necesitamos”, necesito YO y por eso existe la poesía. Cuando el “yo” no pide poesía ella no existe. He vivido mucho tiempo sin poesía, biológicamente vivía, pero ahora creo que vivía sin espíritu sin alma. Esto es lo que está pasando, creo, en todas las lenguas que tiene una larga tradición escrita y que en las sociedades democráticas donde la poesía por lo visto no tiene un papel directamente social.  Estamos en una época de vivir lo biológico sin alma. Y no es algo que no se sabe, pero... La poesía es una parte de esa alma que necesitamos.  ¿Cómo podemos ver la poesía en su lugar original en esta sociedad encajada?”.

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EUROPA

DACIA MARAINI es una escritora italiana nacida en 1936. Ha escrito novelas, relatos, fábulas, poemas, obras teatrales y ensayos, muchos de los cuales han sido premiados. Colabora con regularidad con Corriere della Sera. Su última obra "Il treno dell’ultimanotte" (El tren de la última noche) fue publicada en 2008.

“Frecuentó a los grandes pensadores y artistas contemporáneos. Sus escritos indagan en el universo femenino y se ocupan de reflejar tanto la vitalidad como la decadencia de la sociedad. La infancia es para ella el origen de un eco que se extiende hasta la muerte.” Su obra poética, la componen, entre otros, los libros: Botta e risposta poetica... o quasi, con Nicolò Maraini, 1960; Crudeltàall'ariaaperta,1966; Donnemie, 1974; Mangiamipure, 1978; Dimenticato di dimenticare, 1984; Viaggiando con passo di volpe, 1991; y Se amando troppo, 1998. En 1973 funda el Teatro della Maddalena. En este teatro, cinco años más tarde, estrena "Diálogo de una prostituta con un su cliente", obra traducida al inglés y francés y representada en doce países diferentes.

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JOSÉ LUIS REINA PALAZÓN  nació en Puebla de Cazalla, Sevilla, España, en 1941. Poeta y destacado traductor. Realizó estudios de Filología clásica en Sevilla y Salamanca y de Filología Moderna y Filosofía en Frankfurt. Ha sido Profesor Lector de Lengua y Literatura Española en la Facultad de Pedagogía y Economía de la FACHHOCHSCHULE - Frankfurt. Siete libros de  poesía entre los que destaca la trilogía EXOTARIUM: Exotarium I: La soledad del día, Editorial Alfar, Sevilla y Exotarium II: Cuerpo Inseguro, Ediciones Calima Palma de Mallorca-Madrid, Exotarium III: Antes del olvido, en prensa, Calima. Exotarium I y II están traducidos completos al francés, al italiano, al rumano y al macedonio. Tradujo las obras completas de Georg Trakl y de Paul Celan, incluyendo la obra póstuma. También ha traducido importantes obras de Hans Magnus Enzesberger, Else Lasker-Schüler, Johann Wolfgang Goethe, Gottfried Benn, Nelly Sachs, Heinrich Heine, Herta Mueller, Anna Ajmátova, Marina Tsvietáieva, Borís Pasternak, Mallarmé, Jean Cocteau, Max Jacob y Arthur Rimbaud, entre otros autores. Ha recibido muchos premios por su obra entre ellos, Premio del Ministerio Español de Cultura por la Obra de Trakl, 1989; Premio del Ministerio de Cultura de Austria  por la Obra Completa de Trakl, 1992; Premio Nacional por La Obra Completa de Celan, año 2000; Premio Academiaoradea, por la Antología de Anna Ajmátova, 2001; Premio Anibal caro, Pescara, por la traducción de poesía italiana, 2003; Premio de poesía festival Struga, Macedonia, 2003; Premio de Traducción Fundación Goethe 2004; Premio nacional de traducción por una trayectoria 2007; Premio a la traducción editoriales de poesía 2009; Premio Rosa de Oro, poesía cranesummit 21st centuryintern. forum. 2010. Ha participado en importantes festivales de poesía en Europa, Asia, América y Oceanía.

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RICHARD BOHRINGER nació en Francia en 1942. Es un artista en el más amplio sentido de la palabra, actor, director de cine, guionista, cantante, escritor y poeta. Debutó en el teatro a finales de los años sesenta. Después de un camino errático, en 1980, se da a conocerse en el cine gracias a la película Diva (1981).

Ganador de múltiples premios, entre ellos dos Césares, este célebre actor brilla por su versatilidad que lo llevó a convertirse en el actor fetiche Jean-Loup Hubert. Es, además, escritor. En 1988 publica su libro C'est beau une ville la nuit, inspirado en sus periodos difíciles y problemas de drogadicción, y que fue llevado al cine en 2006, bajo la dirección del mismo Bohringer.

También se dedicó a la canción y llegó a publicar tres álbumes entre 1990 y 2002. Enamorado del continente africano y de su música, obtiene  la nacionalidad senegalesa en 2002. A lo largo de su vida ha actuado en más de ochenta películas, ha hecho varias apariciones en televisión, dirigido, actuado en piezas de teatro, grabado discos, escrito novelas logrando ser una referencia constante en el mundo artístico francés.

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DINO SIOTIS  nació en Tinos, Grecia en 1944. Ha publicado casi una veintena de libros de ficción y poesía en griego y en inglés. Es el fundador de Wire Press y el editor de ocho revistas políticas y literarias en San Francisco, Nueva York, Boston, y Atenas. Siotis contribuye regularmente con artículos en la comunicación y las artes y las reseñas de libros en To Vima, un diario de Atenas. Estudió Derecho en la Universidad de Atenas y escritura creativa en la Universidad Estatal de San Francisco, tras lo cual entró en el cuerpo diplomático de la República Helénica y se sirve en el extranjero desde hace varios años en Canadá (Ottawa) y los EE.UU. (Boston y Nueva York) como el Director de Prensa y Comunicación. Es el fundador y editor de Mondo Greco, una revista literaria griega en Inglés y el fundador y editor de la (des) kata, una revista de la literatura griega contemporánea.

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GEERT VAN ISTENDAEL  nació el 29 de marzo de 1947 en Bélgica. Poeta, escritor, traductor, periodista y profesor universitario. Estudió Sociología y Filosofía. Presidente neerlandófono del Festival Mundial de Teatro de Vanguardia. Miembro de la Academia Real de lengua y literatura neerlandesa (Ganda).

Algunos de sus libros de poesía: Iguanodon de Bernissart, 1983; Planos, 1987; La paciencia de las cosas, 1996; Máquina de lenguas, 2001 (Premio de poesía de Bruselas y de la Provincia de Brabant flamenca); Mensajes Conjuros, 2006; Seguridad social y otros poemas, 2010. Libros de ensayo: El laberinto belga, 1989 (Premio de literatura Dirk Martens, 1990); Pobre Bruselas, 1992; Las confesiones de un reaccionario, 1994; Erupciones completas, 2001; Alfabeto de la globalización, 2006. Libros de narrativa: Cuentos del País de Matorrales, 1991; Cuentos flamencos, 1995; Rapsodia para contralto, 1997; Trabajo de campo en Flandes, 2000; La piedra negra, 2003; Hablando con mi dios muerto, 2009. Tradujo al neerlandés a Brecht, Fried, Goethe, Heine, Hölderlin, Prévert, Rilke, Yeats, entre otros autores. Premio de la Unión General Neerlandesa (1995, mérito por la defensa de la lengua neerlandesa).

“…Hace cincuenta años, Hans Magnus Enzensberger escribió: Das Gedicht ist die Antiware schlechthin (El poema es la antimercancía por excelencia). En este mundo globalizado y ultracapitalista, en este siglo XXI, la sola existencia de la poesía ya es una crítica fundamental al sistema económico que está arruinando la civilización y el planeta.

En su ensayo The redress of poetry, Seamus Heaney habla de la poesía como una una función de contrapeso y como otra verdad. El pensamiento único, no puede presentar una imagen coherente y racional del mundo globalizado solamente porque escamotea largas partes de la realidad cotidiana. El pensamiento único tiene una sola posibilidad frente a la totalidad aterradora y magnífica de la existencia humana: la mentira alegra vendida como la única verdad concebible.

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ION DEACONESCU nació en Rumania el 7 de marzo de 1947. Obra poética publicada: Appareil pour photographier l’âme, 1981; La vase de brume, 1985; L’éternité de l’instant, 1986; La masque pourvoix, 1987; La grammaire du hasard, 1991; La preuve de la solitude, 1993; La réthorique du mirroir, 1995; Zéro Dynamique, 1995; L’etoille de veille, 1995; Le jardin du désert, 1997; Le blessure de l’obscurité, 1998; La fête de la perte, 2001; L’échoinutile, 2002; Nada, 2007; Ailes de lumière, 2009; Cognelicoterrant, 2010; La damnation du poète, 2011.

Al decir de Guillevic, “la poesía de Ion Deaconescu es la búsqueda de una vía dónde vivir plenamente el mundo y el sí mismo. Es a la vez la búsqueda y el miedo a lo extraño. Una bella sensibilidad poética y un don de la imagen que eleva lo cotidiano a la altura de un horizonte soñado”. Y dice Rafael Alberti: “En sus poemas se dibuja la transparencia del agua limpia en esa hora misteriosa cuando desde el fondo emerge el rostro innombrable de lo profundo y lo enigmático. Con eso temblor emocionante de lo claro y lo abisal, leo los poemas de Ion Deaconescu, su poesía engrandece los márgenes de la verdadera escritura poética.”

“…Se dice que, como el grano, como el huevo, como el espermatozoide, la Palabra es la fundadora del mundo, siendo ella la sustancia de los seres y las cosas, dicho de otra manera, su estado natural o esto que es sus mismas causas, Espinoza decía eso para llamar a la sustancia que representa el mismo principio de donde una cosa extrae su ser. En la antigua lingüística India, la sustancia se distingue entre los sonidos, el tacto, los colores, el olor y el gusto, porque ellos son cualidades sustanciales, es decir la sustancia representa sus fundamentos.

También, en la filosofía védica, La Palabra tiene un poder mágico que conserva los valores de la vida. Siempre los sabios han formulado la cuestión de que si el universo ha sido creado por Dios, entonces ello se revela como mítico, o es La Palabra la que provoca el nacimiento de una existencia individual y colectiva. …La Palabra es el origen cósmico, grano y raíz al mismo tiempo. El gran poeta portugués Eugenio de Andrade me dijo hace tiempo que nosotros amamos y detestamos con las mismas palabras, que provocan angustia y paz igualmente. Porque los poetas son las personas que escuchan el silencio, como síntesis de la vida, ellos son silenciosos, como el rocío; entre ellos y el universo no se encuentra sino el milagro del amor y de la paz. 

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FRANCIS COMBES nació en Francia en 1953. Poeta,  periodista, editor, traductor, crñítico, ensayista, escritor de canciones y libretos de ópera. Ha publicado una docena de libros de poesía, entre ellos: Apprentis du printemps, 1980; L'Amour, la marguerite et l'ordinateur, 1983; Cévennes, ou Le ciel n'est pas à vendre, 1986; Les Petites leçons de choses, 1987; La Dame de la Tour Eiffel, 1989; Au Vert-Galant jeté en Seine, 1991; La Ballade du cœur insoumis, 1996; La Fabrique du bonheur, 2000; Cause commune, 2003; Le Cahier bleu de Chine, 2005; La Ballade d'Aubervilliers, 2007 y La Clef du monde est dans l'entrée à gauche, 2008. Fue uno de los responsables de la revista Europa, y de 1981 a 1992, director literario de las Ediciones Messidor.

Algunos de sus poemas han sido traducidos al árabe, inglés, alemán, italiano, checo, portugués y castellano. Ha trabajado con músicos (incluyendo el compositor chileno Sergio Ortega) y escribió canciones y libretos de ópera y piezas musicales que fueron llevados a escena.

“Desde siempre, defiendo la idea de que la poesía, incluso si se trata de una actividad académica, no se limita en principio a un pequeño grupo de especialistas. Se origina en el uso que la gente hace de su propia lengua. Vive sólo porque se comparte. Escribir un poema, como cantar, pintar o cocinar es una manera de compartir el placer. Para mí la poesía es una fábrica de la felicidad, un transformador eléctrico que convierte nuestros sentimientos e ideas en energía. Es una forma de ser de una sola planta en el mundo real, sin acondicionar con el estado de las cosas. Es a la vez la conciencia y la utopía del mundo. Palabra íntima, que está en el público.

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JOSÉ FERNÁNDEZ DE LA SOTA  nació en Bilbao, España en 1960. Poeta, narrador, ensayista, crítico literario, periodista, editor y guionista de documentales. Ha sido codirector del programa de la televisión pública vasca “Capital Cultura”. Desde siempre ha compatibilizado la escritura poética con la narrativa, el periodismo y el ensayo, entendiendo que debe y puede haber vasos comunicantes entre los diferentes géneros. Ha publicado diez libros de poesía, entre los que destacan Te tomo la palabra (Finalista del Premio Nacional de la Crítica en 1990), Todos los santos (premio internacional Antonio Machado),  Material de construcción (Premio Jaén en 2004), Cumbre del mar (Premio Alfons el Magnànim 2006),  Aprender a irse (Premio Ciudad de Córdoba en 2007) y Vacilación (Premio Euskadi 2010). Como narrador, es autor de una novela, Informe Goliat (finalista del Premio Nadal en 1989), y de los libros de relatos Elefantes blancos, Negrita con diamantes (Premio Internacional Max Aub), Suerte de perro (Premio Iberoamericano Cortes de Cádiz) y La biblioteca férrea (Premio Internacional Camilo José Cela). Es autor, asimismo, del ensayo biográfico Juan Larrea, versión terrestre y del libro misceláneo Travesía de Bilbao. Parte de su obra ha sido traducida al inglés, francés, italiano, portugués, corso, ruso y árabe.

“¿Poesía por qué y para qué? Digamos que poesía porque sí. Porque necesitamos decir no. La poesía puede ser una forma magnífica de decir no. Incluso a veces es la única manera de decir que no. Porque no hay otra. Porque es barata. No necesita antenas, baterías ni cables. De manera que puedes escribir un poema para decir que no en estos tiempos de pensamiento único y de unanimidades sospechosas. No a los engañadores de la teletienda, pongamos por ejemplo. Entonces escribimos un poema para decir que no nos interesan los mercachifles de la televisión. Y tampoco los otros, aunque seguramente son los mismos. Podemos escribir ese poema o podemos leerlo o escucharlo. Da exactamente igual. Escribirlo, leerlo o escucharlo. Los poemas se extienden y se expanden y acaban siendo anónimos cuando son realmente necesarios, es decir, absolutamente necesarios. Los poesía es inútil, eso dicen, eso creen algunos tíos listos. Pero a veces lo inútil resulta imprescindible. ¿Poesía por qué y para qué? Digamos que poesía porque sí. Porque necesitamos decir sí. Porque es preciso que nuestras palabras nos digan lo que saben de nosotros. No es ningún acertijo. Un poeta escribió que la poesía pregunta cuando nadie responde y responde cuando nadie pregunta. El secreto de la poesía –me dice Julia Otxoa, una poeta amiga- pertenece más al náufrago que al navegante. Yo le doy la razón y sigo naufragando y me sigo salvando cada vez que escribo un poema para decir que no, para decir que sí, para decir que puede o que tal vez. Porque la poesía, pese a todo, es lo mejor que nos puede pasar. Claro que en Medellín eso se sabe.”  

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KEPA MURUAA  nació en 1962 en el País Vasco, España. Autor de una dignidad inusitada, por el recato que se impone y el escrúpulo con el que escribe, su obra es una de las grandes aventuras poéticas del presente. Como poeta ha publicado con regularidad, en castellano y durante los últimos quince años una veintena de libros donde la predominante presencia de la poesía no debe relegar a un segundo plano sus incursiones en el campo del ensayo, el aforismo o el libro-disco.

De su extensa producción destacan los libros de poesía Abstemio de honores; Cavando la tierra con tus sueños; Siempre conté diez y nunca apareciste; Un lugar por nosotros; Cardiolemas; Las manos en alto; Poemas del caminante; Cantos del dios oscuro; No es nada; Poesía sola, pura premonición y El gato negro del amor. Ha publicado, asimismo, los ensayos La poesía y tú; La poesía si es que existe y Del interés del arte por otras cosas, y los libros de artista Cuando cierras los ojos, Flysch, Itxinay Faber.

Ha trabajado en diferentes oficios en torno al mundo del libro y la edición. En 1996 fundó la editorial Bassarai, un proyecto literario independiente que por su calidad y originalidad sorprendió a los lectores como a la crítica especializada, y en el año 2000 creó la revista virtual Luke (www.espacioluke.com), un espacio de comunicación intercultural a través del arte y la literatura.

“El poeta debe ser hijo de su tiempo. Las palabras utilizadas, el gesto poético, la música del poema, su ritmo y fondo, el contenido, responden a una mirada que profundiza en lo que acontece al hombre como poeta. Inmerso en un entorno que podríamos llamar “ciudad”, “país”, “época” o “historia”, el poeta toma una distancia de los objetos y de las personas para reflejar una realidad que sustenta las interrogantes sobre el mundo y la condición humana. El poeta responde a meditaciones y vivencias personales con palabras. La contemporaneidad reside en la mirada. Somos poetas porque miramos con otros ojos lo que acontece alrededor. Somos poetas porque decimos con palabras lo que otros no son capaces de expresar por pudor o ignorancia. Una mirada exterior proyecta al paisaje, una mirada interior remite al hombre. Podríamos hablar del cuerpo y del alma de la poesía. El lenguaje poético es el latido donde estas dos esferas caminan con un paso u otro. Somos poetas porque intentamos descifrar el paso por el mundo. Descubrir el sonido de la existencia. Dotar a las palabras, que estaban antes que nosotros, de una nueva existencia.

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ANDREAS NEESER nació en Suiza en 1964. Estudió Crítica Literaria y Literatura Inglesa y Alemana en la Universidad de Zurich. Trabajó parcialmente como profesor universitario de 1990 a 2003. Entre 2003 y 2011 formó y  dirigió la Casa de la Literatura en Lenzburg, Suiza.

Desde 2012 trabaja como escritor freelance en Suhr/Aarau. Miembro de la Unión de Escritores de Suiza y del Pen de Suiza. Obra poética: Treibholz, 1997 y 2004; Gras wächstnachinnen, 2004; Die Sonneisteinnasser Hund, Miniaturas poéticas, 2006; No allesgliichwiemorn, (poemas y relatos, 2009). Obra narrativa: Schattensprünge, 1995; Tote Winkel, 2003; Unsicherer Grund, 2010; Fliegen, bis es schneit, 2012.

Becas y premios obtenidos: 1991, 1992, 1998, 2005, 2006, 2007: Grants Aargauer Kuratorium; 1999: Ingeborg-Bachmann-Wettbewerb: Scholarship for the 3rd Klagenfurter Literaturkurs; 2001: Scholarship Aargauer Kuratorium in Berlin; 2006: Lyrikpreis Meran: Medienpreis RAI Bozen; 2007: Pro Argovia Artist 2007/2008; 2008: FeldkircherLyrikpreis; 2010: Scholarship Landis &GyrStiftung in Berlin; 2012: Scholarship Kulturministerium Rheinland-Pfalz in Edenkoben; 2012: Scholarship Schriftstellerhaus Stuttgart.

“A veces se asombra uno cuando escribe sobre lo que hace. Lo hice hace unos años, sin que ello hubiera aportado considerablemente en algo para explicar mi trabajo. Era un texto sobre la esencia y la comprensión de los poemas. Únicamente puedo traer a la memoria la última frase: En el poema nunca aparece, cuándo es bueno. A esto no tengo nada que agregar.”

“Vivimos en un mundo que se vuelve cada vez más rápido y superficial; en la mayoría de las actividades deportivas del tiempo libre, por solo dar un ejemplo, se trata del movimiento relativamente sin esfuerzo en la superficie. Tranquilidad, serenidad, profundidad no son una tendencia. Pero esta no es una razón para no reaccionar frente a ello. Me interesa –también por mi propio trabajo literario- la confrontación genuina, sustancial con la literatura y la lengua. Y estoy seguro de que no soy el único que está convencido de ello, de que es también la necesidad de hoy en día. Tal vez más que antes”. “Andreas Neeser toca, con su inconfundible lengua de sonidos, en las finas cuerdas y consigue amplios espacios de resonancia para las múltiples interpretaciones de lo dicho. Ya sea en París o Lisboa, en la costa bretona o en Berlín, en Merán o en la cotidianidad nacional  –siempre logra como observador, a partir de la propia interioridad, «ingresar en el tono abierto».

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DOSTENA LAVERGNE nació en 1972 en Plovdiv, Bulgaria. Diplomada en el Liceo de las lenguas y civilizaciones antiguas en Sofía, recibió una maestría en antropología cultural y política en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París. Trabaja como periodista cultural en Estrasburgo y ha dirigido o programado varios festivales literarios en Francia, Grecia, Egipto, Eslovaquia y Bulgaria.

Es autora de tres libros de poesía publicados por editoriales de renombre en Bulgaria, Rumania y Eslovaquia. Ha sido incluida en colecciones y antologías de poesía en Bulgaria, Grecia, Rusia, Suecia, Lituania y Eslovenia. Sus poemas han sido publicados en revistas de todo el mundo. Traduce textos filosóficos y de expresión literaria búlgara, griega, francesa e inglesa y trabaja en el campo de la promoción de las pequeñas literaturas en Europa.

¡Anda la poesía!/Como si no supiera/qué es andar/y menos aún hacer “como si”//No puede quejarse/de  heridas en los pies/de los zapatos de charol/no puede volar/caerse//toma impulso y aprieta/con los dientes las barras de hierro/las matemáticas de la infancia, alguien dirá luego
haberla visto por la calle silbando/llevando gafas negras//entonces piensas/que la metáfora es un vestido de tul/un poco de aquella u otra manera/la rozas, chasqueas los dedos /te enrollas un hilo rojo//pero no se le antoja hablar con desconocidos/mira a través de ti/y en sus ojos/aflora una ciudad triste/con puentes/en puntos /de suspensión.//Madre, /vi a los poetas atravesar los muros/pagan al salir y no preguntan el precio/no quiero volverme como ellos/desgarrada/viviendo/cuerpo entre muros,/no tengo más lengua/solo un soplo/a empeñar.
Los he visto, viven en un pueblo/tan real que te pone carne de gallina/pero yo, no soy más que un niño que sueña/con ser poeta/cuando sea grande/en un poema entre los muros/su comezón es sin dios/tiene algo de vulgar/su piel blanca/ensangrentadas de graffiti las pistas/de sus plumas durante la noche clandestinamente/acosan los muertos y sopesan/palabra por palabra
como si se nos fuera a acabar la harina/si retuvieran el aliento perforarían/el muro, no quiero finalmente/ser poeta, soy un niño/y sueño con ser poeta/cuando crezca con la escritura/es lo mismo cuando decimos “te amo”/para liberar el exceso/un intento, sin éxito, de calmar el juego.

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ANDRIY BONDAR   nació en Kamianets-Podilsky, Ucrania, en 1974. Estudió historia y teoría literaria en la Universidad Nacional de Kiev-Mohyla Academy y a los veintidós años ganó el concurso literario para escritores jóvenes, organizado por la editorial Smoloskyp. Poco después publicó su primera colección de poemas, Vesinnia Yeres (Herejía), en 1998, seguida por Istyna med I (La verdad y la miel), 2001 y por Prymityvni formy vlas nosti (Primitivas formas de propiedad), 2004. Como periodista ha escrito para la Gazetapo-ukrainsky y el Frankfurter Allgemeine Zeitung. También ha trabajado como editor y columnista del periódico semanal Dzerkalotyzhnia.

“Su poesía temprana tiene vínculos con la tradición modernista de la literatura ucraniana que fue suprimida por los zares debido a su nacionalismo y el desarrollo de lo que más tarde se restringió debido a la doctrina del realismo socialista. Sin embargo, uno puede detectar no sólo la influencia del poeta ucraniano Bazhan Mykola, nacido en el mismo lugar que Bondar, sino que él también  hace eco de grandes poetas internacionales como García Lorca y e.e. cummings. Stefaniya Ptashnyk describe los primeros poemas de Bondar como “llenos de líricas meditaciones en conmovedoras impresiones. Experimentos lingüísticos,  sofisticados juegos de palabras, uso de un vocabulario enrarecido, acentuación de las melodías discursivas, así como imagenes refinadas, son rasgos característicos de su enfoque poético".

“Sus poemas tienen origen en su autobiográfica aquí y ahora, su voz es atrevida y fresca, refrescantemente abierta, frágil, y sin afectación. Esta es una característica que parece compartir con algunos de los poetas rusos de su generación, de tendencias que los críticos han etiquetado como "post-conceptualismo" y "Nuevo activismo”. Tal vez lo más importante, la nueva poesía de Bondar se las arregla para combinar, de una manera realmente impresionante, el arraigo en todos los problemas, complejos y neuróticos de la doble vinculación post-Soviética/post-colonial, en la que la cultura ucraniana se encuentra, por una parte, y el compromiso enfático con los procesos de globalización cultural, por el otro.

Los poemas de Andriy son únicos y exclusivamente suyos, pero también proporcionan una excelente visión para el lector extranjero hacia las esperanzas y las angustias de los intelectuales ucranianos de su generación.”

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SIGBJØRN SKÅDEN (nacido en 1976) es un escritor sami de Skánik/Skånland en el norte de Noruega. Tiene dos maestrías en la literatura, una de la Universidad de York sobre el poeta caribeño Derek Walcott, y otra de la Universidad de Tromsø sobre el desarrollo de la poesía Sami en el siglo XX. Hizo su debut como escritor de ficción en 2004 con el largo poema épico El Rey de los Zapateros. Por este libro fue nominado al Premio de Literatura del Consejo Nórdico, el premio literario más prestigioso de los países nórdicos.

En 2008 publicó la breve novela conceptual Ihpil: El Salvador de los Niños Perdidos y en 2010 publicó su segundo libro de poesía Una canción para Prekariat. También ha escrito numerosas obras para representaciones teatrales y exposiciones. "El rey de los Zapateros", 2004, es un largo poema épico situado entre las dos guerras mundiales en un pequeño pueblo sami en el norte de Noruega. Skåden ha utilizado el mito de Europa Central sobre el Judío errante, el zapatero José, que fue condenado a la vida eterna y el desarraigo eterno por golpear a Cristo en la Vía Dolorosa, para retratar a un sami cargado de culpa que se debate entre la chica que ama y el amor por su pueblo.

“La preocupación por la palabra y la frase, la ambición de formar la frase perfecta, la inclinación a inventar y reinventar el lenguaje, son todas descripciones apropiadas para el poeta, y todos estos temas que se vuelven cada vez más importantes en un mundo globalizado donde una miríada de influencias constantemente atenta contra el lenguaje y la cultura por todos lados. El poeta lucha y desgarra el lenguaje, negándose a perder el conocimiento de sí mismo.

Siempre he pensado en la globalización como algo amistoso. Para un pueblo sin estado como los samis, minoritarios en cuatro diferentes países, la globalización ha sido liberadora. El pueblo sami y su cultura y artes siempre han visto con recelo la influencia extranjera: siempre hemos opuesto resistencia al cambio. La razón de este escepticismo fue el estado minoritario del pueblo sami y los largos siglos suprimiendo la presión de las culturas mayoritarias que trazaron fronteras en la tierra sami y la dividieron entre ellas. Por muchas generaciones esta fue la única influencia que tuvieron los samis, una influencia que amenazaba con arrasar nuestra cultura. Como resultado de esto, los samis se convirtieron en una nación de puristas: todo lo que no era sami tenía que ser rechazado.

La globalización fue en alto grado un alivio. La sofocante presión de una única mayoría se trocó en un bombardeo constante desde todos lados. En un mundo global todo el mundo es una minoría. La escena artística sami se ha dado cuento de esto. Resiste las influencias menos que antes. Conservar lo particular sami pero tener un alcance global es lo que he querido hacer en mis escritos. El lenguaje con el que escribo es uno de los más inaccesibles del mundo. Por lo tanto, el lenguaje debe acceder al mundo. Quienes usamos la lengua tenemos fé en ella. Luchamos y la desgarramos, la inventamos y la reinventamos, no dejamos que permanezca como es.

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NORA GOMRINGER nació en Neunkirchen/Sarre el 26 de enero de 1980. Poeta y artista performance,  perteneciente al movimiento del Spoken-Word. Creció en Wurtlitz, luego se mudó con su familia a Bamberg en 1995. Entre tanto pasó mayor tiempo en Estados Unidos debido a una cátedra de su padre, Eugen Gomringer, fundador de la Poesía Concreta. Estudió en la Universidad de Bamberg Otto-Friedrich con las materias Anglística, Germanística e Historia del arte. Actualmente trabaja en una disertación en Americanística que se ocupa de la ficción del terror en el cine y la literatura.
Gomringer ofrece sesiones regulares de Slam en Bamberg. En el año 2004 llegó a la final del Campeonato Nacional de Poesía Slam en Stuttgart como la única mujer. En esta competición se enfrentan conocedores del Slam en lengua alemana provenientes de Alemania, Austria y Suiza.
Obras: Gedichte. 2000; Silbentrennung. 2002; Sag doch mal was zur Nacht, 2006; Klimaforschung, 2008; Nachrichten aus der Luft, 2010. Algunos de sus textos se encuentran traducidos al inglés, francés, italiano, noruego, bretón, turco y farsi.
Nora Gomringer ha experimentado varios cambios en su forma de escribir. De ser una importante exponente del slam, ha pasado a reflexionar sobre las vicisitudes del acto de escribir. “Comencé con la lírica tranquila y siempre negociaba con la hoja. Provengo de la parte escrita, y estoy de nuevo en ella. La oralidad ya no es para mí una aventura. Pero al escribir noto bien que siempre quiero traer oralidad a los textos. Sin embargo, trato de evitarlo. Y de alguna manera quisiera negociar también con lo banal, ya que nos rodea. Diariamente. En espeluznantes fórmulas de cortesía y frases bobas. Esto es conveniente para todo. “Paso en gran parte tiempo de mi vida en una actitud de observación, motivada por el deseo de estar al tanto de las cosas. Para mí, el mundo es un lugar lleno de cosas fascinantes que se impulsan a sí mismas. Me interesa, sobre todo, la intersección de los conjuntos de la cultura popular y civilizada, para poder hacer más accesible a las personas los diversos mundos que hay. Para ver cómo funcionan, según Niklas Luhmann,  todos estos pequeños sistemas y cómo todo se mantiene en movimiento. Todavía hoy me siento un poco como la niñita que está con la nariz apretada contra el vidrio de la ventana y mira perpleja qué ocurre allí afuera.”

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OCEANIA

PHILIP HAMMIAL nació en Estados Unidos en 1937 y vive en Australia desde 1972, habiendo adquirido la nacionalidad australiana. Poeta, editor y escultor.

Ha publicado 22 libros de poesía, entre ellos: Pan, En el año de nuestro Señor, Masacre de la infancia y Teoría de la piel. En 2006 editó una antología de 25 poetas australianos, traducida al francés y publicada en Quebec. Su poesía ha aparecido en una veintena de antologías en Australia y también en periódicos y publicaciones de varios países. Como escultor ha realizado treinta exposiciones individuales. En su poema Posesiones nos dice: “Un hombre que lleva todas sus pertenencias en su boca se sienta en un banco del parque (está desnudo), utiliza ambas manos para apalancar sus quijadas abiertas, alarga extractos de un par de zapatos y algo de ropa, se viste y  luego, protegido contra el frío que cala por la noche, llega de nuevo y saca su cena, una hamburguesa, la engulle toda”.

“…En un nivel más significativo, la energía es lo que anima sus poemas. Tienen una vida y una intensidad que los hace crujir para al lector a pesar de las inevitables frustraciones de nuestra "irritante búsqueda de significado”. Pasando de los toques del surrealismo francés a la antipoesía de James Tate, la obra de Hammial ha sido implacable, incansable y revela en su narración la idiosincrasia del control de sí mismo y de la comunidad perversamente refractada a través del lente de la poesía. La agresividad, el amor, el humor y la honestidad forman parte de la energía de su obra…”.

“Uno de los problemas de la poesía australiana es que, con notables excepciones, la mayoría de los poetas australianos sólo han leído poesía en lengua inglesa. Su lectura de poesía en otras lenguas, en traducción, o del original, ha sido superficial, limitada a unas pocas antologías. Esa es una deficiencia que limita su visión de lo que la poesía puede llegar a ser. Probablemente el mayor problema que nuestros poetas tienen, sobre todo los de raza blanca, es el miedo, el temor de ser ridiculizados por sus compañeros si salen fuera del molde y escriben algo que no se ajusta a los EE.UU. o algún otro modelo. Con el resultado que la mayor parte de nuestra poesía es segura, aburrida y predecible. A veces me pregunto por qué una nación que ha producido los mejores atletas y valientes soldados, ha producido tantos poetas cobardes”.

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APIRANA TAYLOR nació en 1955 y es un poeta popular y aclamado, novelista, cuentista, dramaturgo, actor, músico y pintor. Pertenece a la Nación Maorí, Nueva Zelanda. Ha publicado cinco libros de poesía. Accesible, sensible y contundente, su obra asume muchas formas, y se incluye en el currículo de inglés en las escuelas de Nueva Zelanda. No hay muchos Kiwis, jóvenes o viejos, que no están familiarizados con su trabajo, él viaja extensamente por toda Nueva Zelanda e internacionalmente como poeta, músico y narrador.

Entre sus libros de poesía publicados, están: Eyes of the Ruru; Soft Leaf Falls of the Moon; y Joyas en el agua. En 1994 ganó el Premio Te Ha de poesía. Pionero e inspirador del teatro maorí, ha viajado a festivales de poesía en India, Austria, Suiza, Italia y Alemania. Su obra poética ha sido traducida al alemán y al italiano. Su obra narrativa ha sido publicada mayormente por la editorial Penguin.

“Soy un maorí de Aotearoa, un país comúnmente llamado Nueva Zelanda. “Maorí” quiere decir ser un ser humano. Mis tribus son Gati Porou, Te Whanau a Apanui, Ngati Ruanui y Te Ati Awa. También soy Pakeha en parte, que es la palabra Maorí para una persona de ascendencia europea. El lenguaje, la identidad, la cultura son tres temas relacionados que me ocupan pues estos hilos están tejidos a través de mi vida. Yo escribo sobre la pérdida del lenguaje, la cultura y la identidad, tratando  de recuperar lo que se ha perdido, para reconstruirlo. Escribo sobre el dolor el pueblo, y la búsqueda de su curación…”

“…El lenguaje no existe por sí mismo. Proviene del alma del pueblo que habla la lengua. Es parte de la cultura e identidad de un pueblo. Los maoríes son polinesios. Nuestros antepasados navegaron en el pacífico y fueron grandes marineros que exploraron el océano, miles de años antes que los europeos. Nosotros colonizamos islas como Samoa y Tonga al occidente, Hawai y Tahití al norte, Rapa Nui (la isla de Pascua) al oriente y navegamos hasta el extremo sur donde está mi país Aotearoa (Nueva Zelanda). Nosotros hemos conservado en nuestros relatos tradicionales el registro de esas épicas jornadas, en nuestras canciones y en nuestra poesía…”

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Actualizado en mayo 23 de 2012.