Bibliografías de los poetas participantes en el
XVIII Festival Internacional de Poesía en Medellín

Julio 5 al 12 de 2008

Poetas de África

• FRANK CHIPASULA nació en Malawi el 16 de octubre de 1949. Graduado, con mérito, de la Universidad de Zambia, tiene una licenciatura en Escritura Creativa de la Brown University, una licenciatura en Estudios Afroamericanos de la Universidad de Yale y en Literatura Inglesa de la Brown University. En la obra de Chipasula se destacan Visiones y reflexiones, 1972, un libro innovador en lengua inglesa dentro de la poesía de Malawi, que fue seguido por O Tierra, espérame, 1984; Centinela, canción nocturna, 1986 y Susurros en las alas: Poemas nuevos y selectos, 1991. En la actualidad trabaja en el libro La Rosa Ardiente: Nuevos y (Re) selectos poemas. Ha editado también las pioneras, antologías de poesía africana: Cuando mis hermanos vengan a casa, Poemas del Centro y Sur de África, 1985; El libro Heinemann de Poesía de la mujer africana, 1995 y Doblando el arco: Una antología de poesía romántica africana, 2008. Su narrativa incluye las novelas A la Sombra de esa piedra y En una estación oscura. Sus poemas han aparecido en numerosas revistas literarias así como periódicos y antologías en tres continentes, en ingles, francés, español y chino. “Frank Chipasula llega a nosotros con un lenguaje rico y un corazón henchido y compasivo. Pocas veces he encontrado tanto dolor expresado en poesía como en sus reportes de las monstruosas atrocidades estatales en África del sur, descritas en Susurros en las alas. Su visión está llena de justa cólera y su poder es abrumador en poemas tales como Ahorcamiento y Un grano de sal” (Adrian Mitchell). “Chipasula expresa en su poesía, provocadora al pensamiento y bellamente escrita, un profundo dolor por las condiciones que le condujeron al exilio.”



• ASHRAF AMER es un poeta y periodista egipcio. Ha escrito seis colecciones de poemas y dos colecciones de poemas para niños. La mayor parte de su poesía ha sido publicada en la mayoría de los periódicos y revistas prestigiosos de Egipto y Arabia Saudita. Algunos de sus poemas se han traducido varios idiomas, incluyendo el inglés y el español. Ha escrito varias canciones para algunos cantantes famosos de Egipto, Argelia y Palestina, incluyendo el “Himno del Mártir” que se ha vuelto uno de los himnos nacionales de Argelia y por el cual ha sido honrado por el Sindicato Argelino de Escritores y por la Sociedad del Martir. Ashraf también ha escrito canciones para obras de teatro y programas de televisión infantiles. Ha participado en varias actividades culturales y de poesía en Egipto y el resto del mundo árabe e, igualmente, supervisó los seminarios culturales para el Ministerio de Educación de Bahrein por siete años. Ha practicado el periodismo por 30 años, durante los cuales ha dirigido varios periódicos egipcios y árabes, y ha tenido a su cargo las páginas culurales de algunos otros periódicos. Ha escrito continuamente en varias columnas diarias y semanales en periódicos y revistas de Egispto y Arabia Saudita. Actualmente trabaja como editor principal del periódico Al Ayam y escribe una columna semanal en el periódico Al Jamahir. También es el dueño y director del “Grupo Stamba De Artes Y Publicaciones” que existe hace 20 años. Poesía publicada: Windows (Ventanas) - Publicado en tres ediciones: edición especial El Cairo en 1983, Dar El Thaqafa en 1986 y por la editorial EL Ealamyia en el 2002; My Views (Mis Puntos De Vista) – Edición limitada, 1986; Night Female Doers (Hacedoras Femeninas de la Noche) - Publicado en tres ediciones: por la editorial del EL Sharqiya (Manama, 1988), por la editorial del EL Nadim (El Cairo, 1988) y por laeditorial EL Ealamyia (El Cairo, 2002); Butterfly's Discoveries (Los Descubrimientos de la Mariposa - Edición limitada (1990); Our Carpenter. The Artist (Nuestro Carpintero. El Artista) - Poesía para niños, publicada en tres ediciones: por la editorial EL Obiykan (Ryiadh, 1993 y 1994) y por la editorial EL Ealamyia (El Cairo, 2002); Color and Imagination (Color E Imaginación) - Publicado en tres ediciones: por la editorial EL Obiykan (Ryiadh, 1993 y 1994) y por la editorial EL Ealamyia (El Cairo, 2002); He Is Almost Sure (Está Casi Seguro) - Editorial Merit, 2008; Poetic View of ‘The Educated And The Authority’ (Visión Poética de ‘El Educado y La Autoridad’) - Libro escrito para el pintor Ezz EL Deen Naguib, publicado por la editorial EL Ealamyia (El Cairo, 1997). Miembro de la Asociación de Artistas y Escritores de El Cairo (Attlee), Miembro del Sindicato Egipcio de Escritores, Miembro del Sindicato Egipcio de Editores.


• YOLANDE MUKAGASANA nació en Ruanda en 1954. Sobrevivió el genocidio de 1994, donde perdió a sus tres hijos, a su marido y a sus hermanos. En memoria del genocidio y con objeto de ayudar a la reconstrucción de su país, escribió tres libros titulados La Muerte No Me Desea; No Temas Saber; y Las heridas del Silencio. Hoy, ella ha formado una nueva familia al adoptar a tres de sus sobrinas que quedaron huérfanas en el genocidio. Construyó una nueva casa en el mismo sitio en que vivía antes y se ocupa de alrededor de veinte huérfanos. Fundó la Association Nyamirambo Point d'Appui dedicada a recordar el genocidio y a ayudar a la reconstrucción del país. La sede principal de la asociación está en Bruselas mientras que su sucursal ruandesa es una ONG llamada Nyamirambo Point d'Appui cuyo objetivo es ayudar a la regeneración del tejido social ruandés. Yolande Mukagasana dedica su tiempo y esfuerzo a informar y educar a la gente sobre la convivencia a pesar de la diferencia, y da conferencias en diversas escuelas y asociaciones. Entre los muchos premios que ha recibido está el Premio Testimonial otorgado por la Fundación Alexander Langer, en Italia, 1998; el Premio Por El Entendimiento Entre Las Naciones Y Por Los Derechos Humanos de la Universidad de Lena, Alemania, 1999; el Premio Paloma Dorada de la Paz conferido por la Asociación Archivio Disarmo de Roma; el Premio Mujer Del Siglo 21 Por La Resistencia, en Bruselas, 2003; y la Mención de Honor Por La Educación De La Paz de la UNESCO, en París, 2003. Coautora de la obra de teatro “Ruanda 94”, dónde se interpreta a sí misma.



• FREEDOM NYAMUBAYA nació en Uzumba, Zimbabwe, en 1958. Activista del desarrollo rural, bailarina y escritora. En 1975 abandonó sus estudios secundarios para unirse al Ejército de Liberación de Zimbabwe en Mozambique. En el frente de combate alcanzó el grado de comandante femenina en operaciones; posteriormente fue elegida Secretaria de Educación en el primer congreso de mujeres organizado por la Unión Nacional Africana de Zimbabwe. Es la fundadora de MOTSRUD, una organización no gubernamental  establecida en Marondera que provee asistencia técnica y educacional a los agricultores. Ha publicado en poesía: En el camino de nuevo, 1986; Ndangariro,  1987; y Crepúsculo del amanecer, 1995. Sus poemas y cuentos han sido incluidos en varias antologías, entre ellas, Escribiendo todavía y Women Resilience. En la actualidad preside Maninga Conservancy, una organización  dedicada a la cría de animales salvajes en peligro de extinción. “La poesía es mi amiga, algo en lo que puedo confiar, aquello de lo que dependo en los buenos momentos y a la hora de irme a dormir. La poesía ocupa el espacio, especialmente en los momentos de soledad. La poesía y los ritmos musicales sanan, cicatrizan las rajaduras y los huecos; recarga tu energía perdida y relanza tus esperanzas… Escribo pues deseo comunicarme y crear lazos con otros. La escritura  además me permite en su complejo proceso entenderme a mí misma. En mi primer libro de poesía publicado, En el camino de nuevo, la poesía captura hechos, situaciones y sentimientos  sucedidos durante e inmediatamente después de la guerra de liberación. Esta poesía intenta educar al pueblo e informarlo de los hechos ocurridos durante la guerra. Habla acerca del temor que producía la idea de que los dirigentes traicionaran el proceso revolucionario  y surgiera una dictadura encarnada por una pequeña minoría que reclamaba la custodia del país. Asimismo, me preocupaba el hecho que esta situación produciría  la desaparición de la libertad y de los derechos humanos. El poema de la página 13, “Un matrimonio misterioso”, destaca la falta de libertad en la que vivimos actualmente en Zimbabwe, y que supera todo lo imaginado. Crepúsculo del amanecer, es un libro que captura la vida cotidiana de personas del común, hombres y mujeres luchadores por la libertad. Mi intención es la de describir situaciones reales de grupos e individuos en los campos de batalla, en el trabajo, en los campos de labranza  y en las prisiones donde son vejados por sus propios camaradas. El libro provee datos sobre ciertas experiencias de la guerra a las que se enfrentaron integrantes del pueblo y los  combatientes del movimiento de liberación, las que suceden una sola vez en la vida de los hombres y mujeres. Asimismo presento la historia sobre la revolución en Zimbabwe, lo hago desde el punto de vista de alguien que participó en ella. En mi libro inédito In the Absence of Vision,  enfoco cuestiones sucedidas en el período posterior a la independencia. Escribo acerca de la supervivencia en los lugares de trabajo, en los salones de baile, en  las calles y senderos de las aldeas y en el ámbito rural. Este libro habla del gran volcán en que se transformó la recuperación de la tierra; del drama de las venganzas, del odio y del deterioro de la moral, del pillaje y la dictadura…”



• OBI NWAKANMA nació el 18 de diciembre de 1966 en Ibadan, Nigeria. Poeta, periodista y profesor, graduado de la universidad de Jos en Nigeria. Autor de Thirsting for sunlight y The Roped Urn, su primera colección de poesía, ganadora del premio Cadbury de Poesía otorgado por la Asociación de Autores Nigerianos en 1996. Actualmente se encuentra en una etapa avanzada en la escritura de The Stifled Sneeze, una biografía del difunto poeta Christopher Okigbo que murió durante la guerra de Biafra. Sus poemas y artículos han aparecido en varias publicaciones y columnas. Periodista reconocido para revistas como "Vanguard", "Newsweek" internacional, la revista “Independent” de Sudafrica, entre otras. En su primera colección poética publicada en los E.E.U.U., tenemos la voz del viajero, navegando bifurcaciones, y el alma de un místico, arraigada en la cultura vibrante de su gente. (…) Es este un poeta que fabrica mitos en una época de prosa y poesía política. Aquí está el sueño de un pintor de la poesía palpable en color y detalle, si de deidades o de limpiadores; la poesía ferozmente viva con Agwü, eke y Afö. "Escribo, pidiendo prestado el mundo místico rápidamente perdido del Igbo, traduciendo dentro de él una visión contemporánea de la condición de la sociedad: las contradicciones del poder, la tragedia de la violencia, tales cosas. También escribo sobre esa parte de mi vida que es pagana - mi amor por lo sensual, el placer de los sentidos. Después de todo, Agwu es mi avatar creativo, y él ama al vino y a las mujeres."



• JULIANE OKOT BITEK pese a ser considerada una escritora de Vancouver, nació en Kenya en 1966, pero sus raíces y crianza son de Uganda. La primera vez que publicó un poema tenía once años de edad y continuó expandiendo su obra a cuentos cortos, drama y prosa no narrativa. Graduada en Bellas Artes (Escritura) en 1995 de la Universidad de British Columbia. Sus escritos han aparecido en diversas revistas literarias, entre ellas: Arc, Whetstone, Fugue, y Room of One's Own. Ha tenido diversos reconocimientos literarios, entre ellos, su cuento corto "Going Home" fue premiado en el 2004 en el Concurso de Cuento Corto Commonwealth y su ensayo “War No More” obtuvo altos nombramientos en 2005. Afirma: ““War no more” (Guerra no más) es un grito comunal que mueve la frustración que sentimos, como testigos de estas aparentemente interminables guerras que continúan ocasionando dolor y destrucción por todo el mundo. Estamos cansados de la guerra. Guerra no más significa  que debemos dejar de dedicarnos a la guerra. Debemos desviar nuestras energías a la creación de la paz. (…) Esta tierra, este lugar es nuestro. “Guerra no más” es más que un grito comunal para detener las luchas, la miseria y la destrucción. “Guerra no más”  debe impulsarnos a hacer paz con nosotros mismos, volcar nuestras energías a servir y preservar y lograr que los frutos de la tierra estén al alcance de todos.” Otro ensayo “On Iris Chang’s Rape of Nanking” también ganó una mención especial en 2006 y está incluido en la antología de ensayos ganadores de ese año.  En 2007, Juliane recibió un beca del Canada Council que le permitió invertir un año en la escritura de una colección de prosa no narrativa.



• ZOLANI MKIVA Es uno de los practicantes más jóvenes de una de las tradiciones orales más antiguas de África, el ukubonga (canto de alabanza).  Proveniente de Idutywa, un pueblo pequeño en el cabo este de Sudáfrica, Zolani llegó al reconocimiento en 1990 cuando, apenas un mes después de ser nombrado imbongi yesizwe (poeta de la nación), el aún joven colegial fue llamado a saludar con una candente interpretación poética al recién liberado Nelson Mandela en su bienvenida en Transkei. Así, llegó a ser oficialmente, el poeta laureado de Nelson Mandela. Zolani estudió ciencias sociales en la Universidad del Cabo Oeste, a la par que continúo con la práctica de su música. Zolani ha utilizado su poesía en composiciones musicales. Como imbongi, practica la improvisación porque las líneas de un imbongi nunca son fijas - se improvisan, en ocasiones melódicas, en otras, melancólicas y está garantizado que no siempre complacerán con temáticas ligeras. En Zimbawe fue nombrado Príncipe de poesía–afro.  Su primer álbum como solista llamado “halala south africa” fue lanzado en 1997. Siguiéndole con un álbum internacional llamado “gaddafi” y muchos trabajos discográficos posteriores, entre los que se encuentran “mazenethole” y “brother leader”, además de numerosas colaboraciones con otros artistas. Zolani Mkiva es, además fundador y trabajador de campo de la fundación humanitaria mkiva cuya función es ayudar a personas rurales en el desarrollo de arte, cultura, bienestar y educación.

Poetas de América

• EDUARDO GÓMEZ nació en Miraflores, Boyacá, Colombia, en 1932. Libros de poesía: Restauración de la palabra, 1969; El continente de los muertos, 1975; Movimientos sinfónicos, 1980; El viajero innumerable, 1985; Historia baladesca de un poeta, 1989; Las claves secretas, 1998 y Faro de luna y sol, 2002. Libros de ensayo: Ensayos de crítica interpretativa,-T.Mann, M.Proust, F. Kafka-; y Reflexiones y esbozos,- teatro, crítica y poesía en Colombia, entre otros. Estudió Literatura y Dramaturgia en Alemania. Dirigió la sección de Publicaciones de COLCULTURA y es cofundador, junto con Pedro Gómez Valderrama y Arturo Alape, de la Unión Nacional de Escritores. Durante 30 años ha sido profesor de literatura europea en la universidad de Los Andes, y lo fue de las universidades, Javeriana, ENAD, Pedagógica y Nacional. Tradujo del alemán, “El preceptor”, pieza teatral de Brecht, y algunos poemas de éste y de Goethe. Al decir de Guillermo Martínez González: “Vista en su conjunto, la obra de Eduardo Gómez atrae porque desde su inicio logra una madurez expresiva, un lenguaje que sin desechar la metáfora, a veces de raigambre surrealista a través de la estela de Neruda, ha sido vigilante de la contención reflexiva, coherente en la persistencia de obsesiones que como la noche, la muerte, lo urbano, la violencia, la solidaridad marginal, han evolucionado desde una atmósfera luctuosa y de acerado sarcasmo, hasta el tono sereno de los últimos libros, en los que la experiencia y la historia imponen el balance libre de la dominación.


• BENJAMIN RAMÓN nació en Panamá en 1939. Hizo estudios de Historia y Filosofía en la Universidad de Panamá. Ha dedicado su quehacer literario al cuento y la poesía. Es miembro de la Comunidad  Centroamericana de Escritores. Aparece en la Antología Crítica de la Joven Narrativa Panameña, México, 1971 y en Poesía Rebelde en Latinoamérica, México, 1979. Ha merecido distinciones en concursos nacionales e internacionales por su obra poética y narrativa: Cundeamor, cuento, 1966, mención en Premio ESSO de Panamá;  Sólo el mar, 1968 Mención en Juegos de Poesía Joven del Perú; Camión, 1972, Premio Universidad de Poesía; Amanecer de Ulises, 1983 y Las Ilusiones Perdidas, 1987, ambos Premio Poesía de Verano del Instituto Nacional de Cultura de Panamá, y Música Sabida, Finalista en el Premio Miró de Poesía, 1991, publicado en 2001. Obra poética: Puta vida o Esta ciudad que mata y otras alegrías, 1969; No trespassing, 1973; El mundo es más que el hombre, 1977; Árbol, mediodía, 1983; No olvidemos y otros poemas, 2001. Tiene dos libros de cuento: Contra reloj, 1992 y En un 2 por 3, 2007. Edita desde 1999 la revista impresa Camino de Cruces. Al decir de Mario García H., “el poemario Puta Vida es un texto que mezcla en su discurso hechos del acontecer nacional e internacional. En esta fusión el lenguaje busca expresar conceptos de la vida cotidiana del país y del poeta. Desde la perspectiva histórica, los versos marcan ciertos hechos sociales acaecidos en Panamá, desde la segunda mitad del siglo diecinueve hasta el año 1968. Y según el editor Luis Eduardo Henao: “La poesía de Benjamín Ramón además de su función emocional puede contener un trasfondo de lucha y mensaje político, como en los reunidos en No olvidemos. El país en la coyuntura del fin de siglo, ofrece la ocasión y el espacio propicios para hacer un poco de memoria colectiva, recordar fechas, lugares, nombres, sueños y miedos que sostienen el empeño histórico que, sépase o no, nos mueve y alienta”.


• GLADYS CARMAGNOLA nació en Guarambaré, Paraguay, en 1939. Obras para niños: Ojitos negros, poemas de amor dedicados a un niño, 1995; Navidad, 1966; Piolín, 1979; Lunas de harina (Relatos de Cualquierparte), 1999; Paseo al zoológico, 2003. Para adultos, publicó los poemarios: Lazo esencial, 1982; A la intemperie, 1984; Igual que en las capueras, 1989;  Depositaria infiel, 1992; Un sorbo de agua fresca, 1995; Territorio esmeralda,1997; Un verdadero hogar (1960-67), 1998; Banderas y señales, 1999; Río Blanco y antiguo, 2002; Una rosa de hierro, 2005; Poema de la celebración, 2005. Es cofundadora de la Sociedad de Escritores del Paraguay y de Escritoras Paraguayas Asociadas; miembro del PEN Club, y otras asociaciones culturales. Creó  las  colecciones: Piolín, 1979, de literatura para niños, y del Corcel, 1982, para adultosHa desarrollado clases, seminarios y talleres.  Y ha recibido premios nacionales y extranjeros por sus obras, y homenajes y distinciones por su actividad..  Algunos de ellos: Premio José María Heredia de la Asociación de Críticos y Comentaristas de Arte de Miami, EE.UU de Norteamérica, 1985;  Fiambrera de Plata del Ateneo de Cultura Popular de Córdoba, España, 1989; Premio Único de Poesía del Instituto Cultural Paraguayo Alemán, 1992;  Mención de honor del Premio Nacional de Literatura, 1995;  Premio dEL Lector de Poesía, 1995; Premio Municipal de Literatura, 1996; entre otros. Varios Reconocimientos: de las Municipalidades de Asunción, Luque, Guarambaré, Ypacaraí; del Ateneo Paraguayo y el Museo Nacional de Bellas Artes,  2004, del Club de Leones, y otras numerosas instituciones de todos los niveles.  De ella ha escrito Hugo Rodríguez-Alcala, Premio Nacional de Literatura, docente, intelectual y crítico de relevantes méritos:  He aquí una poetisa que tiene oficio y lo utiliza, que sabe escribir versos, que tiene algo propio que decir y lo dice con voz propia   También la ha llamado "Embajadora del viento y de la lluvia...".


• CLÁUDIO WILLER nació en Sao Paulo, Brasil, en 1940. Poeta, ensayista y traductor. Algunos libros publicados: Anotações para um Apocalipse, 1964; Dias Circulares, 1976; Jardins da Provocação, 1981; Volta, 1996; Estranhas Experiências, 2004; Poemas para leer en voz alta, 2008. Taductor al portugués del Conde de Lautréamont, Antonin Artaud y Allen Ginsberg, entre otros. Como crítico y ensayista, ha colaborado en suplementos y publicaciones culturales tales como: Jornal da Tarde, Jornal do Brasil, revista Isto É, jornal Leia, Folha de São Paulo, etc. En varias ocasiones ha sido presidente de la Unión Brasilera de Escritores. Realizó estudios de Sociología, psicología y terminó un doctorado en Literatura Comparada. Co-editor de la revista electrónica Agulha. Lúcido escritor de manifiestos, en ellos ha destacado que: “…La poesía es al mismo tiempo transitoria y esencial, ella se reporta a los fundamentos, a lo concreto que está por detrás de las apariencias, y simultáneamente apunta a su propio fin, a su desaparición como forma autónoma de arte o de comunicación…” En su segundo manifiesto, llama la atención sobre el hecho de que la poesía no puede desvincularse de su componente social.  Refiriéndose a uno de los temas claves en su obra, afirma: “…El amor es bueno, digámoslo así, porque transforma el mundo, nos confunde con el mundo, permite sentir el mundo en la temperatura del cuerpo, como observo en Poética, o son aquellos paisajes maravillosos, lagos, montañas, paisaje de sol naciente, de la serie Poemas para leer en voz alta, que al mismo tiempo son el cuerpo de la amada, nuestros cuerpos, que son otra cosa y por eso son más ellos mismos, cuerpos; la mujer es blanco, punto de llegada, ellos quieren llegar allá, alcanzarla, encontrarla; en mi poesía, la compañera es más un punto de partida, yo ya llegué allá, y ahora quiero arreglar las cuentas con el mundo, como afirmo en el poema Llegar allá, no quiero dejar piedra sobre piedra.


• JUAN ANTILLÓN  nació en Costa Rica el 22 de diciembre de 1940. Obtuvo Licenciatura en la  Escuela de Ciencias Políticas de la Universidad de Costa Rica. Libros: Isla; Rosa de papel y Bandera de música. Seleccionado para la antología de líderes y visionarios del siglo XX  (como la publicitaron) Prayers for a Thousand Years (Harpers, EE. UU., 2000), editada por New Age International. Premio Nacional de Literatura de Costa Rica Aquileo J. Echeverría. Premio Latinoamericano Ramón del Valle Inclán. Fue Pre-Candidato a la Presidencia de la República de Costa Rica, Partido Liberación Nacional (socialdemócrata), 1992. La fuente más directa y segura para hablar sobre la poesía de Juan Antillón, es su ensayo “Sobre la Poesía”, que se incluye en su libro Rosa de Papel: “En un mensaje de gran complejidad se puede justificar la dificultad de comunicación por su nivel de abstracción, pero no en los enredos de palabras carentes de coherencia lógica” (…) “el ojo del poeta descubre los matices ocultos de la realidad, no inventa esa realidad” (…) “porque el uso de absurdos solo empobrece la reflexión poética” (…) “Hay excesos de floritura, de retórica, tanto en lo formal como en lo sustancial. El resultado tiende a ser igualmente deplorable.” (…) “De modo que si formalmente mi poesía es sencilla, es una sencillez buscada, lograda después de mucho depurar la expresión. La claridad de la palabra, no la simplificación del contenido. “Lo otro a lo que me he sujetado … es la búsqueda de belleza en la expresión, musicalidad, ritmo, armonía” (…) “Y no estoy hablando de métrica y rima consonante, que más bien pueden ser “ayudas” o facilitaciones para lograr esa armonía; si uno prescinde de tales muletas y hace verso libre, no renuncia al imperativo armónico, sino que lo busca en un nivel más alto de expresión. (…) Debe también tenerse en cuenta que se maneja físicamente un plano, una hoja de papel, un espacio de color donde se esparcirán los signos gráficos formando un dibujo (…) ese espacio debe usarse como un recurso más de la expresión, así como la distribución de las palabras en ese espacio. (…) el uso que hago del verso quebrado … como un recurso de ritmo o de sustitución de puntuación o de recurso expresivo paralelo. Pero detrás está también la importancia que doy a cada palabra-símbolo” (…) “Ópticamente, el fraccionamiento del verso permitirá que el ojo-conciencia del lector logre esa percepción completa, dándole a cada símbolo su peso específico, cosa que tiende a no ocurrir cuando la lectura se hace en versos largos y entonces lo que queda es una impresión, una emoción final global, pero a mí me interesa ese ir construyendo de manera plena y paso a paso, comprometiendo la conciencia del lector. (…) Al final, ciertamente queda esa emoción global, pero de camino ha habido muchas cosas más. (...) Una poesía entonces se construye con exquisita precisión, a partir de aquello que deseamos tan vehementemente comunicar y para lograr precisamente eso. Si alguien piensa que eso mata la emoción poética en términos de una cierta espontaneidad, es porque no se ha detenido a pensar el parto intenso de cada nota de la Novena Sinfonía por Beethoven. (…) La emoción, que yo sepa, nunca ha estado peleada con la inteligencia”.


• JAIME QUEZADA nació en Chile en 1942. Poeta, ensayista y crítico literario. Estudió Derecho y Literatura en la Universidad de Concepción, donde fundó el grupo literario Arúspice y la revista de poesía del mismo nombre. Autor, entre otros libros, de Poemas de las cosas olvidadas, 1965; Las palabras del fabulador, 1968; Astrolabio, 1976; Huérfanías, 1985; Un viaje por Solentiname, 1987; No liberto hombre, 1991; Escritos Políticos, 1994; Por un tiempo de arraigo, 1998; Bendita mi lengua sea, 2002; El año de la ira, 2003; Adamita, 2003; Llamadora, 2004, Gabriela Mistral: Nuestra América 2005 y Gabriela Mistral una manera de vivir, 2007. Estudioso e investigador de la literatura chilena contemporánea (en especial vida y obra de Gabriela Mistral, Pablo Neruda, Nicanor Parra, Gonzalo Rojas y Jorge Teillier). Fue presidente de la Sociedad de Escritores de Chile (1989-1992). Actualmente es Director del Taller de Poesía de la Fundación Pablo Neruda, y Presidente de la Fundación Premio Nobel Gabriela Mistral. Para Iván Carrasco Muñoz, de la Universidad Austral de Chile, “La poesía de Jaime Quezada ha surgido en el marco de la tradición establecida (la poesía de los lares y la antipoesía), incorporando de ella los elementos que responden a su particular visión del mundo. Ha cantado a las cosas cotidianas, a la infancia, la familia, la naturaleza, la soledad. Pero ha ido destruyendo a través de su misma obra esa imagen inicial, desmitificando el espacio mágico de la infancia, mirando el paisaje con ojos de botánico y de ecólogo, asumiendo una visión religiosa, contemplativa, profética y anunciadora del pecado institucionalizado en el mundo, del peligro de destrucción total de la humanidad, y de la contingencia histórica chilena. Sin duda, la obra poética de Quezada, constituye un aporte valioso a las letras contemporáneas. (…) Este carácter apocalíptico y profético de su poesía le confiere un matiz diferencial definido en el panorama de la lírica chilena actual…”


• ARMANDO OROZCO TOVAR nació en Bogotá en 1943. Licenciado en periodismo por la Universidad de la Sabana, profesor universitario de humanidades, literatura y filosofía. Primer premio en la Bienal de Poesía Novel de la Provincia de La Habana, Cuba, en 1974. Primer premio en el concurso universitario nacional de poesía de la Universidad Central en 1981. Libros de poesía: Asumir el tiempo, 1980; Las cosas en su sitio, 1983; Eso es todo, 1985; En lo alto del instante, 1990; Para llamar a las sombras, antología, 1994. Luis Vidales dijo en el prólogo de su primer libro: «Hoy no se trata simplemente de hacer poesía nueva. Eso está bien. Pero el todo depende de la estrategia empleada para captar al lector o al contemplador. Y Orozco lo consigue con el sortilegio de una poesía llana, conversacional, de acentos familiares, de los que ha huido la resonancia grandilocuente de las viejas escuelas de la versificación». Y Ricardo Sánchez: «Este poeta no figura en antología alguna que yo sepa. Ni pertenece a grupo literario o capilla poética. Ha gastado talento en poesía de ocasión, de tipo festivo e intención política. Es un sobreviviente de la larga marcha de las izquierdas de los años sesenta. Armando Orozco se sabe tantas historias de esa vida miserable y heroica, real y fantasiosa, que hay que recuperar en sus dimensiones analíticas y humanas. Cuando cuenta el cuento es un delirante el que habla. Es un fabulador decimonónico. Un personaje-actor de esas circunstancias, lleno de una ironía corrosiva consigo mismo, con su época y gentes…” Y al decir de Federico Díaz Granados, “Armando Orozco ha logrado crear el hecho estético y encontrar el hecho poético, en la maravilla que salta del alma del hombre y que retrata al mismo hombre desolado, tocado como por un ángel, por el ala de la muerte y de la derrota, consciente que sólo a través de la libertad creadora y del misterio de la palabra se puede conocer la esencia de la vida y sus manifestaciones.



• ROBERTA HILL WHITEMAN nació en Estados Unidos en 1947. Poeta de herencia Wisconsin Oneida, tribu que fue forzada a diseminarse a través de varias porciones de tierra en los Estados Unidos y Canadá. Autora de Philadelphia Flowers: Poems 1996 y Star Quilt (1984), una colección de poesía que integra a su cultura ancestral con aproximaciones Europeas al verso. Un sentido de desarraigo engendrado por la migración forzosa ha sido durante mucho tiempo parte de la cultura Oneida, y esta actitud es evidente en la poesía de Whiteman. Los escritos en Star Chile están centrados alrededor de seis direcciones básicas: norte, sur, este, oeste, cielo y tierra. Whiteman le da crédito a la influencia de otros escritores Nativos Americanos contemporáneos así como su padre músico y su ilustrada abuela por inculcar en su trabajo con sus propios ritmos y confianza. Whiteman indicó: "Por la mayor parte de mi vida sentí una especie de exilio y enajenación y un miedo.... Pero hay una sensación de hogar y de completación que también siento. Pienso que de alguna manera parte de mi ejercicio de escritura es dejar las cuentas claras -para mí, para explicar  cosas a mí misma como si siguiera siendo una niña adentro." Sus poemas tejen a la naturaleza con la experiencia humana, realzando en el lector el respeto por y la identidad con la naturaleza. Su estilo de relacionar cosas pequeñas con grandes es una característica del trabajo de Roberta que atrae al lector y lo conecta con la temática del poema. Whiteman escribe y habla con una honradez profundamente conmovedora acerca de sus experiencias como mujer americana nativa, las experiencias que son inseparables de las luchas de su gente. La poesía de Whiteman captura el movimiento lento de experiencias dolorosas del racismo y cólera hacia una visión de la esperanza, un diálogo con un futuro más positivo.


• CHIQUI VICIOSO nació en Santo Domingo, República Dominicana, el 21 de junio de 1948. Licenciada en Sociología e Historia de América Latina por el Brooklyn College de Nueva York, Maestría en Educación por la Universidad de Columbia y Postgrado en Administración Cultural por la Fundación Getulio Vargas (Brasil). Ha sido reconocida con el galardón Anacaona de Oro en Literatura y la Medalla de Oro al Mérito a la Mujer en 1992. Obra: Viaje desde el agua, 1981; Un extraño ulular traía el viento, 1985; Volver a vivir: imágenes de Nicaragua, 1986; Julia de Burgos, 1987; Algo que decir: ensayos sobre literatura femenina -1981-1991, 1991; Internamiento, 1992; Salomé Ureña de Henríquez (1850-1897): A cien años de magisterio, 1997. Es autora de las obras de teatro: Wish-ky Sour, Premio Nacional de Teatro 1996;  Salomé U: cartas a una ausencia; Desvelos (diálogo entre Emily Dickinson y Salomé Ureña);  Perrerías, y NUYOR/islas. “… Chiqui Vicioso ha logrado un impacto significativo en la literatura y cultura dominicana en las últimas tres décadas. Organizó el primer Círculo de Mujeres Poetas ahora llamado Círculo de Mujeres Creadoras, abarcando cada vez más mujeres. Durante muchos años vivió en los Estados Unidos y en sus primeros escritos se percibe la huella de su formación en Norteamérica, sobre todo en el empleo muy personal de la lengua castellana. Desde su regreso a Santo Domingo, a principios de los ochenta, ha sido incansable en su búsqueda de sus raíces y de una voz poética personal que la distinga entre el conjunto de mujeres de su generación. Su primer libro, Viaje desde el agua, publicado en 1981, la estableció como una voz para ser escuchada en la República Dominicana. Sherezade, la de los mil cuentos y las mil formas, ha sido otorgada una nueva vida en el esplendor y la desesperación de las islas, vividos y cantados por una mulata Sherezade del Trópico, levantándose del borde del mar y de la memoria, para celebrar nuestra hibridación cruda y nuestro antiguo y siempre presente legado…” (Daisy Cocco De Filippis, Autora, Desde la diáspora/ New York, 2005).



• LUZ MARY GIRALDO nació en Ibagué, Colombia. Ensayista, poeta y profesora universitaria. Con estudios musicales en piano y canto, ha dedicado sus últimos años al estudio de la narrativa y la poesía latinoamericana contemporánea, con énfasis en Colombia, sobre lo que tiene varias publicaciones, ha participado en congresos, seminarios y simposios nacionales e internacionales y ha sido invitada a universidades del país,  Estados Unidos, España e Italia. Con varios libros de ensayo, ha obtenido en este género  distinciones nacionales e internacionales con el Ministerio de Cultura, el Instituto Distrital de Cultura y el Convenio Andrés Bello. Como poeta ha sido invitada a Barcelona, Florencia, Seattle, Nueva York, México, Venezuelay Hay Festival-Cartagena. Es autora de los libros: El tiempo se volvió poema, Con la vida, Postal de viaje y Hoja por hoja. Y coautora con Óscar Torres y Martha Canfield, de dos libros de poesía, respectivamente traducidos al inglés y al italiano. Poemas suyos han sido traducidos también al  francés e incluidos en varias antologías del país y del exterior. Ha dirigido talleres de creación literaria y actualmente es profesora en la maestría de Escrituras Creativas de la Universidad Nacional de Colombia. En un ensayo sobre la autora, afirma Franca Bacchiega: “Tender a la armonía como búsqueda contante y primaria: éste parece ser el hilo conductor que une toda la poesía de Luz Mary Giraldo y le da un cierto color muy preciso donde dicha y desazón, luz y sombra, vitalidad y postración conducen a una búsqueda substancial de asociación de los contrarios y de un orden en donde recogerlos; pero, asimismo, de búsqueda de un núcleo que los sostenga, que les permita manifestarse y volver a replegarse cuando el movimiento cumplido por ellos se haya terminado. Este proceso, en el que participa la misma autora mediante su implicarse dentro de las cosas que observa, que siente, se vuelve poesía.”


• GERMÁN CUERVO nació en Cali, Colombia. Escritor y pintor. Estudió publicidad en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Ha obtenido varios galardones literarios: 1er concurso nacional de cuento  Universidad Jorge Tadeo Lozano, 1972; concurso nacional de cuento Pablo Neruda, 1973; concurso Puertas de Oro, Madrid, 1981; concurso 30 años Universidad Gran Colombia, 1982. Ha publicado: Los indios que mató John Wayne, cuentos, 1985; Historias de amor salsa y dolor, antología de cuentos, 1989;  El Mar, novela, 1994; segunda edición, Universidad del Valle, 2007. El Viento en la Balanza, premio de poesía Jorge Isaacs 2006, es su primer libro de poesía. Ha sido publicado por la Gobernación y Secretaría de Cultura y Turismo del valle del Cauca, 2007.


• EDUARDO ESPINA nació en Montevideo, Uruguay, en 1950. Publicó los libros de poemas: Valores Personales, 1982; La caza nupcial, 1993; El oro y la liviandad del brillo, 1994; Coto de casa, 1995; Lee un poco más despacio, 1999; Mínimo de mundo visible, 2003 y El cutis patrio, 2006. También es autor de los libros de ensayo: El disfraz de la modernidad, 1992; Las ruinas de lo imaginario, 1996, y La condición Milli Vanilli. Ensayos de dos siglos, 2003. En Uruguay ganó dos veces el  Premio Nacional de Ensayo por los libros Las ruinas de lo imaginario y Un plan de indicios. En 1998 obtuvo el Premio Municipal de Poesía por el libro aún inédito Deslenguaje.  Sobre su obra poética se han escrito tesis doctorales, y extensos artículos de estudio fueron publicados en prestigiosas revistas académicas como Revista Iberoamericana y Revista de Estudios Hispánicos. En Chile, se publicó recientemente el libro Con/figuración sintáctica: poesía del deslenguaje, estudio comprensivo de la obra poética de Espina realizado por el lingüista español Enrique Mallén, autor también del libro de próxima publicación: Poesía del lenguaje. De T.S. Eliot a Eduardo Espina. La poesía de Espina se estudia en universidades de Estados Unidos, Europa y América Latina, y sus poemas fueron traducidos parcialmente al inglés, francés, italiano, portugués, alemán y croata. En Estados Unidos, donde está radicado desde 1980, Espina es co-editor de Hispanic Poetry Review, única revista en el mundo dedicada exclusivamente a la crítica y reseña de poesía escrita en español. En 2007, por El cutis patrio, obtuvo el Latino Literary Award al mejor libro publicado en lengua española en 2006.


• JULIO CÉSAR ARCINIEGAS nació en Rovira, Tolima, Colombia, el 6 de junio de 1951. Obra publicada: La ciudad inventada; Color de Miedo; Números hay sobre los templos. Ganador del Premio Nacional de Poesía Porfirio Barba Jacob con la obra Abreviatura del árbol. En su ensayo El laberinto del poeta es un campo de batalla, sobre el libro Números hay sobre los templos, afirma Gabriel Arturo Castro: “…Su escritura, se pronuncia desde la tensión, la lectura interiorizada y la imaginación móvil. Su palabra no es directa, tal vez porque el autor está convencido de que el lenguaje poético se distingue del cotidiano por la perceptibilidad de su construcción, por el interés y el deseo de moldear un objeto artístico… No importa que el escritor al final no resuelva el acertijo, la adivinanza, la cosa intrincada, porque deja planteado su interrogante a los lectores, su virtual extrañeza que los llevará a la actitud inquisitiva, a la producción de secretos y pensamientos. A pesar de las imágenes tan herméticas y demasiado contenidas, las iniciales preocupaciones del escritor, sean metafísicas o religiosas, se han literaturizado con la intención de crear un objeto poético. Su naciente raigambre es de tipo intelectual, surgida no de la exclusividad del buceo en lo más íntimo y personal. Las inquietudes que expresa son consecuencia de la lectura variada, recreada y asimilada desde el recogimiento. La poesía viene a ser aquí una posibilidad de ruptura de la inalterable realidad cotidiana, hecho que, por lo tanto, permite la intrusión del misterio en la vida real. El poeta se encuentra ante lo inexplicable, de cara a la presencia de mundos y de potencias insólitas…”


• JORGE ELIÉCER ORDÓÑEZ nació en Cali, Colombia, el 16 de abril de 1951. Licenciado en Filología e Idiomas, UPTC, Tunja. Estudios de Lingüística. Universidad del Valle. Cali. Magíster en Literatura Hispanoamericana. Instituto Caro y Cuervo, Bogotá. Profesor de Literatura y Artes del Lenguaje en la UPTC, de Tunja, desde 1991 hasta la fecha. Ha publicado los libros de poesía: Ciudad Menguante, 1991; Vuelta de Campana, Premio Instituto de Cultura y Bellas Artes de Boyacá, 1994; Brújula Insomne, 1997; Farallones, 2000; El Puente de la Luna, 2004; Desde el Umbral, poesía colombiana en transición, antología y estudio introductorio, 2005. Con su ensayo La Fábula poética en Giovanni Quessep, obtuvo el premio Jorge Isaacs a la Crítica Literaria, 1998. En la actualidad dirige la revista institucional de su universidad, UPTC, de Tunja, “Pensamiento y Acción”. Sus artículos se encuentran publicados en las revistas La Palabra (UPTC), Cuadernos de Literatura del Caribe e Hispanoamérica, Universidad del Atlántico, Itaca, Universidad Popular del Cesar, Logos, Universidad de La Salle, Espéculo, Universidad Complutense de Madrid (virtual), Casa de Asterión (virtual). Según Carlos Fajardo, “La poesía de Ordóñez catapulta los imaginarios del origen hasta construirnos la infancia con sus lujuriosos y picaros juegos, la música de marimbas y tambores, esos barrios de la periferia con extraños y olvidados personajes, las luces de diciembre encendidas por el padre. De este modo, invita a salir a los caminos para que, con los ojos de la memoria, veamos con asombro las pequeñas y grandes cosmologías, aprendamos a sentir el rumor y los silencios de su imaginería amorosa.”


• JUANO VILLAFAÑE nació en Quito, Ecuador, en 1952. Reside en Buenos Aires, Argentina, desde 1955. Fue cofundador de las revistas de literatura Tientos y Diferencias (1979) y Mascaró (1983). En poesía ha publicado Poemas Anteriores, 1982; Visión Retrospectiva de la Botella, 1987; Una Leona Entra en el Mar, 2000 y 2005. En un aparte de su ensayo Al galope se busca un poema infinito, afirma Jesús David Curbelo refiriéndose a Una Leona Entra en el Mar,: “…Desde los primeros poemas, breves, coloquiales, pero de un coloquialismo lírico, el poeta apunta algunas de las direcciones fundamentales de sus búsquedas: el amor —lo mismo en su variante sentimental que erótica, igual a la hembra que al país, a la familia que a la memoria como forma de salvación, de perpetuidad del individuo— y la preocupación social, política, expresada en todo momento a partir de la vivencia interior, emotiva, en que se fusionan hombre, historia y poesía como una unidad indisoluble. Aparecen, asimismo, ciertas obsesiones simbólicas —los caballos, el mar, la lluvia, el acto de beber, el sueño, la música, el baile— que se irán reiterando a lo largo de los otros cuadernos en una espiral ascendente, en una ampliación de su abanico de significados que hace cada vez más sugerente la polisemia y dota al texto en sí y al libro en general de nuevas resonancias…” Hay en sus poemarios un sabio manejo de lo que Leo Spitzer denominara “enumeración caótica”, presente en las voces de muchos poetas latinoamericanos como Huidobro, Borges, Neruda, Paz, y que en Villafañe cumple el papel de brindarnos a veces insólitas asociaciones metafísicas y simbólicas, enriquecedoras del discurso y de la atmósfera tropológica de los poemas.


• MANUEL GARCÍA VERDECIA nació en Holguín, Cuba, en 1953. Poeta, profesor, escritor, traductor y editor. Licenciado en Lengua Inglesa y graduado de Lengua Francesa obtuvo el grado de Máster en Cultura Cubana con una tesis sobre la narrativa de la década del 1930. Ha sido profesor en universidades de Cuba, Canadá, República Checa y México. Su obra ensayística incluye autores cubanos como Alejo Carpentier, José Lezama Lima, Gastón Baquero, Eugenio Florit, Lisandro Otero, José Soler Puig, Roberto Fernández Retamar, César López y Antón Arrufat, entre otros, e incluye a autores hispanoamericanos como Carlos Fuentes, Octavio Paz, Miguel Hernández, Tomás Segovia, Máx. Aub, María Zambrano, José Saramago y José de la Cuadra. Ha publicado La consagración de los contextos, ensayo, Premio de la Ciudad, Ediciones Holguín, 1986; La mágica palabra, ensayos, Premio de la Ciudad, Ediciones Ámbito, 1991; Incertidumbre de la lluvia, poesía, Premio de la Ciudad, Ediciones Holguín, 1993; Hebras, poesía, Editorial Lunarena, México, 2000; Meditación de Odiseo a su regreso, poesía, Premio Adelaida del Mármol, 2001; Travesías, cuentos, Ediciones Holguín, 2004; Música de viento, cuentos, Editorial Oriente, 2005; Saga de Odiseo, poesía, Editorial Unión, La Habana, 2006. Entre sus traducciones destacan Las musas inquietantes, selección de la poesía de Sylvia Plath, Editorial Holguín, 2002, Premio Nacional de Edición; Intimate strangers, antología de poesía cubano-canadiense, Editorial Hidden Brook Press, Toronto, 2004; Meridiana, novela de Alice Walker, Editorial Arte y Literatura, La Habana, 2004; Hojas de Hierba, de Walt Whitman, Editorial Arte y Literatura, La Habana, 2006 y El profeta, de Khalil Gibram,  Editorial Arte y Literatura, 2006. En 2007 obtuvo el Premio José Soler Puig de novela por su obra El día de La Cruz, así como el Premio Julián del Casal por su poemario Hombre de la honda y de la piedra..


• ALEX FLEITES nació en Caracas, Venezuela, en 1954. Ciudadano cubano. Licenciado en Filología por la Universidad de la Habana. Poeta, guionista, dramaturgo, narrador, editor, traductor y periodista. Ha sido jefe de importantes revistas culturales, como El Caimán Barbudo, Cine Cubano, Unión y Arte Cubano. Ha recibido numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Nacional de Poesía “Julián del Casal” y el Premio Nacional de Periodismo “26 de julio”. Es autor de una decena de libros entre ellos los poemarios: A dos espacios, 1981; De vital importancia, 1989; Ómnibus de noche, 1995; Un perro en la casa del amor, 2004 y La violenta ternura, 2007, que recoge lo más destacado de treinta años de trabajo poético. Ha traducido del portugués poemas de Vinicius de Moraes, Cecilia Meireles, Carlos Drumond de Andrade y Manuel Bandeira, con los que conformó la antología Balada feroz, 1991. En su ensayo, Simplemente la radiante poesía, nos comunica Gustavo Pereira: “Alex Fleites ha escrutado, palpado, probado, erigido, asediado, diluido el fruto del vivir y ha descubierto en él, como ocurre a todo mortal, sabores encontrados, dispares dualidades, amargas o dulces desazones, dichas y desdichas pasajeras o tercas incertidumbres y certezas. Sólo que al ser procesadas por su conciencia sensible –eso que muchos llaman espíritu- se hacen parte de un misterio mayor que otros nombramos simplemente como radiante poesía”.


• JORGE IVÁN GRISALES nació en Medellín, en 1956. Poeta, dramaturgo, actor y director de teatro. Miembro del Taller de Artes de Medellín. Profesor de la Escuela Popular de Arte de Medellín y de la Universidad de Antioquia. Publicaciones: Los versos del nadador ciego, 1997 y Método para el manejo de la voz escénica: De la memoria de la voz a la imagen de la palabra, 2006. Al decir de Juan Manuel Roca: “En Grisales hay un intento afortunado por atrapar jirones de sus papeles en escena, en este oficio que exige ductilidad y por supuesto, capacidad de crear imágenes. Sólo que acá sus imágenes no necesitan del ademán, del tinglado, ni siquiera del cuerpo donde somos actores, directores y hasta amotinado público. Porque la palabra poética es desprendimiento del cuerpo que dicta estados parecidos a los del soñar. (…) Algo de sonámbulo hay en el andar poético de Jorge Iván Grisales: un tender las palabras como un hilo tenso para luego a travesarlo por encima del vació. No importa si la malla protectora está rota. Si como todo pastor de vacíos, el poeta sabe que la tierra lo pretende. Se trata de una aventura que ha permanecido en silencio y que a cada tanto, en muchísimos de sus poemas, nos señala la estela de luz que va dejando, en el agua y el papel, un nadador ciego..”


• ISABEL GARCÍA MAYORCA nació en Guamal, Magdalena, Colombia. Realizó estudios  de Periodismo y Pedagogía. Se ha desempeñado como profesora de colegios y actualmente orienta talleres de liberación de la creatividad, para niños y niñas. Sus poemas han sido publicados en revistas y periódicos de carácter local, regional y nacional. Ha dado numerosos recitales en Bogotá y otras ciudades del país. Finalista en el año 2000 del concurso de poemas convocado por el museo Rayo. Fue una de las ganadoras del concurso Contrababel de los Oficios, convocado por la Casa de Poesía Silva en el 2007. Libros inéditos: Todo Abril y lo que va de Mayo; Abril en los Espejos; Los Cuentos de la Prima María y Poemas de Sol y Vuelo, los dos últimos con registro para niñas y niños.  “Conocí a Isabel apenas regrese al trópico después de siete años de haberme alejado de las lluvias de verano e invierno de Bogotá.  Una tarde un amigo poeta me llevó a su casa. En la sala de su casa estaba una mujer con ojos como obsidiana azteca y almendrados. Casi no hablaba, todo el tiempo escuchaba, pero no era un silencio que me intimidara, al contrario predisponía a que uno conversara y yo hablé tanto que el tiempo pasó aquella tarde como una magia. Mi interlocutora leyó de pronto un poema. Las palabras eran sencillas y al mismo tiempo estaban dispuestas como actores que saben muy bien cuál debe ser el papel, en su destino implacable de unos cuantos minutos. Esas palabras eran como extracto de una experiencia singular, la de una mujer que vive entre el silencio y la pasión. Las palabras de Isabel que recién conocía y cuyos ojos se llenaban de visos a veces metálicos, a veces desde un destello como desde el vacío, cuando iba tocando con su voz ronca, cada una de las palabras que traían a la vida el testimonio de amores observados, comprendidos y cómplices. Pero quiero decir que la mujer con ojos de obsidiana y a veces ensimismados, sabía una música que era como un presagio y como una huella trivial de los asuntos que hilvanamos a diario con nuestros gestos y acciones y que solo el arte consumado los vuelve poesía...” (Rubén Darío Flórez Arcilla).


• ÁLVARO MARÍN nació en Manzanares, un pueblo de la zona cafetera de Colombia, en 1958. Año que coincide con la instauración del Frente Nacional en Colombia, una alianza de dos partidos que gobernó el país durante 16 años y eliminó toda forma de oposición política. Como en buena parte de las familias colombianas tuvo un padre liberal y radicalmente anticlerical y una madre conservadora y fervientemente católica, también su familia era un frente nacional. Ese contrapunteo entre dos visiones del mundo tan radicalmente opuestas pronto le liberó de las argumentaciones ideologistas  en lo político y de posiciones dogmáticas en lo cultural, la lectura de la historia del país y la reflexión lo llevaron a entender nuestra compleja conformación como cultura, en donde se entreveran componentes culturales de diferentes vertientes. Ese carácter mestizo y barroco de nuestra cultura es uno de los elementos de su permanente reflexión ensayística y que también se expresa en su poesía. Ejerció un espontáneo periodismo escolar en donde publicó sus primeros escritos, luego en la Universidad Nacional de Colombia continuó con el ejercicio informativo en periódicos y revistas universitarias. Hechizado por la poesía de César Vallejo y Miguel Hernández publicó su primer libro de poemas con el Título de Jinete de Sombras en 1992. La publicación fue un reconocimiento que le hizo la Casa de Poesía Fernando Mejía de Manizales, luego fue invitado al Diario El Espectador de Bogotá para colaborar con notas sobre cultura y literatura en el Magazín Dominical dirigido por Marisol Cano y coordinado por Juan Manuel Roca. El Magazín jugó un papel crítico importante en la vida cultural del país en los años noventa. Recibió otro reconocimiento en poesía al ser destacado uno de sus libros: La noche líquida en una convocatoria latinoamericana del Festival de Poesía de Medellín.  Publicó en 1997 La brújula no quiere marcar más el norte, un libro de ensayos sobre cultura, política y literatura. Escribe ensayo, poesía, notas periodísticas en diferentes medios, ha colaborado con procesos de comunicación y de reflexión en comunicaciones; en Le Monde Diplomatique y periódicos de iniciativa popular, como desde abajo y Periferia. Ha ejercido un trabajo periodístico en los últimos años, escribe para revistas culturales y políticas; colabora en la revista Cepa de reciente creación por Fals Borda y Libardo Sarmiento.


• LINA ZERÓN nació en México, en 1959. Poeta, narradora, periodista y promotora cultural. Directora de Linajes Editores y Revista Café México. Su poesía ha sido traducida a 12 idiomas y recogida en más de 40 antologías, también en revistas y periódicos en el mundo. Cuenta con numerosos reconocimientos a nivel nacional e internacional, entre ellos. Galardón como “La mujer del año 2002” por su labor cultural y trayectoria poética en el Estado de México y con la presea “Guerrero Águila” por su trayectoria poética, 2005, 2do. Lugar Premio Melilla, España, 2003, Premio Barcelona 2004, poesía de amor. Ha escrito 11 libros de poesías, entre ellos: Consagración de la piel. 2007. Ciudades donde te nombro, 2005 Nostalgia de Vida 2005. Un cielo crece en el fondo de tus ojos, 2004. Vino Rojo 2003, Moradas Mariposas, 2002, Amoradas Borbolestas, 2001, Rosas Negras para un Ataúd sin cuerpo, 2000, Espiral de fuego, 1999, 2 novelas y un libro de cuentos. De ella nos comenta Claude Couffon: “Como traductor de su poesía al francés, puedo afirmar que su escritura tiene una fuerza propia sin igual, que cada verso es tan simple y a la vez potente sin apartarse nunca de la estética poética. Su poesía tiene una fuerza sin paralelo que viene de sus horizontes coloreados siempre inexplorados que sólo ella deshoja con perspicacia, eficacia y sin reticencia alguna. Sus imágenes son contundentes. Su imaginación no tiene paralelo. Zerón es una poeta como existen raras veces, concreta, profunda y a la vez de elevadas metáforas. Hay muchos elementos que caracterizan su arte, no puedo mencionarlos todos pero quisiera destacar especialmente uno de ellos: la música de las palabras que resuenan  idénticas a instrumentos que centellean en los oscuros silencios. Esta melodía de sus versos permite a sus lectores recibir aún más la poesía y el discurso que nos da a conocer. Esta es la razón por la que cada poema es una luz que se enciende...”


• JOSÉ ZULETA nació en Bogotá en 1960. Director de la Fundación Estanislao Zuleta 1992 – 2008.  Dirige  el Centro Literario “Voz Alta.” 2005 -2008. Director de la Revista de Poesía Clave. 2004-2008. Coordinador de la agenda literaria de la Biblioteca Departamental del Valle. Orienta el programa Libertad Bajo Palabra en Las cáceles de Cali. Es editor independiente y gestor cultural. Distinciones: Ganador del Primer premio nacional de poesía “Carlos Héctor Trejos”, Riosucio Caldas 2002, con el libro Las Alas del Súbdito. Premio Nacional de Poesía “Descanse en Paz la Guerra” con la obra Música Para Desplazados, convocado por la Casa de Poesía Silva, 2003. Segundo Premio Internacional de poesía  Convocado por la Universidad De San Buenaventura, con el libro  Las Manos de La Noche, 2007. Otros libros suyos: La Línea de Menta, 2005; Mirar Otro Mar,  2006 y La sonrisa trocada, cuentos,  2008. En palabras de Elkin Restrepo, “…A José Zuleta se le ha permitido hacer propia la magia natural de las cosas, sin artificios, ni retóricas intelectuales, que es lo que suele suceder entre nosotros. A sus poemas, claros, sensuales, espléndidos, aferrados a pequeños rituales y percepciones repentinas para repetirse a uno mismo como una oración, los mueve la gracia de quien confía a los sentidos y al poder de la belleza inmediata toda indagación en el mundo.



• OMAR GARCIA RAMIREZ nació en Armenia, Quindío, en noviembre de 1960. Estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Bogotá; Cinematografía de Animación en el Instituto Cubano de Artes e Investigación Cinematográfica (ICAIC). La Habana (Cuba) y Diseño Gráfico, Infografía, Animación y Multimedia en el CICE, Madrid (España). Ha publicado los libros “Sobre el Jardín de las Delicias y otros textos terrenales” (Poesía. 1990), “La dama de los cabellos ardientes” (Novela- Comic), “Urbana geografía fraterna” (Poesía, Premio Biblioteca Pública Ramón Correa, 1997; y “Altamira 2001” (Novela, Premio Nacional de Novela Ciudad de Pereira (2002).


• MARGO TAMEZ Lipan Nde'-Jumano/Suma' Nde' [Apache] Margo Tamez nació en Austin, Texas en 1962. Activista y Poeta. Ser criada en San Antonio, Texas durante el Movimiento de Derechos Civiles y crecer durante la época de Vietnam, creó un gran impacto en la conciencia que Tamez tenía del racismo, la desigualdad entre géneros y la injusticia social y su respuesta a ello. Completó dos carreras universitarias: Estudios Arqueológicos (1984) e Historia del Arte (1985) en la Universidad de Texas. En 1997 completó una maestría en Bellas Artes en Poesía en el programa de Escritura Creativa en la Universidad Arizona State. Es muy reconocida por su trabajo de base entre comunidades tradicionales indígenas, trabajando por autonomía y justicia en contra de las amenazas combinadas de asimilación forzada y genocidio bajo estructuras coloniales y capitalistas. Su escritura explora experiencias de grupos indígenas marginales que se van contra los mitos y las nociones románticas de las personas indígenas bi-nacionales de la frontera Méjico-Estados Unidos. En 2003, se lanzó su primera colección de poesía  de gran extensión, Naked Wanting. Su libro RAVEN EYE (Arizona 2007) fue nominado a un Premio Pulitzer en Poesía. Raven Eye, una colección de poesía, es un testimonio de racismo interiorizado en las comunidades indígenas bi-nacionales de Norte América, y el empuje de violencia  cometido contra el más vulnerable.


• GONZALO MÁRQUEZ CRISTO Nació en Bogotá, Colombia, en 1963. Autor de Apocalipsis de la rosa, 1988; la novela Ritual de títeres, 1990; El Tempestario y otros relatos, 1998; La palabra liberada, 2001 y la antología Liberación del origen, 2003 y Oscuro Nacimiento, 2005. Fundador de la revista cultural Común Presencia, 1989. Premio Internacional de Ensayo Maurice Blanchot por La pregunta del origen. Creador y coordinador de la colección internacional de literatura Los Conjurados, distribuida en cinco países. “Ritual de títeres es una contienda entre filosofía e imagen que conduce afortunadamente a la tragedia” (E.M. Cioran). “Apocalipsis de la Rosa me parece un valioso ejemplo de lo que debe ser la poesía... Me atrae especialmente su sentido de los contrastes fundamentales, su pacto con la sorpresa, la contención del lenguaje, la natural osadía para atravesar los límites, la proyección de silencio que hay en sus palabras, el modo de buscar la videncia iluminadora y no el artilugio o el simulacro que sólo deslumbra a los incautos”. (Roberto  Juarroz). “Y así, esta voz jamás se somete a la imposición del sentido de la existencia, sea metafísico o social; porque su grito tiene una fuerza elemental e incierta, vibrante de sangre, que se convierte en una palabra libertadora, es decir, en poesía.” (Antonio Ramos Rosa).


• LIBESLAY BERMÚDEZ nació en Caracas en  1965. Es poeta, filósofa, actriz, locutora y productora artística. Estudió Filosofía en la Universidad Central de Venezuela. Por  más de 20 años se ha dedicado a la investigación, diseño y realización de eventos y talleres artísticos literarios  con  énfasis en la poesía y en el público infantil. Formada también en el teatro ha presentado instalaciones y puestas en escena donde combina la palabra poética con lo plástico y teatral. Algunas de estas obras son: “Temas sobre papel”,“Lamas Siempre”, “Sacrófago, Cabeza”, Los regalos que nunca te di”, “Amarillo”, “Insectos en el paraíso”, “Parco Amor”, “Todo a cien”. Comienza a escribir poemas desde los años 80. Hizo parte del Grupo “Jueves”, que se mantuvo en actividad cerca de 4 años y cuya antología fue publicada por Fundarte en 1998. Ese año obtiene Mención honorífica en el concurso de poesía convocado por la UCV. Ha sido lectora invitada a numerosos  eventos de poesía. Locutora y  productora radial, trabaja en el Canal Clásico de Radio Nacional de Venezuela donde mantiene al aire tres programas. Desde el año 2005 es también la directora del Canal Musical 880 AM del circuito RNV. Recibió de la Alcaldía de Caracas, la Orden Guariarepano,  por su labor comunicacional y aportes a la cultura.Sus poemas han sido divulgados en revistas, periódicos y antologías.  Es  autora de seis títulos de poesía de los cuales han sido publicados: “Juegos de Guerra” (Escrito entre 2000 y 2004)  Ediciones La Mancha – Colección La Buena Calle - año 2006; “Juegos de Guerra” (Reedición) Fondo Editorial IPASME  año 2007; “Fábula del Pájaro Oscuro, que ha llovido su piel sobre los árboles” (Escrito en 1999)  Taller Editorial El Pez Soluble – 2007; “Fábula del Pájaro Oscuro 2da. Edición Abril 2008. Actualmente está en proceso de publicación: Insectos en el paraíso” (Escrito entre 1990-2000). Según el poeta Luis Alberto Crespo:  En “Juegos de guerra , poemas asediados por las pausas, el secreto, la elusión, asoma el ceño, el gesto grave de lo vivido, no como el amante y la amada, sino como eso sin nombre, "como de manzana ácida-nos dice-en lo amarillo del cuerpo"; o bien como nosotros, "que éramos también los que veníamos buscándonos”. De otra guerra escribe esta vez, Libeslay Berrnúdez, no de la dicha amorosa, sino la del enfrentamiento colectivo que todavía nos hiere, la del 12 de abril. Escuchémosla: Sucedió en un instante/Todos dejaron sus caras de plástico en la mesa por un momento/las quijadas relucientes, devoraron/el cuerpo caliente de los gusanos/ Ahora/todos nos desconocemos/ desconfiamos/tememos/!Esta tragedia de reconocernos en la arena del circo¡/Servidores del diablo/negros y rojos/alzan su bandera de dolor/Los espectadores temblamos, deliramos/ Nunca como hoy estuve de acuerdo con aquella sentencia:/no tenemos memoria, somos ninguno.”


• MORELA MANEIRO nació en Ciudad Bolívar, Estado Bolívar, República Bolivariana de Venezuela, el 19 de agosto de 1967. Pertenece al pueblo indígena Kari’ña. Coordinó el programa de alfabetización nacional denominada “la Misión Robinson” en las comunidades del Estado Bolívar. Desde los 11 años ha participado en movimientos de desarrollo social a través del  arte ha interactuado con diversas instituciones educativas culturales, ha participado en cursos de liderazgo sobre la defensa del ambiente, talleres, seminarios, exposiciones fotográficas, artesanales y festivales de literatura que destacan la cultura indígena; y  como activista en la política indígena, ha sido postulada en dos ocasiones directamente por las bases comunitarias primero como candidata a diputada a la asamblea nacional el año 2000 y segundo al consejo legislativo del Estado Bolívar el año 2004. Ha sido invitada a entrevistas en la prensa, programas de radio, y como moderadora en Venezolana televisión (canal ocho, en el programa canal abierto), ha ofrecido conferencias, charlas educativas y ha sido invitada a diversos encuentros, asambleas, congresos de interés regional, nacional e internacional en Venezuela, Guatemala, México, Ecuador, Puerto Rico y Perú. Su formación busca afianzar el intercambio sociopolítico cultural y filosófico interétnico en defensa de la autonomía de hábitats territoriales, ambientales, etnomedicinales, educativos, de la mujer indígena y de los derechos humanos fundamentales. Recibió el primer premio del Concurso de Literatura Bilingüe en su primera edición del 2006, Kuai Nabaida (El mar de arriba) otorgado por la Fundación editorial El perro y la rana del Ministerio Nacional de la Cultura con el libro Ojos de Hormiga y es Presidenta de la Fundación Marawaka donde continúa apoyando la lucha de los pueblos indígenas por reconquistar sus espacios políticos culturales desde el lugar que le toca asumir a favor de los pueblos indígenas. Al decir de Adalys Javier, “…La poesía de Morela Maneiro es profunda, mística, progresista, emancipadora y revolucionaria.”. Fui haciendo como la hormiga, metiéndome por esos laberintos de la tierra y comencé a conocer los estadios y comencé a ver lo profundo que es conocerse uno mismo.”


• PATRICK WOODCOCK Nació el 12 de Julio de 1968 en Canadá. Ha tenido numerosos poemas publicados en su país, los Estados Unidos, el Reino Unido e India en este año, muchos de los cuales fueron escritos sobre y en Colombia.  Fue el editor de poesía de The Literary Review de Canadá. Su poesía ha sido traducida a ocho idiomas y ha atendido a festivals de poesía alrededor del mundo. Algunas de sus publicaciones: The Six O’Clock Club, 1996; AThElia, 1997; Scarring Endymion, 1999; The Challenged One, 2003; AWOL: Tales for travel Inspired Minds, 2003; Controlling Mastema, 2005; 13 Executions (chapbook), 2007 y Theatre of Panic, Poems, New and Selected. Es miembro de del PEN, Canadá. Ha sido profesor de literatura y del idioma inglés en la Universidad de Ibagué, Colombia y profesor de  inglés en el Colegio San Bonifacio de las Lanzas, Ibagué, Colombia. También ha sido professor de Elementos de la Poesía y Literatura Canadiense – La Experiencia Norteña en Sheridan College, Oakville, Ontario, Canadá.


• MIGUEL ILDEFONSO nació en Lima, 1970. Estudió Literatura en la Universidad Católica del Perú e hizo una Maestría en Creative Writing en la Universidad de El Paso, Texas. Libros de poesía: Vestigios, 1999; Canciones de un bar en la frontera, 2001; Las ciudades fantasmas, 2002; m.d.i.h., 2004; Heautontimoroumenos, 2005; Los Desmoronamientos Sinfónicos, 2006. Libros de narrativa: El Príncipe, 2004; El Paso, 2005 y Hotel Lima, 2006. Sus textos han sido publicados en revistas del país y del extranjero como Hueso Húmero, Ajos & Zafiros, Pterodáctilo y Lucero. Colaboró en diversas revistas como: Imaginario del Arte, Sieteculebras, Flecha en el Azul y Distancia Crítica. Dirigió la revista virtual El Malhechor Exhausto. Codirigió la revista de Literatura Pelícano. En su ensayo Las ciudades fantasmas, nos dice Javier Agreda: “…En la obra de Miguel Ildefonso se pueden encontrar básicamente dos temas: la descripción de la vida urbana moderna y la reflexión sobre el propio trabajo poético... Las ciudades fantasmas es un conjunto de textos en el que un hablante, el yo poético, ante la violencia de la vida urbana y “este vivir prisionero del cuerpo” decide refugiarse en la poesía. Ildefonso trata de buscar el punto medio entre opuestos tales como lo narrativo y lo lírico, lo autobiográfico y lo libresco, lo descriptivo y lo reflexivo, el coloquialismo y las citas literarias...”.



• BENJAMÍN CHÁVEZ nació en Bolivia el 17 de febrero de 1971. Tiene estudios de filosofía en la Universidad Mayor de San Andrés de La Paz, y de antropología en la Universidad Católica de Cochabamba. Ha publicado los poemarios: Prehistorias del androide, 1994; Con la misma tijera, 1999; Santo sin devoción, 2000; Y allá en lo alto un pedazo de cielo, 2003; Extramuros, 2004; Pequeña librería de viejo, 2007, Premio Nacional de Poesía. Es editor de la revista de literatura La Mariposa Mundial y del suplemento literario El Duende. También ha escrito relatos y su producción narrativa forma parte de varias antologías. Colabora en diarios y revistas de su país y del extranjero. Reside en La Paz. Acerca del poemario: Pequeña Librería de viejo, expresó Roberto Echavarren: “Los poemas de Benjamín Chávez son más bien una resta que una suma. Ponen de relieve un proceso deconstructivo que deja poco en pie, o poco que se pueda ver, pero nos introducen en un espacio que segregan, un ámbito de la más radical desposesión. “El idioma se descascara.” Su tono menor es su mayor acierto. Abre un espacio habitable, donde el eco reverbera en meditación silenciosa “la débil música de las suaves cosas” (quizá su poema más entrañable o más logrado). En el retiro solitario esas humildes cosas compañeras dejan oír su apagado clamor, pero hay que hacer mucho silencio para escucharlas. Todo lo contrario de un alarde de imágenes brillantes o de declaraciones retóricas, la voz de Chávez es delgada pero auténtica y nos entrega el secreto de un oído bien templado.”


• JORGE GALÁN nació en El Salvador en 1971. Libros Publicados: Tarde de Martes, 2004; El Día Interminable, 2004; Una Primavera Muy Larga, 2006; Breve Historia del Alba, 2007 y La Habitación, 2007. Ha recibido, entre otros, el Premio Adonáis de Poesía, 2006 y los premios nacionales de poesía de CONCULTURA, 1996, 1998, 1999. Tal comom lo afirma Francisco Andrés Escobar: “…La poesía de Jorge Galán debe leerse con gratitud ciudadana. El país, que cuando suena en la orquesta de naciones lo hace desde el atroz instrumento de la violencia, no puede menos que agradecer a quien, entre el griterío del miedo, los fanatismos y las insidias, pulsa su oficio de poeta y lleva al país a los premios internacionales, como el Premio Adonáis, que le fue conferido a Jorge, en España, hace apenas unos meses. (…) Con una alta capacidad de seducción, es una poesía que viene de un largo estudio de la historia, la teoría y la técnica de la expresión poética. Se es poeta por vocación y por formación, afirmaba Lorca. En Galán, esto es insoslayable. Al talento —que le vino de Dios, o de la biología, o de Dios a través de la biología, como quiera admitirse— él le ha puesto un valor agregado: el estudio incansable del instrumental del arte poético. La poesía de Jorge tiene profundidad y sonoridad. La primera virtud le viene del sentimiento auténtico; la segunda, del certero dominio del verso, en sus distintos metros, y del dominio del procedimiento poético para alzar, con palabras, eficaces imágenes y metáforas…”



• FABRICIO ESTRADA nació en Sabanagrande, Francisco Morazán, Honduras, en octubre de 1974. Poemarios publicados: Sextos de Lluvia, 1998; Poemas contra el miedo, 2001; Solares, 2004; e Imposible un ángel (antología), 2005. Fue incluido, entre otras, en las antologías: Cien años de poesía política en Honduras, 2003 y en La Herida del Sol, antología Poesía Centroamericana Contemporánea, 2007. Acogiendo las palabras de Roberto Sosa: “En la captación de cosmos de Fabricio Estrada, yace, mejor dicho, florece, la idea de unir afinidades estéticas que coadyuven a la disolución de la mentira oficial empozada dentro de la hipocresía filantrópica, conducida a un final feliz por intelectuales enmascarados y estratégicamente enchufados en los organismos culturales y educativos. Para Fabricio Estrada los cuatro horizontes de la esperanza social, a vista y paciencia de todos, se derrumban uno tras otro y el grito alto circula, expandiéndose/ por los costados de la plaza.”. “El hombre nace disperso,/ y la mujer, conmiserada,/ busca reunirlo,/ hace cuanto puede”. Hermosos, por cierto, y no menos enigmáticos estos versos de Fabricio Estrada, de este poeta solar, quien ya parece firmemente encaminado a su definitivo cenit personal y poético.”



• FRANCISCO RUIZ UDIEL nació en Estelí, Nicaragua en 1977. En el año 2005 obtuvo el Primer Premio Internacional Ernesto Cardenal de Poesía Joven, con su obra "Alguien me ve llorar en un sueño". En el 2005 publicó también "Retrato de poeta con joven errante", muestra de poesía escrita por jóvenes de la generación del 2000-2005 o generación del desasosiego, como la llama Gioconda Belli en el prólogo de la muestra. Fundador del Encuentro Nacional del Día Mundial de la Poesía en Nicaragua. Es miembro fundador del Festival Internacional de Poesía en Granada, Nicaragua. En junio del 2005 fue invitado por Casa de América de Madrid, España, a participar en el V Festival "La poesía tiene la palabra". En el año 2006 publicó una memoria poética que lleva por título "Poetas, pequeños Dioses", bajo el sello editorial "Leteo Ediciones". Actualmente colabora como reportero del El Nuevo Diario y además, es redactor de “CARATULA”, revista cultural centroamericana dirigida por Sergio Ramírez. A los poemas de Alguien me ve llorar en un sueño, Claribel Alegría los calificó de “provocativos, transparentes y profundos, que nos hablan de la soledad, los sueños, la violencia, la muerte”. Poemas en los que una se topa con la influencia de Cesare Pavese, por la recurrencia anec-dótica para transmitir el dolor en carne viva del protagonista, Andrés, siempre agonizante en sus propios versos, antagónico a la realidad y refugiado en imágenes oníricas, que bien pudieran ser las piezas sueltas de una pesadilla con fuerte carga emocional o trozos de alguna imagen de Salvador Dalí. Nos encontramos ante una poesía con rasgos pavesianos, pero también surrealistas o como dijera Jorge Boccanera una poesía “a caballo entre una oralidad expansiva que roza el relato con abundantes nexos de enlace y descripciones, y el desparpajo de un lirismo que arroja allí y acá visiones inusitadas…”.
  


• ALAN MILLS nació en Guatemala, 1979. Es poeta, ensayista y traductor (inglés y francés). Libros de poesía: Los nombres ocultos, 2002; Marca de agua, 2005; Poemas sensibles, 2005; Síncopes, 2007; Testamentofuturo, 2007. Ha participado en múltiples festivales en América Latina y en el V Festival Internacional "La poesí­a tiene la palabra"organizado por la Casa de América en Madrid en 2005. En 2007 fue invitado a diversos festivales en Perú, Brasil y México. Algunos de sus poemas han sido traducidos al inglés, alemán e italiano. Edita diversos proyectos alternativos (www.guatattack.com). Es Director de la revista web de poéticas latinoamericanas Rusticatio (www.rusticatio.com) y colabora con diversas publicaciones en Hispanoamérica. Ha sido becario del Ministerio de Cultura en Madrid. “"Como si se tratara del alumbramiento de una asombrosa posibilidad, en Latinoamérica está emergiendo la nueva gran poesía, la nueva gran literatura, al lado de las renovadas pesadillas. Si todavía podemos hablar de un continente es porque esos nuevos poetas están, y están como nada podía haberlos presagiado. Alan Mills es uno de esos grandes nuevos poetas, y nos demuestra que estos países víctimas de todo están escribiendo como si aún existiera un alma, como si todavía existiera un cuerpo, como si todavía, en síntesis, hubiera la contingencia de un alma buscando a su cuerpo. Síncopes constituye el extraordinario poema de una violación, de una violación permanente y, a la vez, una de las muestras más feroces y alucinadas de la gran poesía latinoamericana de hoy”. (Raúl Zurita).


• LYERKA BONANNO nació en Valencia, República Bolivariana de Venezuela, en 1981. Poeta y promotora cultural. Licenciada en Educación, Lengua y Literatura por la Universidad de Carabobo. Profesora Universitaria en la Universidad Arturo Michelena UAM, Valencia. Fue directora de la revista “La Tuna de Oro” y actualmente pertenece a su comité de redacción, así como también es miembro del comité redactor de la revista Poesía, ambas del Departamento de Literatura de la Dirección de Cultura de la Universidad De Carabobo. Pertenece a la comisión rectoral del Encuentro Internacional POESIA Universidad de Carabobo y del Encuentro Nacional de Jóvenes Escritores de la misma institución, así como también de la comisión rectoral para la Feria Internacional del Libro, de esta universidad. Facilitadora de la Casa Nacional de las Letras “Andrés Bello” dentro del Sistema Nacional de Talleres Literarios. Ha publicado: Cartas de Guerra, 2005, y ha participado en las antologías poéticas: Amanecimos de Bala: Panorama actual de la poesía joven venezolana, 2007 y Deleite Literario III, antología poética para jóvenes, 2008. Su libro El Zigzag de la Máquina de Coser,se encuentra en imprenta. “… La poesía es un hecho de disciplina, aunque uno todavía siga creyendo que las musas existen y que la inspiración te llega, eso no es así. La poesía es un trabajo diario, constante, el poema pasa por un proceso de elaboración, corrección, revisión, se guarda en una gaveta, se retoma, se madura, sale y si todavía tiene algo se preserva.


• VICTOR MANUEL PINTO nació en Valencia, República Bolivariana de Venezuela, el 14 de junio de 1982. Poeta, Estudiante de educación, Lengua y Literatura en la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Carabobo. Asistente de Publicaciones del Dpto. de Literatura de la Dirección de Cultura de la Universidad de Carabobo. Fundador del Grupo Literario “Litterae ad Portam”. Director de la revista “La Tuna de Oro”. Pertenece a la Comisión Rectoral del Encuentro Internacional POESIA Universidad de Carabobo y del Encuentro Nacional de Jóvenes Escritores de la misma universidad. Facilitador de la Casa Nacional de las Letras “Andrés Bello” dentro del Sistema Nacional de Talleres Literarios. Obra publicada: Aldabadas, 2005, Premio Certamen Mayor de las Artes y las Letras del CONAC y Premio en el concurso Cada Día un Libro del Ministerio de Cultura; Mecánica, 2005, Premio único en el Concurso Internacional Poesía Ciudad de Valencia; Aprendiz de la Carne, 2007, premio único en la primera Bienal “Eduardo Sifontes” de la Gobernación del estado Anzoátegui. Incluido en las antologías poéticas: Amanecimos de Bala: Panorama actual de la poesía joven venezolana, 2007, y Deleite Literario III, antología poética para jóvenes, 2008. // “Me fui por Educación luego de comenzar una carrera que no tenía que ver absolutamente nada con la poesía, que era una carrera a nivel de tecnológico, pero esta experiencia me sirvió después para escribir un libro que lleva el título de Mecánica”, dice. Mecánica, de acuerdo con la descripción que hace su autor, viene a convertirse en una continuación de lo que es su primer libro: Aldabadas, obra que gira en un ambiente muy familiar, donde evoca recuerdos de su niñez. Con la madurez que ha acumulado, trata de advertir que la enseñanza de la poesía que se hace en la escuela es obsoleta y tediosa. Por ello sugiere un debate en las universidades con miras a reformar los programas de estudio de la literatura. Ha participado en la organización y el desarrollo de las últimas cuatros ediciones del Encuentro Internacional de Poesía Universidad de Carabobo. Lo importante de la poesía, según su criterio, es la conexión e interacción humana. “Los libros y los poemas vienen a ser los resultados de la búsqueda individual o colectiva. La poesía es la búsqueda de preguntas que nunca se responderán. La verdadera poesía debe inquietar, debe generar interrogantes.”


• DIANAMAR CARVAJAL nació en Medellín el 5 de marzo de 1983. Estudiante de la universidad de Antioquia en el programa de pregrado Licenciatura en lengua castellana. Ha participado en los talleres de poesía de la B.P.P. y de la Corporación de Arte y Poesía Prometeo. Tiene varias obras inéditas en poesía, entre ellas: Unipoefa, 1999; Celda de soñadores, 2004, Llanto Hipógeo, 2006; y Culpa de otra, 2008. En su ensayo, Dianamar, del existencialismo a la realidad, nos dice Diego Fernando García Restrepo: “Su poesía es la demostración del propio carácter del poeta intentando matizar su creación artística para hacerla única, acariciar las propias palabras, verlas crecer y florecer, su obra se basa en la propia realidad, vivida a través de su experiencia o por los ojos de las experiencias ajenas, su realidad es la realidad de los otros y partiendo de esta premisa la refleja en el poema con ensoñación e inteligencia; por eso en sus líneas se construyen historias humanas, su poema es de aire triste, abierto a la melancolía pero no cae en lo lúgubre, por el contrario este es un hijo, es el parto desgarrador que grita a las injusticias, a los ecos de la muerte que su entorno parafrasea, leerla es leer el país, es encontrar el punto donde el fascismo y la democracia se confunden, es involucrase de lleno con las mega tendencias sociales. Su obra se puede abordar desde las diferentes personalidades que posee y que expresa sin ambages, la Diana social, Romántica, la Diana Madre, la eterna enamorada, la despistada, la de culpa de otra y llanto hipógeo, murmuran palabras distintas que al filo de la cordura construyen un diario personal, con aire de vivencias para todos, escribe con soltura y pulcritud anexando a la norma, las aristas de la metáfora, el símil, la sátira entre otras. Sus poemas surgen desde su existencialismo, que también demuestra su dirección a la causa humana “La naturaleza espera con paciencia la extinción del hombre...” sin embargo deja escapar ese sentimiento de fundirse en el paisaje, de ser una entidad del bosque, de ser un elemento cotidiano, incapaz de atacar, Quiero ser árbol o flor, quiero ser agua de lluvia, quiero ser montaña casa y callarme apacible como un Dios, un nuevo ser que inspire la paz que tanto ha escuchado nombrar pero que no se realiza, por eso denuncia, por eso no calla las injusticias. Leer a Dianamar produce el entusiasmo del patriotismo, el despertar de las amnesias inducidas por los poderosos, la sensibilidad por el sentimiento amoroso, por el desgarrador y por el hace bien, la reconciliación con nuestra propia vida, vida que debe servirnos para construirnos con los otros.”


• FELIPE POSADA nació en San Carlos, Antioquia, Colombia, en 1985. Actualmente es estudiante de sociología y música en la universidad de Antioquia, donde desarrolla investigaciones en artes y lúdicas de forma teórico-practicas como punto de partida para la sensibilización humana, llevando a cabo talleres de; poesía, teatro, danza, mascaradas, música (realización de instrumentos percutidos) lecto-escritura. Miembro del grupo experimental (social, medioambiental de arte y cultura) TONÉ y del grupo musical tierra libre, es también Tallerista por la revista Prometeo del proyecto de sensibilización Gulliver con niños de las comunas de Medellín. Poemas suyos han sido incluidos en revistas y exposiciones. Luego de haber vivido en su pueblo natal durante su niñez, el conflicto colombiano se agravaría haciendo que su familia se viese en la necesidad de partir hacia Medellín, esta partida marca su existir, reflejo de ello son sus poemas donde se puede encontrar; la añoranza por el campo, el reencuentro con la tierra y elementos naturales, la incertidumbre propia de la ciudad, el conflicto de su país y el pensar y acción humano. Su libro inédito el Día a su Degüello, no solo da cuenta del sentir de un joven que busca donde se oculta, que intenta crear donde se destruye, ser critico y denunciar donde se veta, el amor donde molesta, lo natural en lo artificial… también es el descubrirse así mismo ante las cosas, para hacerse parte de lo que quiere e intentarlo y lo que no quiere aligerarlo, escribir el poema fluir la poesía, dejar su paso en tierra no en vano ni malo e integrarse simple al todo.

Poeta de Asia

• KIM KI DONG Nació en Seosan, Provincia de Choong Nam, Corea, el 25 de Junio de 1938. Poeta, ensayista y doctor en teología. Miembro de la Asociación Internacional de Poetas, Dramaturgos, Editores, Ensayistas y Novelistas (PEN) y de la Asociación Coreana de Escritores. Ha publicado, entre otros, los libros de poemas Bellas flores ahogadas en el corazón y la colección de poemas autobiográficos El viaje de la vida como un fuerte y rápido viento. Además, varios libros de ensayo incluyendo Una Montaña con historias y A través de toda mi vida. Ha recibido, entre otros, el premio de Literatura Coreana, 1997 y 2004. Al decir de Shin Kyungrim, “En la poesía de Wol San (nombre poético de Kim Ki Dong, que quiere decir “la luna sobre la cumbre de la montaña”) está nuestro pasado perdido. En una palabra, nuestros días pasados eran un túnel oscuro y miserable. Nuestro sueño anhelado era salir de ahí, pero mucha gente no desea recordar aquella época aciaga, sin embargo algunos no la olvidan. ¿Será por el recuerdo de esa pobreza, de esa oscuridad? La dejamos atrás pero también a muchas cosas, fuera de la pobreza y las carencias, que pueden enriquecer nuestra vida de hoy. Habrán cosas que iluminen nuestra vida, que llenen el vacío en que vivimos, pero claro que el pasado es pasado y que la satisfacción con el pasado o volver a él, pueden significar un mañana de dolor y sufrimiento. Sin embargo en la poesía de Wol San hay trabajo y esfuerzo, porque busca siempre los valores perdidos que pueden enriquecer nuestra vida. La pregunta que hace su poesía a través de su evocación del pasado es: ¿Dónde está el camino que puede seguir el hombre para vivir con dignidad?”


• SURACHAI JUNTIMATORN (Tailandia). Fundador de la querida banda de caravana tailandesa "Caravana de Nga", comenzó su carrera uniéndose al movimiento estudiantil contra el régimen dictatorial a principios de los años 70. Sus canciones y poemas representaron la idea política de las fuerzas democráticas, especialmente la de quienes vivían pobremente en áreas rurales. Después de la masacre del 6 de octubre de 1976, los activistas estudiantiles, incluyendo algunos miembros de la caravana, huyeron al campo y al vecino Laos, uniéndose al Partido Comunista Tailandés. Después de que la amnistía fuera declarada en 1979, los miembros del grupo fueron gradualmente volviendo del exilio y, en 1982, lanzaron el álbum Luna Llena. Varios álbumes lo siguieron, incluyendo Herrero, 1983, el cual fue un álbum en vivo, En Japón en Taku Taku, 1988, etc. Surachai ha sido reconocido como el pionero de la canción política progresista, o “Canción para la vida”, en Tailandia por más de tres décadas. Surachai también escribe poesía e historias cortas. En 2005 recibió el premio Sri Burapa por su excelencia literaria perdurable. Entre sus obras se encuentran un libro de poesía llamado Escrito en un libro, varias colecciones de cuentos llamadas Viniendo de las tierras altas; Al lado de la calle; Locura y Sol rojo, así como una novela titulada Antes del amanecer.



• GULRUKHSOR SAFIEVA nació en la aldea de Yahch, en  Komsomolobad, distrito de  Tayikistán, en 1947. Hija de granjeros, sus padres murieron siendo ella una niña. En 1968, se gradúo en filología en la Universidad Tajik en la ciudad de  Dushanbe. Poeta, escritora, dramaturga, letrista de canciones, cantante y traductora. Ejerce el periodismo y ha sido editora en jefe de revistas y diarios. Ha dado a conocer setenta títulos en distintos géneros. Fue  presidenta de la Unión de periodistas, secretaria de la Unión de escritores Tayikistán, presidente del Fondo Internacional de la Cultura de Tayikistán; diputada en el Supremo Soviet de la Unión Soviética  (1989-1991) y  miembro de la Unión de escritores  de la Unión Soviética. Integra la Unión de Escritores de Asia y África. Ha sido designada poeta laureada de  Tayikistán y su obra ha sido distinguida con varios premios, entre ellos: Premio Americano de  Khamet, 1994; Premio Komsomol, 1978 y el Premio Comsomol de Tayikistán,  1976. Su obra ha sido traducida a distintas lenguas, entre ellas, las de los países de la ex Unión Soviética. Ha dedicado una novela  a la vida de las mujeres del Asia Central y en ensayo publicó en Irán, su trabajo sobre las Rubaiatas de Omar Khayam. Es autora también de una importante investigación sobre el folklore del Valle de Karategin. Varios de su libros fueron publicados en  Moscú. A partir de 1989, reside tanto en la ciudad de Dushanbe como en Moscú. Ocupa la presidencia de la Academia Internacional de Cultura de Euroasiática;  de la Academia Mundial de Poesía y del PEN club de Tayikistán; asimismo es miembro de: la Unión de escritores de Moscú; del PEN Internacional en Moscú y  del Fondo de Literatura Internacional. Ha realizado lecturas de su obra en:  Luxemburgo, Inglaterra, Francia, Moscú, Escocia, Alemania, Bélgica, Irán, entre otras ciudades y países. Al decir del escritor kurdo mundialmente famoso Chingiz Aitmatov “…Son poetas verdaderos, a los que el destino les concedió ese talento. Pero incluso ellos deben pasar por la áspera escuela del sufrimiento para conseguir la armonía de la palabra y el pensamiento, y poder ser nombrados dentro de la literatura con ecos mundiales. A pesar de todas estas dificultades Gulrukhsor Safieva mantuvo el derecho de cantar en el jardín de los poetas Tajiks seleccionados por el destino para la grandeza. Cuando uno lee su poesía, se pregunta cuánto puede ser guardado en el corazón humano. Si esto es amor, si es amor compartido o rechazado, si es amor perdido y luego recuperado, y son incontables los matices de los impulsos del corazón, semitonos, tímidas esperanzas, llamadas ardientes, enojo y amargura – ¡¿sin duda, es este el mismo corazón?! Mientras que lee su poesía, usted piensa cuánto tiempo puede ser asido por el corazón del hombre. ¡Si éste es el amor, o compartió o el amor no recompensado, perdido y restablecido nuevamente, e incontables son las cortinas de los impulsos del corazón, de los tonos medios, de las esperanzas tímidas, de la llamada llameante, de la cólera y de la amargura. Este es el corazón de la poetisa Gulrukhsor Safieva...”


• QUARUZZAMAN SWAPAN nació en Bangladesh. Ha publicado, entre otros, los libros de poemas: Jharnar Kase Ak Din, 1990; Amar Protibimber Protk, 1994; Mayabi Ovishar, 1998; Nirbachita Kabita, 2007 y Selected Poems. Al decir de M. Mizanur Rahman, “…Quamruzzaman Swapan es un fervoroso exponente tanto del romanticismo como el realismo. Ha escrito poesía desde 1980. Desde entonces ha publicados tres libros que han sido ampliamente acogidos por los lectores y la crítica. El poeta ha atacado a los modernistas de Dhaka y los males de la sociedad moderna. Es lamentable que los poemas escritos por los poetas bengalíes modernos son en general incomprensibles. El lector común no puede entender el significado de algunos poemas que al parecer siempre son inescrutables. Incluso la mayor parte de esos poetas a duras penas saben qué significan sus propios escritos. Tal vez desean que el trabajo de los críticos sea aclarar su oscuridad. Largas palabras extranjeras son introducidas ahora en los poemas bengalíes a manera de símbolos o metáforas que nada significan. Tengo  gran confianza en Qumruzzaman porque se limita a ser concreto. En  nombre del expresionismo, el surrealismo y el sensualismo, uno no debe usar palabras incomprensibles en la poesía para demostrar aplausos de pedantes, en lugar de hacer que la poesía sea comprendida por todos los lectores gracias a sus rimas y razones necesarias. Incluso los analistas se empantanan en algún complejo trasfondo de la poesía moderna. Pero los poemas de Quamruzzaman tienen las cualidades necesarias para convencer a los lectores de que su tarea no va a ser en vano. Él es el prometedor joven poeta de Bangladesh que podrá reflejar con una clara perspectiva las imágenes de nuestro tiempo y de nuestra tierra en los diferentes modos y tonos de su poesía.”



• MARJORIE EVASCO nació en la ciudad de Tagbilaran en la isla de Bohol en Visayas, parte central de Filipinas, en 1953. Escribe poesía en inglés y cebuano- visayés. Sus dos libros de poemas Dreamweavers (Tejedores de sueños): poemas seleccionados de 1976 a 1986 (1986) y Ochre Tones (Tonos ocre) poemas en inglés y en cebuano (1999) ambos  ganaron el Premio Nacional del Libro de poesía otorgado por el Manila Critic’s Circle (Círculo de críticos de Manila). Otros dos de sus libros, el primero escrito con Edna Manlapaz, llamado Six Women Poets: Inter./Views  (Seis mujeres poetas: Entre/ Vistas) (1996), y el segundo A Life Shaped by Music: Andrea Veneracion and the Pilippine Madrigal Singers  (Una vida moldeada por la música: Andrea Veneracion y los cantantes filipinos de Madrigal) ganaron también el Premio Nacional del libro por Narración oral y Biografía, respectivamente. En el 2006 su libro Ani: The Life and Art of Hermogena Borja Lungay (Ani: La vida y arte de Hermogena Borja Lungay) fue publicado y ganó el A. Ongpin, Premio Nacional del Libro en arte del Círculo de Críticos de Manila. Terminó su doctorado en Literatura en la Universidad De La Salle de Manila, Filipinas, donde es profesora de la Facultad del Departamento de Literatura. “Mi primer libro de poemas llamado Dreamwevers (Tejedores de sueños) es un libro de orígenes. Me tomó más de diez años de trabajo y sus temas tocan el concepto creativo del “Mata” u “Ojo”, motivo que puede encontrarse en las telas asiáticas tradicionales, tejidas a mano. En las Cordilleras, norte de Filipinas, el motivo del ojo también comunica el concepto de llaves, cerraduras, aperturas, clausuras. En un salto de la imaginación, se pueden asociar estas ideas al sentido de un Yo integrador. Otro concepto creativo de los que informa la primera colección viene de la historia Filipina. En el punto del impacto colonizador, los cronistas españoles describieron las personas de Visayas como pintados/ pintadas, la gente tatuada. Las marcas en el cuerpo eran sólo para hombres y para mujeres que hubieran hecho actos heroicos o creado cosas hermosas, útiles para la vida de la comunidad.  El segundo libro llamado Ochre Tones (Tonos ocre) tomó más tiempo, doce años, y yo lo llamo un libro de cambios anclados sobre los primeros elementos, la tierra, el agua, el fuego y el aire. Es en el libro donde me comprometí con retomar la lengua de mi madre a través de la traducción del inglés al cebuano- visayan. No hace falta decirlo, la decisión de escribir en cebuano y convertirme en una escritora bilingüe es una elección política y artística en el contexto postcolonial de los actos del lenguaje. Yo sólo sé esto: que los materiales de la imaginación son tomados de los caóticos cultivos de sueños y memorias, y que cada poema se alimenta de lo que necesita. La rica arcilla del tiempo y el espacio, vividos fuera y dentro de la propia naturaleza, del proceso creativo. Y el hacer poemas es una manera de concentrar la visión interior, dejar que algo nuevo tome vida con sonido, movimiento, sabor, textura y forma, llevándonos de nuevo a las cosas como eran cuando las nombramos por primera vez. Yo creo que una vez el poema es escrito, el poeta puede ser invisible otra vez hasta la próxima insistencia por cantar la serpiente de cascabel, el saltamontes, ciempiés, estiércol de vaca o Buda. Porque la hechura de un poema es un excéntrico acto de fe de ambos, la cosa conjurada y la presencia viviente en la tierra, que algún día despertarán en el cuerpo de memorias y sueños de otra persona…”


• GHASSAN ZAQTAN nació en Beit Jala cerca de Belén, Palestina, en 1954. Recibió su grado como profesor en Jordania y trabajó como profesor de educación física. Ha vivido en muchos países, como Jordania, Siria, Líbano y Túnez. Actualmente vive en Ramallah, Palestina. Ha publicado varios libros de poesía: Temprano en la mañana, 1980; Viejas razones, 1982; Banderas, 1984, El heroísmo de las cosas, 1988; No por mi causa, 1990; Cielo claro, 1992;  Más allá de la descripción, 1995; Encargando descripciones, 1998; Monte tentación, 1999 y La cronología del carbón, 2003. Ha escrito varios guiones para documentales. Su obra de teatro El Mar Estrecho fue destacada en el Festival del Cairo en 1994. Zaqtan ayudó a fundar y es el actual director de la Casa de Poesía en Ramallah. También ha fundado varias revistas culturales en Ramallah y en el Golfo en los últimos años. Es actualmente el Director General del Departamento Editorial y Literario del Ministerio de Cultura de Palestina.



• CHIRANAN PITPREECHA nació en Tailandia en 1955. Poeta y traductora prominente de su país, ha llevado una vida dramática, lo que incitó el inicio de su carrera literaria. En los años 70 y a principio de los 80, hizo parte del movimiento estudiantil contra la junta tailandesa y escribió algunos poemas que son reconocidos por ser una  poderosa voz de la nueva generación y de la fuerza democrática de Tailandia. Después de la supresión sangrienta ocurrida en Bangkok en octubre de 1976, dos o tres mil activistas estudiantiles huyeron a la selva para unirse al partido comunista de Tailandia. Cinco años más adelante, cuando la revolución se volvió autodestructiva, Chiranan y la mayoría de sus camaradas estudiantes convertidos en guerrilleros decidieron rendirse y entregarse aprovechando una nueva ley de la amnistía promulgada por un régimen más liberal. Entre 1982 y 1987, ella continuó su educación en el exterior y recibió dos títulos honoríficos de la Universidad de Cornell en Nueva York (título de pregrado en ciencia política y de postgrado en historia). En 1989, su primer libro Bai Mai Thi Hai Pai (La Hoja Perdida) ganó el prestigioso Premio de Literatura del Sudeste Asiatico (el libro se ha convertido en un bestseller absoluto en Tailandia, siendo reimprimido 25 veces y habiendo vendido más de 200.000 copias a la fecha). Desde entonces, ha incursionado en muchos campos de la escritura como la poesía, la historia, los artículos de viajes, los comentarios sociales, los guiones para Televisión, la traducción de libros y los guiones para películas. Chiranan también ha estado comprometida con campañas a favor de las causas sociales y el medio ambiente. Actualmente, es consultora del nuevo Museo Nacional Descubrimiento en Bangkok y de otras asociaciones sin ánimo de lucro. Ha participado en varios eventos literarios internacionales como  en los festivales internacionales de la poesía de Nicaragua (2007), Rumania (2006), Colombia (2005), Portugal (2004) y Japón (2004). En círculos académicos, ha presentado su trabajo y dado conferencias en el East West Center de Honolulu (2005), la Asociación Asia de Nueva York (2005), la Universidad de Wisconsin en Madison (2004), la Universidad de Washington en Seattle (2003) y la Universidad de California en Berkeley (2002). Publicaciones: Thailand: A Story, 2008. Another Dream,  Autobiography, 2006;. Luang Prabang: The Heart of Lan Chang. History of Laos, 2003;  Legendary Travelers.  Western explorers in Asia, 2000; English lessons from movies, 1998; Shadow Gazing). Movie reviews and humors, 1993; The Missing Leaf). S.E.A.Write Award poetry book. -All time best seller in Thailand, now in 25thprinting-, 1989; A Man Named Louis.  The adventurous life of Anna Leonowens’ son in Siam., 1988.


• RACHEL TZVIA BACK nació en Buffalo, Nueva York, Estados Unidos, en 1960. Es poeta, traductora, activista, y profesora de literatura. De una familia mitad judía, ha vivido en Israel la mayoría de su vida, aunque continúa escribiendo en inglés. Su trabajo incluye las antologías De las ruinas y el retorno: Poemas 1999-2005; Acimut; Los Poemas de Buffalo; y Letanía. Es también autora de la obra crítica Llevada por el Lenguaje: La Poesía de Susan Howe. Su traducción de la obra del importante poeta hebreo Lea Goldberg, Lea Goldberg: Poemas y Dramas Selectos, ganó el un premio PEN de traducción en el 2005; por una antología llamada Poesía de Protesta Hebrea 1984 -2004, en la cual se protesta por la ocupación israelí del oriente palestino y la opresión de su gente, ganó el premio Pluma de Hierro. Adicionalmente, los poemas y traducciones de Rachel Tzvia Back han aparecido en numerosos diarios norteamericanos y de otros países, como  The American Poetry Review, Sulfur, Bridges, Tikkun and Modern Poetry in Translation, así como en varias antologías incluyendo Anthology Dreaming the Actual: Contemporary Fiction and Poetry by Israeli Women Writers and The Defiant Muse: Hebrew Feminist Poems From Antiquity to the Present. En febrero de 2002, participó en lecturas que incluían varios poetas israelíes que presentaban su trabajo llamada en "Poetry of a Punished Land." (Poesía de una Tierra Castigada). En esta ocasión, viajó con importantes poetas israelíes y palestinos como Meir Weisletier, Aharon Shabtai, Taha Muhammed Ali, y Peter Cole, a los distintos sitios donde se iban a presentar como la Universidad de Wesleyan, la Universidad de Princeton, la Universidad de Rutgers y la Universidad de Barnard. Desde entonces, Back ha sido invitada a presentar su trabajo como poeta a varias prestigiosas universidades norteamericanas. Trabaja como profesora de literatura en lengua inglesa en la universidad de Oranim, en Haifa. Tiene tres hijos y vive en una pequeña aldea en Galilea, al norte de Israel. Como dice en el descriptor de Azimuth (Acimut): "con tolerancia y gravedad, con una tenacidad apacible, reservada, Rachel Tzvia Back trae la poesía de la indeterminación para que sea posada sobre el paisaje demasiado definido de Israel. Su verso lastima, como la tierra misma ha sido lastimada: su ondulante música es delicada y trabajada, y su evocación de la intimidad es impresionante. Tan político como personal, Acimut nos muestra como la historia y los horizontes lingüísticos se encuentran y quiénes somos o seremos ante ellos." (Peter Cole).


• BASSEM AL MERAIBY nació en Irak. Estudió actuación y dirección de teatro en la Academia de Bellas Artes en Bagdad. Ha publicado nueve colecciones de poemas y con la primera de ellas Al- Atil an alwardah (Desempleado de flores) (publicada el año 1998 en Londres) ganó el premio Yusuf Al Khal de poesía. Está  interesado en América Latina, política y culturalmente, por lo que ha escrito más de un artículo sobre el tema, entre ellos Latinoamérica es un panorama de imaginación y sangre. Trabaja en prensa cultural. Ha escrito ensayos culturales, políticos y obras de teatro. Es el editor responsable de la revista de poesía “Malamih”. Sus poemas han sido traducidos en varios idiomas como el inglés, el sueco, el persa, el polaco, el alemán y entre otras. Vive en Suecia. Sus colecciones de poemas son:  Desempleado de flores, 1988; Palabras luego palabras, 1997; La imagen de la tierra, 1997; La tierra amarga, 1998; Cielo con sólo un pájaro, 1999; Más que un trance, 2003; Bloodcracy, 2004; Sombras y mascaras, 2007; Ningún espacio para nosotros, 2008; Festival, poemas para niños, 1986; Luna, sol, estrellas, poemas para niños, 1989. Otras de sus obras son: El banco del dolor, artículos culturales y políticos, 2004; Poesía como luz y tiniebla, opiniones acerca de la poesía y los poetas, 2008. // “El poema ¿es la pregunta o la respuesta del poeta? // ¿El poema es la respuesta del poeta a las preguntas existenciales?... ¿O es  la gran pregunta que él lanza al rostro de la vida? // Todo poema es una pregunta y una respuesta / Cada poema en su sentido más profundo es como la actitud vacilante de las estrellas / acerca de su eterna y misteriosa existencia. // Recuerdo las siguientes preguntas en un poema anterior / Al final de cada poema / una mujer misteriosa me pregunta: / ¿Quién eres? / ¿Quién eres? Luego de cada poema / me pregunto o me contesto / ¿Quién soy? / ¿Quién soy? // Pero, lo que el poeta conoce con certeza, es el peligro que encierra su elección en un mundo de creciente ferocidad. Entonces el poema está desnudo frente a todos los arsenales del terror, de la degradación y de las armas. Al extremo que la pregunta parece ser turbulenta y sin embargo expresa la inmensa potencia del poema y la fuerza de su fe; cuando éste se transforma en la otra cara del sueño. / El sueño acerca de un sueño donde el mal es obstruido, esto representa el gran poema de la humanidad. No existe nada, nada más fuerte que esta fe o al menos nuestra apuesta por ella, apostar al poema, un poema que sueñe al mundo en el mundo, que se expanda y crezca al igual que un bosque surgiendo sobre un bosque de armas letales... En medio del delirio venenoso que rodea, desde todas las direcciones, al organismo, el poema se alza como el lenguaje de la claridad....el lenguaje que le pertenece al alma, un alma que no puede reconciliarse con un mundo que se desliza hacia la destrucción. El poema es el silencio que permanece más allá del lenguaje...y el válido lenguaje luego del silencio.”


• MAMTA SAGAR nació en la India en 1966. Poeta y dramaturga. Tiene tres colecciones de poemas: Como esta canción, 2007; Huellas del pavo real salvaje, 1992 y La humedad del río, 1999 y cuatro piezas de teatro. Su obra La oscilación del deseo, está incluida en la antología, Staging Resistance: Plays by Women in Translation (Organizando una resistencia: Obras por mujeres traducidas), 2004. Temas de mujeres, una colección de ensayos escritos en kannada e inglés acerca del género, el lenguaje, la literatura y la cultura, 2007, es su más reciente libro. Representó a la India en el noveno Festival de Poesía del África que se celebró en octubre de 2005 en Durban, Sudáfrica. Traduce poesía africana y francófona contemporánea al Kannada. Ha dirigido talleres de teatro y poesía terminando con lecturas y producciones para mujeres, niños y personas de las comunidades marginadas. Sus poemas han sido traducidos a idiomas de la India tales como Marathi, Hindi, Malayalam, Bengali, Telugu, como al inglés, español y francés; su obra se ha publicado en varios periódicos y antologías de poesía en los idiomas mencionados anteriormente. El trabajo que está realizando en su doctorado en la Universidad de Hyderabad es sobre literatura comparativa y su tesis se titula Género, patriarcado y resistencia: Poesía femenina contemporánea en kannada e Hindi, 1980-2000. Con una especialización en Literatura comparativa, Estudios de género, Literatura Kannada y Discurso cultural, ha presentado sus obras en importantes seminarios nacionales e internacionales y conferencias.  Actualmente enseña en el Centro para estudios Kannada, en la Universidad de Bangalore y vive en Bangalore, India. Ha combinado la creación con los asuntos femeninos contemporáneos. “La poesía ha sido mi primera elección para la expresión creativa. A través de mis poemas exploro el lenguaje, formulado por los hombres, para expresar e indicar sentidos en un mundo altamente marginado que siempre ha alienado la  mujer”. Ella “se siente orgullosa de escribir en su lengua natal a pesar  de que hay limitaciones al escribir en cualquier lengua regional actualmente en un orden mundial tan amplio…”


• QUCHQOR NORQOBIL nació en 1968 en la región de Surkhandarya, Uzbekistán. Estudió en la Universidad Nacional de Uzbekistán. Es poeta, escritor y ensayista. Entre sus libros de destacan Soy El Que Aún No Cumple Los 18; Sonríe Alegremente, Querida; Un tulipán en la nieve; Una amapola en mi mano; Conversación Con Khosiyat y También somos un ser humano. Su obra de teatro We are also a human being, está actualmente en producción para ser representada. Norqobil es  miembro de la Asociación de Escritores de Uzbekistán y es un periodista galardonado de Uzbekistán. Ganó el premio Usmon Nosir. En sus trabajos creativos, el amor, el destino de la gente y la guerra son el tema principal. Los trabajos de Norqobil han sido traducidos a muchos idiomas y él se ha presentado en muchas conferencias internacionales.


• NGUYEN BAO CHAN nació el 23 de noviembre de 1969 en Haiphong, Vietnam. Se graduó del programa de Escritura y Edición de la Universidad de cine y teatro de Hanoi en 1991, y actualmente trabaja como editora y guionista para Vietnam Television. Nguyen Bao Chan a publicado dos libros. El primero, El río quemado, 1994, recibió un premio de la Unión vietnamita de arte y literatura. El segundo, Atravesando el invierno, fue publicado en 1999. Es una de las cien poetas vietnamitas incluidas en el resiente antología bilingüe La musa desafiante: Poemas vietnamitas desde la antigüedad hasta el presente, publicado en 2007. En un ensayo suyo sobre la poeta, Una nueva voz dentro de la antigua fortaleza, afirma Trinh Y Thu: “La poesía moderna puede ser brutalmente seca y carente de emoción. Pero, puedo decir con cierta certeza que este no es el caso de Nguyen Bao Chan, quien  en años recientes ha emergido como una de las voces más importantes entre las mujeres poetas de la literatura vietnamita. La poesía vietnamita, con su larga tradición que data de los períodos Li-Tran e incluso antes, tiende a lo lírico y se halla cargada de emoción. La poesía de Nguyen Bao Chan, al menos en la superficie, parece gravitar hacia esa tendencia, aunque en ocasiones su lenguaje dirige al lector en la dirección contraria. Ella ha vivido, de hecho desde su segundo cumpleaños, en la ciudad de Hanoi, denominada como la tierra de la cultura de los mil años; y la ciudad tiene una gran influencia sobre su pensamiento y actividades culturales. Este hecho se refleja con claridad en sus poemas.  Hanoi no es solamente la ciudad antigua del país, es también testigo del nacimiento de una nación hace miles de años. Rodeada por esa tradición, no nos sorprende entonces que su voz tenga un tono tiernamente nostálgico. Aquí, la poesía puede ser tan blanda como la nieve y la melancolía en sus palabras es irreprimible.  No obstante, no sería correcto categorizarla como una tradicionalista. A pesar de que no podemos referirnos a sus poemas como experimentales, son modernos en el sentido que los sentimientos se expresan de un modo íntimo.  No hay nada que ocultar, y el ser interior es examinado enérgicamente por la   conciencia, casi como si estuviera realizando  una meditación. El resultado es una poesía que nos habla desde el alma. Viviendo y comprendiendo perfectamente las molestias y dificultades de la vida moderna. Sin embargo,  ella no desea causar una “onda expansiva” explorando demasiados tabúes  como sucede en la obra de sus contemporáneos. Su lenguaje extremadamente sensual y pleno de significado crea una esfera de intimidad que acerca a sus lectores a sus propios sentimientos. Y, ese es el propósito de su trabajo, compartir sus sentimientos con el otro. Ella no tiene la necesidad de arrojar su desesperación dentro de su poesía. Cada una de sus palabras han sido cuidadas y valoradas por ella con amor, tierno y afectuoso. Y esa es la cualidad de un verdadero poeta.  Su uso de la lengua vietnamita es siempre innovador…”



• KHOSIYAT RUSTAMOVA nació el 21 de marzo de 1971 en la región de Namangan, Uzbekistán.  Es una de las voces brillantes de la poesía contemporánea de Uzbekistán. Graduada de la Universidad Nacional de Uzbekistán, ha publicado muchas colecciones de poesías incluyendo Una casa en el cielo; Rescate; y Una pared.Escribe acerca del amor, los sentimientos, como una cuestión de vida o muerte. Es un miembro de la Asociación de Escritores de Uzbekistán. Fue premiada con la medalla “Shuhrat” (Fama). Al decir de su traductor al inglés el poeta uzbeco Azam Abidov: “Los versos de Khosiyat Rustamova son resaltables por su profundidad intelectual, su desesperación y modestia. Su valor artístico es rico en color. Sus versos fluyen de las capas más profundas de su corazón. Las líneas son fluidas y los sentimientos sinceros. En pocas palabras, el futuro de una talentosa poetiza, que incursionó en la gran poesía, es verdaderamente esperanzador. La creación de Rustamova prueba el hecho de que ella desea no sólo vivir o sólo escribir de la manera usual. Sus escritos son sinceros. No hay mentiras ni sentimientos falsos. Alguna vez escribió: ¡Vida! Si no te acuerdas de mí/ La muerte nunca sabrá de mi existencia/ ¡Dios mío! ¿La muerte se olvida de alguna creación? Si es así, eso es literatura. Si es así, eso es poesía. De repente lágrimas acuden a tus ojos. Tratarás de consolarte a ti mismo…”


• ANDREI KHADANOVICH nació en Minsk, Bielorrusia, en 1973. Es un importante líder de la generación joven de intelectuales de Bielorrusia. Es poeta, traductor y autor de ensayos. Ha escrito seis libros de poemas titulados Staryja viershy, 2003; Listy Z-pad Koudry, 2004; Rimas Bielorrusas, 2005; De Bielorrusia con amor, 2005; Sto li100u Na tut.by, 2007; Berlibry, 2008. Es traductor de inglés, francés, polaco, ruso y ucraniano. Es profesor de literatura en la Universidad Nacional de Bielorrusia y en el Liceo Nacional Bielorruso de Humanidades. Es jefe del taller de traducción del Colegio Bielorruso en Minsk. Es uno de los organizadores del concurso de literatura para niños Ya Maju Tvor. Sus poemas se han traducido al inglés, alemán, lituano, polaco y ucraniano. A menudo ha sido llamado el más vívido descubrimiento de la escena poética bielorrusa moderna. Enseña literatura francesa en la Universidad Nacional de Bielorrusia, así como en el Liceo Nacional Bielorruso de Humanidades, escuela que fue cerrada por las autoridades hace varios años. La poesía de Khadanovich es claramente postmodernista. Hace sus rimas perfectamente, creando una especie de mezcla entre sus propios pensamientos y conocidas citas de poesía rusa y bielorrusa, así como de frases de éxitos de rock occidentales. Teje hábilmente una tela hecha de elaborados juegos de palabras que, inevitablemente, llaman la atención. Usa combinaciones inesperadas de refranes populares creando numerosos nuevos significados. Esto, sin embargo, hace extremadamente difícil (por no decir imposible) traducir sus poemas a otros idiomas. "Si se desea definir la poesía, es lo que se pierde en la traducción", le gusta decir a Khadanovich.


• MAHBOBAH EBRAHIMI nació en Kandahar, Afganistán, en 1976. “Tenía apenas 3 años cuando la guerra, con su siniestra sombra, acabó con la felicidad de mi niñez y tuvimos que emigrar a Irán. Me gradué del pregrado de ciencias básicas de la salud en la Universidad de Teherán. Al principio de mi adolescencia comencé a escribir poesía y en 1998 me casé con un poeta afgano. El resultado de esta unión son dos hijos, un niño de 9 años y una niña de 2. Estoy en embarazo de otro niño, que nacerá en marzo o abril de este año 2008. Mi primera colección de poesía es El viento es mi hermana. Trabajé como Jefa de Redacción del periódico cultural "Farkhar" y como Jefa de Redacción de la revista mensual “Neda”, dedicada a las mujeres. En 2007, luego de mi larga estadía en Irán, volví a mi patria Afganistán, dónde ahora vivo con mi familia.”

Poetas de Europa

• MARCOS ANA Nació en Aleonada, una pequeña aldea de Salamanca, en 1920, en el seno de una familia pobre de jornaleros del campo. Su vida ha estado marcada por una pasión constante en defensa de los oprimidos y desheredados y una entrega absoluta a su ideal comunista. Desde su primera juventud, luchó del lado republicano, durante la guerra civil española. Al terminar ésta, en 1939, fue detenido, junto a millares de demócratas, y condenado a muerte. Permaneció encarcelado durante 23 años ininterrumpidos: toda su juventud y la mitad de su vida. En esa Universidad dolorosa escribió los poemas que traspasaron las cárceles y llevaron su nombre a través del mundo, contribuyendo a desencadenar una campaña de solidaridad en su favor. Fue uno de los primeros presos políticos españoles defendidos por Amnistía Internacional. Al ser liberado en 1961, Marcos Ana recorrió Europa y gran parte de América, siendo recibido en Parlamentos, Universidades y centenares de concentraciones populares, promoviendo y organizando la solidaridad con los presos políticos y sus familias y denunciando las prácticas fascistas que, por entonces, se realizaban en España. Fundió y dirigió en París, hasta el final de la dictadura franquista, el Centro de Información y solidaridad con España (CISE), que presidió Picasso. Apoyado por personalidades de la cultura y la política europeas, este Centro organizó la defensa de los derechos humano, la acción por la Amnistía general y la ayuda moral y material a todas las víctimas de la represión política.


• BERNARD NOËL nació en Francia, en 1930. Poeta, ensayista, historiador, crítico de arte; uno de los intelectuales más lúcidos de la actualidad. Premio Nacional de Poesía en 1992 y Premio Max Jacob en 2005. Desde 1953 ha publicado valiosas obras, entre ellas: Los ojos quiméricos; Las esencias del cuerpo; La cara del silencio; El diccionario de la comuna; El ultraje a las palabras; Una misa blanca; El 19 de octubre de 1977; El castillo de Hors; De una mano oscura; Ruidos de las lenguas; El verano lengua muerta; La mitad del gesto; Poemas 1; La caída de los tiempos; El infierno, se dice…; Fábulas para no; El rencuentro con Tatarka; El rumor del aire; Periódico de la mirada; Once novelas de ojo; Retrato del mundo; La reconstrucción; Las primeras palabras; El castillo de Cène; La sombra del doble; El síndrome de Gramsci; La castración mental; La enfermedad de la carne; El espacio del deseo; El resto del viaje; El tú y el silencio; Trece casos del yo; Magritte; La lengua de Ana; La enfermedad del sentido; La novela de Adán y Eva; Novelas de una mirada; El regreso de Sade; Los ojos en el color; El trayecto en invierno; El surco del sentido; La vida en desorden. “…En un poema, ¿dónde se está? Se está sobre un territorio  que ha recogido las huellas de un acontecimiento. Me gusta pensar que un poema es como un acontecimiento natural. El acontecimiento que provoca una fuerza natural. Como una tormenta, por ejemplo. Una tormenta verbal. Esa tormenta verbal deja rastros que son los versos del poema. Pero cuando el lector toma el poema, es él quien se convierte en el territorio del acontecimiento verbal. Un acontecimiento cuya lectura provoca la repetición, pero no idéntica, por supuesto. El poema es una suerte de acontecimiento informal.// Una invasión, una lógica del cuerpo así de simple si se considera también la soledad, la duda, el despertar místico: quien escribe con el material en bruto de su vida y de su mirada, con sus carencias, su impotencia, busca un espacio que ni los otros ni la época le pueden dar: un espacio vital [...] Lo que nos perturba en el sentimiento, es que él nos dilata en el deseo, y que toda nuestra parte femenina se abre, espera, reclama esta invasión. Esta fusión. Mientras más el poema le da cuerpo a esta espera, más borra los contornos, y su figura, encerrando una forma, se convierte en el centro de una apertura, de un despertar. No es más una mirada acostada en un libro, es una oralidad. Vibración y energía. El cuerpo lentamente busca su gravedad para no volatilizarse totalmente. O se volatiliza para revelar el espacio de su desaparición [...] En la eternidad y la modernidad del poema, Dios elimina airadamente su nombre. La metáfora toma el lugar del símbolo para dar cuenta de una energía que uno duda hoy en llamar amor.”


• JÜRI TALVET nació el 17 de diciembre de 1945 en Pärnu (Estonia). Licenciado por la Universidad de Tartu en Filología Inglesa (1972) y Doctor en Literaturas Occidentales por la Universidad de Leningrado (San Petersburgo) en 1981 con una tesis sobre la novela picaresca española del Siglo de Oro, ha impartido cursos de historia de la literatura occidental en la Universidad de Tartu desde 1974 (desde 1992, es Catedrático de dicha especialidad). Ha sido también el fundador de los Estudios Hispánicos en su universidad (en el curso 1992-1993), que continúa dirigiendo. Desde 1994 preside la Asociación Estonia de Literatura Comparada y desde 1996 es director del anuario internacional de la misma Asociación, Interlitteraria. Ha traducido al estonio numerosas obras de las literaturas hispánicas  (el Lazarillo de Tormes, poemas de Quevedo,  el Oráculo manual de Gracián, La vida es sueño y El gran teatro del mundo de Calderón, El burlador de Sevilla y convidado de piedra de Tirso de Molina,  Los cachorros, de M.Vargas Llosa, los cuentos de G. García Márquez, poemas de S. Espriu, etc.). Como investigador y crítico, ha publicado Hispaania vais, 1995, Tõrjumatu äär, así como más de cien  ensayos y artículos sobre literatura y cultura en revistas de Estonia, Rusia, España y Estados Unidos. Ha sido galardonado con el Premio Anual de la Literatura Estonia (1986), el premio Juhan Liiv de Poesía (1997) y el premio Memorial Ivar Ivask, de poesía y ensayo (2002). Obras. Poesía: Despertares, 1981; El sagitario y el grito, 1986; El progreso del alma y sorpresas climáticas, 1990; Elegía estonia y otros poemas, 1997; ¿También tienes uvas?, 2001; Del sueño, de la nieve, 2005; Elegía estonia y otros poemas (una selección de sus poemas traducidos al español, Valencia, 2002. Ensayos: Un viaje a España, 1985; De España a América, 1992; El espíritu español, 1995; Apuntes americanos y contemplaciones de Estonia, 2000; La cultura simbiótica, 2005; El borde irrefutable, 2005; A Call for Cultural Symbiosis, 2005; obra traducida al inglés por H. L.Hix.  “…Creo que una de las tareas del poeta es estar abierto a todo lo que le rodea, evitar ser demasiado selectivo, no pensar que la poesía sólo tiene que ver con la esfera estética y la esfera cultural, o que la poesía pueda aprenderse en los libros... Creo que un poeta, un verdadero poeta, debería estar abierto al mundo que le rodea y que ello le proporcionase la sensibilidad necesaria para crear imágenes, imágenes personales e individuales capaces de llegar al lector, al público. […]  De modo que, en primer lugar, aconsejaría tanto a los poetas estonios como a los americanos que se mantuvieran abiertos; en segundo lugar, estoy de acuerdo con Hegel cuando prevenía a los jóvenes poetas contra la tendencia de ser demasiado filosóficos en la etapa inicial de su poesía, cuando les aconsejaba que no fueran abstractos al principio. Es más recomendable empezar por imágenes concretas y hasta sensuales, y sólo más tarde tratar de integrar la filosofía a sus imágenes. Desde mi punto de vista, esto sería lo óptimo. Sé, por supuesto, lo difícil que es lograrlo, y admito que ni siquiera yo mismo he podido evitar siempre que mis poemas fueran excesivamente abstractos. Esto es bien cierto. […]  por otro lado, la filosofía poética es el elemento más importante en la poesía. Si a la poesía le falta su propia filosofía, si es poesía meramente impresionista, sin duda sigue siendo poesía, pero poesía mediocre…”


• EDUARDO PITTA poeta, novelista y ensayista portugués, que nació el 9 de agosto de 1949 en Mozambique. Ha publicado los libros de poesía: Sílaba a Sílaba, 1974; Um Cão de Angústia Progride, 1979; A Linguagem da Desordem, 1983; Olhos Calcinados, 1984; Archote Glaciar, 1988; Arbítrio. & etc., 1991; Marcas de Água, 1999; Poesia Escolhida, 2004. Ensaio e Crítica: Comenda de Fogo, 2002; Fractura, 2003; Metal Fundente, 2004; Intriga em Família, 2007; Língua dos Eleitos, 2007.  “…Estamos, así, ante una poesía que alcanza su vocación más singular cuando se sumerge en sensaciones o emociones fuertes, intensas, cercanas a los extremos o a las altas temperaturas (…) son palabras capaces de quemar como el fuego o el hielo, imágenes que surgen en la “inminencia del desastre” y se coagulan en una violencia verbal que atribuye al viento una dulzura de lámina o puede incluso descender a la realidad más cruda de lo cotidiano (…) También el dominio amoroso —absolutamente esencial en Pitta— aparece contaminado por la misma carga expresiva, por la misma intensidad. Cuando vemos el rostro de alguien definido como “un mapa / traspasado de ciudades saqueadas”, comprendemos hasta qué punto el erotismo corresponde aquí, en mayor o menor grado, a un territorio de seducción cuya fiebre desencadena un frenesí que involucra a veces una notable dosis de violencia (…) De hecho, aunque Pitta sea un poeta portugués y se haya apartado de la realidad mozambiquense de las últimas décadas, subsiste en su poesía la presencia nostálgica (...) de una “tierra / intacta y pura” ya perdida…” Fernando Pinto do Amaral). / “Además de poeta, ensayista y crítico agudo, sensible, minuciosa y perversamente bien documentado, Eduardo Pitta recorta, en el territorio resbaladizo de nuestras letras, un perfil singular y fuerte, de fulgores breves, nítidos, bruscos y decididos que le dan una identidad particular e inconfundible. Desde el primer libro (…) ya su voz se nos presentó hecha y segura, mostrándonos un discurso inquietante, sensual, ocasionalmente amenazador o al borde de lo casi siniestro, solar y voluptuoso, pero que incorpora, con igual apetencia, lo nocturno, lo violento y lo casi salvaje (…) Poeta de los más notables entre aquellos que en Mozambique se hicieron y de allá salieron, aunque esto no sea dicho con frecuencia, la marca de su poesía no tiene sin embargo mucho que ver con el llamado color local, así puedan hallarse en algunos trechos referencias de esa naturaleza…” (Eugénio Lisboa).


• GERHARD FALKNER Nació en Alemania en 1951. Poeta, dramaturgo, ensayista y traductor. Obra poética: Así Comienzan los Días Junto a tu Cuerpo; Aliento bajo la Tierra; Wemut; Berlín – Cartas del Corazón de Hierro; Poemas Americanos; Singular de la Persona Número X; Música de la Cabeza. Al decir de Peter Geist, en un ensayo suyo sobre Falkner: “Según Roland Barthes, la literatura se ha tornado en un estamento cada vez más amenazado por la muerte, teniendo que defender, más que sus adornos, su piel misma. De este diagnóstico extrae Gerhard Falkner su cometido poético: defender la poesía como necesidad existencial, en contra de una formación social que, fetichizando el mercado, nutre sistemáticamente la imagen de la superfluidad de la poesía. Este propósito se vincula a una posición crítica frente a la producción literaria en la Alemania Occidental de finales del siglo XX, cuyo diletantismo redunda en lugares comunes o cuya presunta “nueva subjetividad”, guiada por el afán de documentar, termina extraviada en lo accidental. Se trata de una estética que no abandona la superficie, a la que Falkner opone su estética de lo sorpresivo y del sobresalto. Éste último actúa como móvil de la transformación poética y permanece a la vez cristalizado en el poema. “Los poemas pueden desencubrir un sobresalto que todo otro lenguaje le ocultaría al cuerpo”, afirma Falkner. Para lograrlo, deben acontecer “como catástrofes”, ser “indomables”, y llevar a la luz, quebrantándolo y limpiándolo, el “lenguaje de la catacumba” que genera oscuridad y dificultad. Como lo anuncia ya su primer libro: Así comienzan los días junto a tu cuerpo; – así empiezan en el cuerpo los días, el lenguaje estrechamente ligado al cuerpo es el punto de partida de la poesía de Falkner. El entrelazamiento de estímulos, impresiones, reflexiones y movimientos en medio del ámbito del lenguaje ofrece al lector un referencialidad a la vez compleja y sensual. Sensación y expresión se aúnan en el poema mediante un trabajo riguroso sobre el lenguaje. De ahí el valor privilegiado concedido por Falkner a la destreza a la hora de aplicar las técnicas poéticas. Pareciendo pecar de modestia, su aforismo contiene, por el contrario, esta gran exigencia: “El arte sólo tiene un secreto, es la gramática”. De sus posibilidades e imposibilidades se sirve Falkner para que la palabra y las palabras, transformadas y trastocadas, expresen lo que pueden decir, mas nunca dijeron. Los criterios para ello son la precisión y el acierto de lo que ha de ser dicho, sin que su poesía pueda etiquetarse como “experimental”. El compromiso del poeta no sirve a ninguna tendencia, sino que ha sido contraído con el lenguaje mismo. Lo que está en juego es la visión fundamental de que aquel lenguaje en el que nos instalamos con placer y comodidad no es más que un lenguaje desgastado, el cual el poema puede rebasar – estremeciendo, sobrecogiendo, sobresaltando.”


• ARJEN DUINKER nació en Delft, Holanda, en 1956.  Estudió psicología y filosofía. Ha publicado una novela y ocho volúmenes de poesía en los Países Bajos. Uno de sus poemas fue traducido a 220 idiomas diferentes para un proyecto titulado “World Poem” (Poema Mundial). Actualmente, en conjunto con el artesano del vidrio Bernard Heesen y la diseñadora gráfica Désirée Achterkamp, trabaja en la elaboración del diccionario enciclopédico “The World of The Glassblower” (El Mundo del Soplador de Vidrio). Igualmente, tiene unos proyectos de colaboración con el poeta chino Yang Lian. Cuando se publicó “Rode Oever”, su primer volumen de poesía, fue inmediatamente evidente que había surgido un poeta que no había sido cortado, o no quería serlo con el molde de otros poetas holandeses. El volumen incluyó algunos poemas que parecían ser poco más que descripciones unidimensionales de la realidad. Algo que Duinker hizo con tal equilibrio que la pregunta inevitable del postmodernismo se hacía completamente superflua. ¿Qué realidad? Sólo la realidad. Desde el principio la poesía de Duinker se ha ocupado de la realidad de las flores, piedras, montañas, lluvia, viento, hiedra, ríos, en fin, la realidad de las cosas como entes autónomos separados. Es decir,  la existencia de todas esas cosas con independencia del hombre, del pensamiento demasiado humano, sin la interposición de abstracciones que alcen su cabeza tan pronto como un ser humano abra su boca. En su segundo volumen, “Losse Gedichten”, podemos leer: “si me das abstracciones, / te daré un ventilador de la madera / Nada es más ajeno a mi que la creencia / que la conexión emocional / a través del pensamiento. Lo qué él desea es eso: que las cosas / las cosas mismas se hagan visibles.” En sus colecciones, Duinker ha tratado constantemente de ocultar su propia personalidad, su esencia y bagaje, para contrabandear en sus poemas las cosas que experimenta sin pensar: el “sin esfuerzo”, la evidencia propia de la existencia de cosas como flores y piedras. En cada poema es como si el poeta fuera, en cita sacada de “Het uur van de droom”, “requisado por una realidad inhumana e ininterpretada”. Las cosas esculcan sus bolsillos, sus ropas, su cabeza, su personalidad entera buscando esa cualidad demasiado humana que permite que los hombres siempre se perciban a si mismos como enfrentando la realidad. En su colección más reciente, en el poema largo “Las Horas” dice: “(...) me permite permanecer en la sombra / de cada posibilidad. / Viene a mí / y me requisa / retrocede / y comienza a reír.” La risa de la realidad misma es a menudo oída en su poesía. Esta risa se asegura que la piedra que no puede florecer lo haga, que la abstracción permanente de la lengua se convierta en ventiladores de madera en las manos de Duinker y que los lectores inmediatamente oigan a la realidad misma hablando, diciendo “me mantengo en silencio sobre la realidad”. El poeta llama “Vengan, cosas que se quedan y ríen, nótenme!”. Esta petición, ese deseo de ser parte de una realidad indivisa, una realidad experimentada no con la mente sino con todos los sentidos, conduce a la poesía que viene en busca de las cualidades demasiado humanas del lector. Los poemas se acercan al lector, esculcan sus bolsillos, revisan las costuras y los dobladillos de su personalidad, su esencia, su bagaje, amable pero resueltamente sacudiéndolo.


• BRANE MOZETIČ nació en Ljubljana, Eslovenia, en 1958. Poeta, narrador y traductor. Ha publicado los poemarios Blancanieves es siete enanitos, 1976; Soledades, 1987; Lo azul del contacto, 1986; Conjuros, 1987; Red, 1989; Obsesión, 1991; Poemas por los sueños muertos, 1995; Mariposas, 2001; Banalidades, 2003; Más banalidades, 2005 y Todavía más, 2007. Es también autor de prosa breve Pasión, 1993 y de las novelas Ángeles, 1997 y Una historia perdida, 2002. Ha traducido al esloveno autores como Arthur Rimbaud, Jean Genet o Michael Foucault. Es editor de las colecciones Aleph y Lambda de la editorial Škuc de Ljubljana y director del Centro para la promoción exterior de la literatura eslovena. La poesía de Brane Mozetič (1958) dibuja una “historia” de las fascinaciones sensibles, en mayor parte homoeróticas, en las que el lenguaje de los sentidos se amalgama con el lenguaje del cuerpo. Se destacó con una poesía que es consecuente y estrictamente lenguaje del cuerpo, una especie de diccionario de la sensualidad insaciada que en los ritmos alegres de la danza, en el viaje frenético de un cuerpo al otro, ansía salvarse del círculo vicioso de lo mismo. La corriente de asociaciones poéticas, que mucho les debe a los poetas malditos, procura dar forma a la obsesión y a la simultánea impotencia del voluptuoso juego sexual. La fascinación con el amar peligroso, embriagadoramente bello y extático no puede revocar y borrar el desencanto ante la imagen del mundo como vacío sin sentido, como pura nada. La fatigosa corriente de actos amorosos y entregas se desenlaza irremediablemente en sentimientos de angustia, dolor y miedo. A causa de la insistente repetición, la ceremonia amorosa obtiene las características de un rito, en el que los amantes se convierten, en el círculo de conjuros sensuales, en sacerdotes de una divinidad nueva, joven. El mecanismo ansioso y enajenado de seducciones y enlaces, de fascinaciones y desilusiones continúa, a pesar de todo, su marcha sin sentido en el juego de una especie de relación amorosa. La liberación instantánea del deseo y el olvido momentáneo de sí mismo son seguidos por la duplicidad de los dos amantes, cada uno de ellos queda “solo, reseco en el vibrar del vacío”, si tomamos prestadas las palabras del poeta. La red de la lengua y del estilo de las alocuciones eróticas de Mozetič y de las fórmulas de conjuros está entretejida con respiraciones jadeantes, largas, que a menudo se prolongan al verso siguiente. La repetición frecuente de palabras expresa con elegancia un erotismo apasionado e irredimible.



• ERIK SPINOY nacido en Aalst, Bélgica, en 1960. Es un poeta racional que recurre a la poesía y al lenguaje cuando el raciocinio lógico se hace insuficiente. Como pensador que es, explora los límites de la cognición; como poeta, se pregunta cómo puede la poesía trascender dichos límites. La poesía de Spinoy se ocupa de la relación del hombre con realidad. Aquel que quiere representar la realidad tiene que liberarla del engaño de sus propios prejuicios: para representar la realidad como es, ella tiene que ser expuesta; y una forma de hacer esto es confrontar la realidad personal con la de otra persona. Para Spinoy, la filosofía y la literatura son dominios superpuestos. Dice que “un poema honesto y seguro de sí mismo trastorna la ilusión de inteligibilidad al mostrar el espejo que crea la ilusión”. El poema no es un reflejo de una realidad existente sino que crea su propio nuevo significado y hace de este proceso de crear significado su principal asunto. Spinoy ve el lenguaje como un instrumento que nos permite intentar, incluso en contra de nuestra razón, revelar aquello no puede ser revelado. Su poesía es rica en sonidos y conceptos ambiguos. En ella el autor exhibe un cariño por la preservación de las palabras hermosas que han caído en desuso y una fascinación por el lenguaje oracular. Spinoy escribe poesía controlada e irónica, tal como se puede esperar de un poeta pensador. Es una poesía restrictiva, pues en ella cualquier cosa que sea nombrada directamente desaparecerá de manera irrevocable. La poesía facilita el pensamiento, podría ser el lema de Spinoy. Obra selecta: Los Cazadores en la Nieve; Susette; Los Lobos Traviesos; L; Yo.



• ARMIN SENSER nació en Biel, Suiza, en 1964. En Berna Estudió Filosofía, Germanística y Lingüística. Publicó su primera antología poética, Gran Despertar, en 1999. Esta obra inaugural fue destacada por el cantón de Berna con el Premio al Libro y recibió igualmente el galardón del Debut Lírico, patrocinado por diversas fundaciones culturales de Alemania y destinado a impulsar a los nuevos poetas en lengua alemana. En palabras del escritor Jürgen Becker, la poesía de Senser logra cristalizar lo que él mismo define como fundamento de la creación poética: “toda obra necesita, para mantenerse, el pasado en su totalidad”. El nuevo poema se distancia de todo lo que ha sido escrito antes únicamente al permitirle una participación silenciosa. Senser satisface así la exigencia de no repetir lo que siempre se ha dicho, mientras renuncia a la vez al falso principio de la “originalidad” o la tabula rasa. Después de este Gran Despertar, los poemas de Senser han sido publicados en diversas antologías de poetas suizos y alemanes (Lagebesprechung. Junge deutsche Lyrik;  Swiss made. Junge Literatur aus der deutschsprachigen Schweiz; Die schönsten Gedichte der Schweiz) así como en antologías propias. Su libro Siglo de tranquilidad;, aparecido en 2003, se da a la empresa arriesgada de viajar entre la tradición y el presente del mundo espiritual occidental. Guerras frías, es su última obra, publicada en 2007. En ella Senser, conjugando poesía y pensamiento, dirige su mirada irónica al siglo acabado de empezar. Vive desde 1998 en Berlín. Trabaja igualmente como traductor, dramaturgo y ensayista.


• JOSEPH WOODS nació en County Louth, Irlanda, en 1966. Director de Poetry Ireland,  organización nacional para la promoción de la poesía en Irlanda dedicada a cuatro actividades básicas: publicaciones, educación, información y administración de eventos y recursos. También es miembro de la junta directiva de los  festivales Franco - Irlandés de poesía e Imram, éste último dedicado exclusivamente a la poesía en lenguaje irlandés. Igualmente, pertenece al comité editorial de New Writing (Nueva Escritura), el diario internacional para la práctica y de la teoría de la escritura creativa con sede en la Universidad de Gales. Entre sus publicaciones están Navegando a Hokkaido, 2001; Relaciones, 2005 y Nuestro Japón Compartido, 2007, antología de poesía irlandesa contemporánea. Entre sus obras también hay artículos en revistas como The Irish Times, Poetry Ireland Review, Cyphers, Cuirt Journal, Stand Magazine, The Gettysburg Review, Agenda, The Honest Ulsterman, Journal of Irish Studies IASIL-Japan y The Café Review. En el año 2000 le fue entregado el premio Patrick Kavanagh a la mejor colección inédita. Woods se personifica a sí mismo en sus poemas. En muchos se presenta como un tímido viajero peregrino en contacto con culturas extremadamente diferentes, aunque enriquecedoras (por ejemplo, Japón y Sicilia). Tiene muchos logros en su haber – el premio Patrick Kavanaghllegan en la lista con muchas realizaciones - una concesión de Patrick Kavanagh por la mejor colección inédita, una maestría en Literatura y la dirección de Poetry Ireland. El tono de Woods es distante, pero su escritura posee una gracia y una desenvoltura llamativas. El enfoque de Woods es engañosamente simple. Su poesía es muy visual y transmite acertadamente la sensibilidad del viajero o extranjero; sus ojos parecen buscar y aislar lo extraño y lo familiar, sin nunca poseer absolutamente los lugares u objetos que describe. Lo qué de inusual tiene su trabajo es que Woods supera los problemas de escribir sobre un lugar desconocido colocándose en ninguna parte, a la deriva, y casi ingrávido. Se trata de poesía contemplativa perdida en una ensoñación, y es puro placer a la hora de leer.



• AGRON TUFA Nació en 1967 en Suhadoll, región de Dibra de Albania del este, y estudió literatura en la Universidad de Tirana. Continuó sus estudios en Moscú en los años 90 en donde se graduó en Teoría de la Traducción, con especial énfasis en el trabajo de Joseph Brodsky. Desde su retorno a Albania, ha estado involucrado con la revista literaria E Për-7-Shme y fue editor del muy admirado periódico  El Aleph. Actualmente es redactor del suplemento literario La Palabra y enseña literatura en la Universidad de Tirana. Tufa ha publicado poesía y prosa notoria. Es el autor de las colecciones de versos Allí en la Puerta del Oeste, 1996 y El Rodeo de la Atlántida, 2002; y las novelas El Duelo,  2002, y Fabula Rasa, 2004). También ha traducido a muchos autores rusos, como Joseph Brodsky, Ana Akhmatova, Osip Mandelshtam, Boris Pasternak, Andrei Platonov, Mikhail Bulgakov, Vladimir Nabokov, y Vladimir Sorokin.


• TALE NÆSS es una poetisa y dramaturga noruega nacida el 22 de marzo de 1969 en Bærum. Næss estudió ciencias fílmicas. Creció en Trondheim, donde fue residente de la casa de escritores en los Consejos Ciudadanos de Trondheim entre 1997 y 2002. Su debut con la literatura en prosa fue en 1992 con su novela La luna no tiene manos. Desde entonces, ha escrito poesía, novelas y dramas para películas, radio y teatro. Escribió el libreto de la ópera religiosa Madonna Furiosa en 2005, la cual ha sido aclamada por la crítica noruega y mundial. Næss es actualmente una de las dramaturgas más interesantes de Noruega y su trabajo está siendo traducido al alemán. También ha hecho algunas obras de instalación y ha presentado su trabajo en exposiciones y festivales en Noruega, Suecia, Dinamarca, Polonia, Finlandia, Groenlandia y Egipto. Su colaboración actual con el dúo musical Kassbøll/Duch los ha llevado a hacer varios conciertos y próximamente se presentarán en Noruega con el patrocinio del Consejo Cultural Noruego. A través de sus lecturas, poesía e instalaciones, Næss ha desarrollado una fascinación por la voz humana. Esto se ha transferido a sus guiones para radio y teatro, donde la expresividad de la voz humana y la musicalidad de los sonidos toman un lugar central. Varios de sus trabajos exploran el campo que se encuentra entre el arte dramático, el trabajo literario y las artes visuales. En su mundo, dirigirse alguien es una manera de expresar nuestra humanidad. Dentro de esta forma de pensamiento, la voz se convierte en un vehículo para tratar "al otro". Næss está trabajando actualmente en un proyecto que combina prosa y performance, basado en las entrevistas realizadas durante varios viajes al oriente medio entre el 2005 y el 2006. El resultado será estrenado, con la colaboración del actor Trond Peter Stamsø Munch y del compositor Jovan Pavlovic, en Strondheim el 23 de octubre de 2008. Tale Næss ha publicado varios textos en revistas y antologías literarias entre de 1988 y 2008. Su última publicación fue un ensayo sobre el texto y la voz humana, publicado en la revista literaria Ratatosk en septiembre de 2007 y en la antología Filme y Emoción, publicada en noviembre de 2007, por la casa editorial Gyldendal. Tale Næss ha dirigido, desde el verano de 2007, la compañía productora NOOR Productions Ans en compañía de su esposo, el actor Trond Peter Stamsø Munch.



• HENRIK NILSSON nació en 1971 en Malmö, Suecia, donde vive. Su primer libro de poemas "Sin zapatos" (W&W), publicado en 1993, fue considerado en el periódico "Svenska Dagbladet" "uno de los debuts poéticos mas prometedores y apasionantes de los ultimos años". Es una colección de poesia experimental, llena de imágenes. Su próximo libro tardó varios años y esta vez fue una colección de cuentos "Las noches, Verónica" (Forum, 2006) con su centro de acción en Lisboa, lugar de residencia del escritor durante varios años. Entre 2006 y 2007 ha vivido por períodos de tiempo en Estambul, estancias que han dado lugar al poema largo "Si llueve cuando llegues a Estambul" (2007). En su actividad como crítico literario tiene amplias areas de interés, por ejemplo la literatura en español y portugués, asi como la turca. Ha colaborado en una serie de revistas literarias suecas y extranjeras. Desde hace varios años escribe regularmente crítica literaria y columnas en el periódico sueco "Sydsvenskan" y colabora en el programa "Obs" en P1 de la radio sueca. Henrik Nilsson es tambien traductor de poesia del idioma español y portugués. "Si llueve cuando llegues a Estambul" (aura latina,2007) (Om det regnar när du kommer till Istanbul).Cuando el poema largo comienza oscurece en la gran ciudad de Estambul, donde el escritor ha vivido algunas temporadas en los últimos años. Un viaje exterior y interior hacia la profundidad de la noche y la lluvia. Imágenes concretas se mezclan con reflexiones oscuramente centelleantes hasta que poco a poco el poema se transforma en un drama existencial.


• ELISA DAVOGLIO nació en Livorno en 1976. Vive en Roma. Entró en 2006 a pertenecer al comité del Romapoesía. Su primer libro Olio Burning ( aceite quemante) fué publicado por Perrone Editores en diciembre de 2006, luego que sus textos aparecieran en la revista Gradiva y en la Revista Americana de Poesía Chelsea (traducidos al inglés). “Olio Burning” fué finalista a los premios Camaiore 2007 y Feronia 2007. En el prefacio de Daniela Attanasio a su libro “Olio Burning”, encontramos: “Un poeta es definido como tal, por ciertas característica peculiares que emergen del sentido de su escrito y por una especialísima sensibilidad que lo lleva a mirar el mundo y a sentir la vida con un vigoroso  giro de dirección. Este giro es un fenómeno que concierne al ojo, al corazón y además naturalmente a la lengua. // La poesía de ésta primera selección de Elisa Davoglio es rica en giros, en virajes del sentimiento en la cual el idioma por excesivo apremio casi parece incapaz de dejarla de cantar. Es en efecto, tal la velocidad de su expresión que no le permite detenerse a concluirla en una introspección en la que haya manera de escudriñar el desarrollo lógico – creativo de la percepción de lo real o de lo imaginario, para hacerla crecer en la frase poética. // Aquí la historia de cada poesía es una madeja de pequeños milagros que suceden sólo en instantes de la existencia, arrancados a la biografía y llevados a las páginas como si éstas fueran el testimonio vital de aquella transformación o recreación de la realidad, que es a fin de cuentas la obra poética. // A ésta búsqueda no es ajena su formación científica, fuerte componente de su expresión y su fuente metafórica predilecta; una especie de “Transfert” (transbordo) de la percepción de la vísceras y del corazón, a una percepción del cerebro. // “Olio Burning” Historia de amor y de poesía que cierra la selección, es tal vez el ejemplo más claro, aunque extremo del tema. // Los versos que componen “Olio Burnig” (Aceite quemante) son en realidad una catalogación de los aceites combustibles y de los daños que provocan en los mares y cuyo efecto contaminante es una experiencia metafórica de la pasión amorosa.